infomedia-sh.aktuell März 2007

Newsletter von infomedia-sh.de

Inhalt

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belichtet – Themenschwerpunkt:
Berlinale 2007
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Auf der Berlinale

Die Bären sind vergeben – Preisträger der Wettbewerbe der Berlinale 2007
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_preise_wettbewerb.html

Preise unabhängiger Jurys
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_preise_unabhaengige_jury.html

Liliput Preis 2007
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_liliput_preis.html

Erfolgreicher Ausklang des Berlinale Talent Campus #5
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_talentcampus.html

Wettbewerb

Von verbohrten Männern und selbstbewussten Frauen:
Ein Rückblick auf den Wettbewerb der 57. Filmfestspiele Berlin
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_wettbewerb.html

Redliche Fernsehkost im Wettbewerb: „Die Fälscher“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_faelscher.html

Menschen im Hotel: „Ich habe den englischen König bedient“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_englischer_koenig.html

Traumhaft: „Yella“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_yella.html

Die Gewaltfrage: „300“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_300.html

Forum

Das irrste Ereignis der Berlinale:
„Brand upon the Brain!“ in der Deutschen Oper
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_brand_upon_brain.html

Sehnsucht nach Familie - Das Familienbild in den asiatischen Filmen:
„Ad Lib Night“, „Mona Lisa“, „Lost in Beijing“, „Faces Of A Fig Tree“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_familie_asien.html

Abschied von der Familie: „Nachmittag“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_nachmittag.html

Kains und Abels – unbewaffnet: „Shotgun Stories“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_shotgun_stories.html

Jugendliches Verstehen, das einem die Hoffnung lässt: „Jagdhunde“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_jagdhunde.html

What’s America for me?: „Killer Of Sheep“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_killer_of_sheep.html

Panorama und Panorama Special

Vergissmeinnicht in Ontario: „Away From Her“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_away_from_her.html

Szenen keiner Ehe: „2 Days in Paris“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_2_days_in_paris.html

Faustischer Kampf der Kulturen: „Takva“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_takva.html

Zerbrechliche Fragmente einer Jugend: „The Tracey Fragments“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_tracey_fragments.html

Der letzte Amerikaner in Nord-Korea: „Crossing The Line“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_crossing_line.html

Lehrer Specht lässt grüßen: „Guten Morgen Herr Grothe“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_herr_grothe.html

Perspektive Deutsches Kino

Doppelte Mütter: „Was am Ende zählt“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_was_am_ende_zaehlt.html

Keine Perspektive: „Osdorf“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/b_osdorf.html

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abgedreht – aktuelle Produktionen
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Dreharbeiten zu „Du bist mein Afrika“ beendet
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/schulzeck_afrika.html

„Der Wirt, die Kneipe und das Fest“ auf Schleswig-Holstein-Tournee
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/wirt_kneipe_fest.html

Tournee des Dokumentarfilms „Haus - Halt - Hilfe“ geht zu Ende
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/haus-halt-hilfe.html

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zugeschaut – Festivals
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Augenweide-Programmauswahl läuft in Wien
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/augenweide_wien.html

Festivaleinladungen für „Wolkenjäger“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/wolkenjaeger_festivals.html

NoBudgetNacht in Flensburg
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/nobudgetnacht.html

KUNSTGRIFF Rolle 2007 – Ausschreibung
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/kustgriffrolle.html

Neue Preise und Sponsoren beim Internationalen KurzFilmFestival Hamburg
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/kurzfilmfest_hh_sponsoren.html

„Der flotte Dreier“: Ein guter Heimatfilm ist drei Minuten lang
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/flotter_dreier.html

Festival „sehsüchte“:
Der Produzentenpreis 2007 wartet mit Glanzlichtern auf
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/sehsuechte.html

20 Jahre European Media Art Festival (EMAF)
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/emaf.html

2. NoBudget Video+Filmfestival Heilbronn / Weimar
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/nobudget_filmfest.html

Festivalkalender 2007
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/festivalkalender.html

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gefördert – Filmförderungs-News
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Filmförderung Hamburg/Schleswig-Holstein im Werden
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/ff_hsh.html

Wir können auch anders – im Mecklenburg-Vorpommern Film e.V. geht es voran
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/mvp_film_ev.html

MEDIA Desk Verleihförderung wird reine Subvention
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/mediadesk_verleihfoerderung.html

Büro der SchulKinoWoche weiterhin besetzt
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/schulkinowoche.html

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preisverdächtig – Film- und Medienwettbewerbe
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„Medienpreis Schleswig-Holstein“ zum dritten Mal verliehen
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/mpsh.html

Montevideo-Videopreis des OKK ging nach Kronshagen
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/montevideo_preise.html

1. Kieler Kulturpreis für Schülerinnen und Schüler
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/schueler_kulturpreis.html

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neuer dreh – Neue Medien und Medienwirtschaft in S.-H.
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Medienanstalt Hamburg / Schleswig-Holstein nimmt ihre Arbeit auf
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/ma-hsh.html

Klingende Blicke in den blauen Planeten:
Der Mediendom der FH Kiel zeigt „Metavista – eine Klang(t)raumreise“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/metavista.html

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auf die Plätze, Vorhang auf! – Kino-News
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Highlights im Kieler Hansafilmpalast
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/hansa.html

Highlights im Kieler Traum-Kino
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/traumkino.html

Highlights im KoKi Kiel
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/koki_ki.html

Highlights im KoKi Lübeck
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/koki_hl.html

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aufgemerkt – Veranstaltungs- und andere Tipps
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Touch & Try Event am 20. April im Holsteiner in Kiel
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0703/touch_and_try.html

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Impressum

infomedia-sh.de wird herausgegeben von der Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein e.V.
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Konzeption:

Dr. Christoph Corves, Dokufaktur
http://www.dokufaktur.de
mailto:info@dokufaktur.de

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belichtet – Themenschwerpunkt:
Berlinale 2007
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Auf der Berlinale

Die Bären sind vergeben – Preisträger der Wettbewerbe der Berlinale 2007

Die Bären sind wieder einmal vergeben: 1.600 geladene Gäste im Berlinale Palast und Millionen vor den Fernsehbildschirmen waren dabei, als die Hauptpreise des Festivals überreicht wurden. Als Höhepunkt des Abends überreichten Jurypräsident Paul Schrader und Festivaldirektor Dieter Kosslick den Goldenen Bären an Wang Quan’an und Le Wang, den Regisseur und den Produzenten des Gewinnerfilms Tu ya de hun shi (Tuya’s Marriage). Zuvor waren in einem spannenden Countdown die Silbernen Bären, der Alfred-Bauer-Preis und der Preis für den Besten Erstlingsfilm vergeben worden. Als Abschlussfilm wurde anschließend als Weltpremiere Angel von Francois Ozon gezeigt.

Die Mitglieder der Internationalen Jury der Berlinale 2007, Paul Schrader (Jurypräsident), Hiam Abbas, Mario Adorf, Willem Dafoe, Gael García Bernal, Nansun Shi und Malene Stensgaard vergeben die folgenden Preise:

Goldener Bär für den Besten Film
an Le Wang, den Produzenten des Films Tu ya de hun shi | Tuya's Marriage von Wang Quan’an

Silberner Bär - Großer Preis der Jury 2007
El otro | Der Andere von Ariel Rotter

Silberner Bär - Beste Regie 2007
Joseph Cedar für Beaufort

Silberner Bär - Beste Darstellerin 2007
Nina Hoss in Yella von Christian Petzold

Silberner Bär - Bester Darsteller 2007
Julio Chavez in El otro von Ariel Rotter

Silberner Bär - Herausragende künstlerische Leistung 2007
Das Schauspielensemble von The Good Shepherd | Der gute Hirte von Robert De Niro

Silberner Bär - Beste Filmmusik 2007
David Mackenzie für das musikalische Konzept seines Films Hallam Foe

Alfred-Bauer-Preis 2007
Sai bo gu ji man gwen chan a | I’m A Cyborg, But That’s Ok von Park Chan-wook

Preis Bester Erstlingsfilm 2007

Der Preis für den Besten Erstlingsfilm wird sektionsübergreifend an einen Debütfilm aus dem Wettbewerb, dem Panorama, dem Forum oder der Sektion Generation vergeben. Über den Gewinnerfilm entscheidet eine dreiköpfige internationale Jury. Der Preis wird von der Gesellschaft zur Wahrnehmung von Film- und Fernsehrechten (GWFF) gestiftet. Sie verdoppelte zur Berlinale 2007 die Dotierung auf 50.000 Euro. Regisseur und Produzent des ausgezeichneten Films teilen sich das Preisgeld.

Die Mitglieder der Jury für den Besten Erstlingsfilm, Judy Counihan, Niki Karimi und Gerhard Meixner, vergeben den Preis an Vanaja von Rajnesh Domalpalli.

Goldener Ehrenbär 2007 an Arthur Penn

Mit einem Goldenen Ehrenbären würdigt die Berlinale bedeutende Persönlichkeiten des Films. Die Auszeichnung wird für ein herausragendes künstlerisches Lebenswerk verliehen und geht regelmäßig an den Ehrengast der Hommage. Es können aber auch weitere Goldene Ehrenbären unabhängig von der Hommage verliehen werden.

Dem renommierten Filmregisseur Arthur Penn wurde auf der Berlinale 2007 ein Ehrenbär für sein filmisches Lebenswerk verliehen. Ihm war auch eine 10 Filme umfassende Hommage gewidmet. Mit Filmen wie Bonnie and Clyde (1967), Alice`s Restaurant (1969) und Night Moves (1975) gehört er zu einem der wichtigsten Protagonisten des US-amerikanischen Autorenkinos. Seine Filme entstanden oft außerhalb der üblichen Studio-Konventionen. Sie sind kritische Auseinandersetzungen mit der amerikanischen Gesellschaft, wurden zum Auslöser der New-Hollywood-Ära und haben diese fruchtbare Epoche maßgeblich geprägt.

Preise der Generation Kplus Kinderjury 2007

Im Rahmen von Generation werden in den Wettbewerben Generation Kplus und Generation 14plus mehrere Preise vergeben, sowohl an Kurz- wie an Langfilme. Drei verschiedene Jurys geben hier ihre Voten ab: Die Kinderjury vergibt als Großen Preis des Wettbewerbs Generation Kplus einen Gläsernen Bären für den besten Spielfilm und als Spezialpreis einen Gläsernen Bären für den besten Kurzfilm.

Die Mitglieder der Kinderjury, Can Deniz Binici, Sandra Botzet, Liliann Fischer, Maïmouna Guirassy, Maxim Michaelis, Anita Oberlin, Mara Ohlhoff, Sammy Steward, Paul Trabhardt, Ngoc Diep Lila Tran und Moritz Wagner, vergeben folgende Preise:

Gläserner Bär für den besten Spielfilm
Dek Hor | Das Internat von Songyos Sugmakanan
Jury-Begründung: „In diesem Film wird mit unglaublicher Spannung gezeigt, wie eine enge Freundschaft zwischen zwei Jungen aus unterschiedlichen Welten möglich ist. Mit überzeugenden Schauspielern ist aus diesem Film ein sehr besonderer geworden.“
Lobende Erwähnung: Mukhsin | Mukhsin und ich von Yasmin Ahmad

Gläserner Bär für den besten Kurzfilm
Menged | Unterwegs von Daniel Taye Workou
Jury-Begründung: „Dieser Kurzfilm behandelt eine außergewöhnliche Vater-Sohn-Geschichte. Besonders gut gefiel uns die dem Film zugrunde liegende Moral und seine humorvolle Gestaltung.“
Lobende Erwähnung: Land gewinnen von Marc Brummund

Preise der Generation 14plus Jugendjury 2007

Die Mitglieder der Jugendjury, Lena-Lotte Agger, Silvia Dudek, Elif Erönder, Till Gerber, Adam Heise, Jean-Marc Philippe Montag und Ruby Reimann, vergeben folgende Preise:

Gläserner Bär für den besten Spielfilm:
Adama Meshuga’at von Dror Shaul
Jury-Begründung: „Ist es möglich Individualität und Freiheit mit dem Wunsch nach Gemeinschaft zu verbinden? Die authentische Darstellung einer engen Mutter-Sohn-Beziehung und der Suche nach dem eigenen Weg hat uns tief berührt. Der Gläserne Bär für den besten Spielfilm geht an Adama Meshuga’at von Dror Shaul.“
Lobende Erwähnung: The Fall von Tarsem Singh
Jury-Begründung: „Die beeindruckenden Bilder, welche die traumhafte Märchenwelt mit der harten Realität verbinden, bleiben uns sicherlich noch lange in Erinnerung. Die wundervolle Hauptdarstellerin hat es geschafft, uns zu bezaubern und für 110 Minuten in ihren Bann zu ziehen. Die Lobende Erwähnung geht an den Film The Fall von Tarsem Singh.“

Preise der Internationalen Jury von Generation Kplus

Die Internationale Jury des Wettbewerbs Generation Kplus vergibt den mit 7.500 Euro dotierten „Großen Preis des Deutschen Kinderhilfswerkes“ an den besten Spielfilm. Der mit 2.500 Euro dotierte „Spezialpreis des Deutschen Kinderhilfswerkes“ geht an den besten Kurzfilm.

Die Mitglieder der Internationalen Jury des Wettbewerbs Generation Kplus, Andreas Steinhöfel, Sitora Alieva, Justin Johnson, Leontine Petit und Reza Bagher, vergeben folgende Preise:

Großer Preis des Deutschen Kinderhilfswerks
Mukhsin | Mukhsin und ich von Yasmin Ahmad
Jury-Begründung: „Eine wunderbare, bisweilen fast magische Atmosphäre, getragen von wunderbarer Musik. Poetische Bilder, so unaufdringlich wie das Schlagen von Schmetterlingsflügeln. Ein Humor und Filmfiguren, die das Publikum im Zoo Palast zu Begeisterungsstürmen hinrissen. All das im Dienst der Geschichte um eine Freundschaft, die noch nicht Liebe zu sein wagt, und eine Liebe, der Freundschaft plötzlich nicht mehr genug ist.“
Lobende Erwähnung: Dek Hor / Das Internat von Songyos Sugmakanan, Thailand

Spezialpreis des Deutschen Kinderhilfswerks
Land gewinnen von Marc Brummund
Jury-Begründung: „Ein einziger Wunsch eines Kindes verändert die Welt so sehr, dass Erwachsene deren Regeln nicht mehr befolgen, sondern sie brechen. Dass sie eigene Ängste überkommen, um diesem Kind die Angst zu nehmen, nie dazu gehören zu dürfen. Der Spezialpreis des Deutschen Kinderhilfswerkes geht an einen herzergreifenden Film, der eine perfekte Balance hält zwischen Kameraarbeit, Schnitt und herausragenden Darstellerleistungen.“
Lobende Erwähnung: Drengen i kufferten | Der Junge im Koffer von Esben Toft Jacobsen

Preisträger des Kurzfilmwettbewerbs

Die Mitglieder der Internationalen Kurzfilmjury, Peace Anyiam-Fiberesima (Nigeria), Riina Sildos (Estland) und Ning Ying (China), vergeben die folgenden Preise:

GOLDENER BÄR an
Raak von Hanro Smitsman (Niederlande)
Jury-Begründung: „Für einen brillanten Film, der sich der großen Themen Liebe, Wut und Verzweiflung mit viel Humor annimmt. Wir ehren den Regisseur für sein Können, dieselbe Story aus drei Blickwinkeln ausgesprochen kompakt zu erzählen.“

SILBERNER BÄR ex aequo an
Decroche von Manuel Schapira (Frankreich)
Jury-Begründung: „Eine kurze, liebenswerte Komödie, die gelungen unser Unvermögen zu kommunizieren illustriert. Sie zeigt die Tücke des digitalen Zeitalters, dass die Menschen einer Telefonstimme leichtgläubig vertrauen.“
Mei von Arvin Chen (USA-Taiwan, China)
Jury-Begründung: „Die wunderschöne und zärtliche Geschichte einer bedingungslosen Liebe vor dem Hintergrund einer pulsierenden Großstadt.“

Prix UIP an
Rotten Apple von Ralitza Petrova (Großbritannien)
Jury-Begründung: „Mit visueller Frische wird die Suche eines Jungen nach einem normalen Familienleben gezeigt.”

DAAD Kurzfilmpreis an
Annem Sinema Ögreniyor von Nesimi Yetik (Türkei)
Jury-Begründung: „Für seine brillante, kinematografische Einfachheit.”

(nach Pressemitteilungen der Berlinale)

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Preise unabhängiger Jurys

Preise der Ökumenischen Jury

Seit 1992 sind die internationalen Filmorganisationen der evangelischen und der katholischen Kirchen – Interfilm und Signis – durch eine aus sechs Mitgliedern bestehende gemeinsame ökumenische Jury vertreten. Die Jury vergibt ihren Hauptpreis für einen Film aus dem Wettbewerb, sowie je einen mit 2.500 Euro dotierten Preis für einen Film aus der Sektion Panorama und aus dem Programm des Forums. Die Jury ehrt mit den Preisen Filmschaffende, die in ihren Filmen ein menschliches Verhalten oder Zeugnis zum Ausdruck bringen, das mit dem Evangelium in Einklang steht, oder die es in ihren Filmen schaffen, die Zuschauer für spirituelle, menschliche und soziale Werte zu sensibilisieren. Die Jurymitglieder für die Berlinale 2007: Charles Martig (Jurypräsident). Angelika Obert, Théo Peporte, Anita Uzulniece, Marjorie Suchocki, Katharina Zeckau.

Die Jury vergibt folgende Preise:

Wettbewerb
Tu ya de hun shi (Tuyas Ehe) von Wang Quan’an
Jury-Begründung: „Tuya, eine Frau in der mongolischen Steppe, kämpft mit einem behinderten Mann und zwei Kindern um ihre Existenz. Eine hilfreiche Lösung wäre es, einen neuen Mann zu heiraten. Schmerzhaft ist ihr Weg, aber getragen von einem Grundvertrauen. Dem Film gelingt es in bewegenden Bildern nahe an der traditionellen Kultur zu bleiben. Mit einem liebenden Blick und Sinn für die Ambivalenz menschlicher Entscheidungen inszeniert er das Beziehungsdrama glaubwürdig.“

Panorama
Luo Ye Gui Gen (Getting Home) von Zhang Yang
Jury-Begründung: „Zhao bringt den Leichnam seines plötzlich verstorbenen Kumpels in dessen weit entfernte Heimatstadt zurück. Ein schwieriges Unterfangen, bei dem er immer wieder auf Hilfe angewiesen ist. Ein ungewöhnliches Roadmovie, das mit viel Humor und Fantasie liebevoll davon erzählt, wie eine unmöglich scheinende Aufgabe durch viele Begegnungen bewältigt werden kann. Auch unter extrem harten sozialen Bedingungen wird so menschliche Nähe sichtbar.“

Forum
Chrigu von Jan Gassmann und Christian Ziörjen
Jury-Begründung: „Chrigu, ein junger Mann, der unheilbar an Krebs erkrankt ist, dokumentiert den Prozess seines Sterbens als Teil des Lebens, und sein Leben als Teil des Sterbens. Vor seiner Krankheit arbeitete Chrigu als Produzent und Regisseur für eine befreundete Hiphop-Band. Deren pulsierende Musik unterstreicht den Rhythmus von Freude und Schmerz, Lachen und Traurigkeit, Leben und Tod. Indem er die Unausweichlichkeit des Todes akzeptiert, betont Chrigu den Wert des Lebens.“

Preise der FIPRESCI Jurys

Die Jurys der „Fédération Internationale de la Presse Cinématographique“, des internationalen Verbands der Filmkritik, sichteten Filme aus dem Programm des Wettbewerbs und in den Sektionen Panorama und Forum. Pro Sektion wird ein Preis für den besten Film vergeben. Die drei FIPRESCI Jurys der Berlinale 2007 setzen sich wie folgt zusammen: Phillip Bergson, Heike Hurst, Jerzy Plazewski (Wettbewerb); José Carlos Avellar, Jürgen Kiontke, Dinko Tucakovic (Panorama); Salome Kikaleishvili, Dana Linssen, Rüdiger Suchsland (Forum).

Wettbewerb
Obsluhoval jsem anglického krále | Ich habe den englischen König bedient von Jirí Menzel

Panorama
Takva von Özer Kiziltan

Forum
Jagdhunde von Ann-Kristin Reyels

Preis der Gilde deutscher Filmkunsttheater

Die Jury der „Gilde deutscher Filmkunsttheater“ setzt sich aus drei Juroren zusammen, die Kinobetreiber und Mitglieder der Gilde sind. Sie vergibt ihren Preis an einen Film des Berlinale-Wettbewerbs. Die Jurymitglieder für die Berlinale 2007: Adrian Kutter, Werner Renneke, Burkhard Hofmann. Die Jury vergibt den Preis an: Hallam Foe von David Mackenzie.

Preise der C.I.C.A.E.

Für die Confédération Internationale des Cinémas D’Art et Essai (C.I.C.A.E.), den Internationalen Verband der Filmkunsttheater, waren zwei Jurys auf der Berlinale tätig: eine vergibt einen Preis an einen Film des Panoramas, eine kürt einen Film des Forums. Jurymitglieder im Panorama 2007: Stephanie Flauger, Nikos Grigoriadis, Marianne Piquet, und im Forum: Katri Laiho, Ursula Philipp Schürmann, Davide Zanza.

Die Jury vergibt folgende Preise:

Panorama
The Bubble von Eytan Fox

Forum
Heimatklänge von Stefan Schwietert

Label Europa Cinemas

Das Label „Europa Cinemas“ wurde auf dem Filmfestival in Cannes 2003 erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt. Ziel der Initiative ist die Förderung europäischer Filme, ihres Verleihs und ihrer Wahrnehmung beim Publikum und in den Medien. Es wird jeweils ein europäischer Film der Quinzaine des Réalisateurs in Cannes und seit 2004 auch der Venice Days in Venedig mit dem Label durch eine Jury von 5 Mitglieds-Kinobetreibern ausgezeichnet. 2005 wurde diese Auszeichnung zum ersten Mal auf der Berlinale vergeben, und zwar an einen europäischen Film des Panoramas. Die Jury auf der Berlinale 2007: Georgette Ranucci, Michal Drobny, Christian Schmalz, Staš Ravter.

Die Jury zeichnet El Camino de los Ingleses (Sommerregen) von Antonio Banderas aus.

Manfred-Salzgeber-Preis

Der Preis ist nach dem langjährigen Leiter des Panorama und Mitgestalter des Festivals, Manfred Salzgeber, benannt. Die Jury besteht aus drei Mitgliedern und vergibt einen Preis an einen „die Grenzen des Kinos erweiternden Spiel- oder Dokumentarfilm“ im Panorama. Der Preisträgerfilm darf noch keinen Verleih in mehr als einem europäischen Land haben. Der Preis ist ein Sachpreis und beinhaltet die Untertitelung eines abendfüllenden Films, inklusive Übersetzung, Lasern der Filmkopie und Erstellung eines Digital Source Masters. Der Preis wird gesponsert von Holland Subtitling, Babelfisch Translations und Digital Cinema Services. Die Jury auf der Berlinale 2007: Udi Aloni, Kanako Hayashi und Jost Hering.

Die Jury vergibt den Preis an The Tracey Fragments von Bruce McDonald. Lobende Erwähnung: Boldog új élet (Happy New Life) von Árpád Bogdán.

Teddy Awards

Die Teddy-Awards gehen an Filme, die in einem schwul-lesbischen Kontext stehen. Die neun Mitglieder der internationalen Jury werden zum großen Teil aus dem Kreis schwul-lesbischer Filmschaffender und FestivalmacherInnen gewählt. Sie sichten Filme aller Festivalsektionen. Aus einer von der Jury festgelegten Auswahl von Filmen wird ein mit je 3.000 Euro dotierter Teddy an einen Spielfilm, einen Kurzfilm und einen Dokumentarfilm vergeben. Die Teddy-Jury der Berlinale 2007: Charlie Boudreau (Präsidentin der Jury), Ailton Franco Jr., Frédéric Arends, Kam Wai Kui, Michaela Pnacekova, Raymond Phathanavirangoon, Jason Plourde, Fanney Tsimong.

Die Jury vergibt folgende Preise:

Der TEDDY für den besten Spielfilm, dotiert mit 3.000 Euro, gestiftet vom TEDDY e.V. mit Unterstützung der Berliner schwul lesbischen Szene und ihrer diversen Spenderinnen und Spender, geht an
Ci-Qing | Spider Lillies von Zero Chou
Jury-Begründung: „Prämiert für seine symbolische und vielschichtige Reflektion von Liebe, Verlust und das Wiedererleben von Gefühlen durch Erinnerung.“
Besondere Erwähnung für kinematografische Qualität: La León von Santiago Otheguy. Jury-Begründung: „In Anerkennung seiner erhabenen Kinematografie bei der Darstellung einer isolierten Existenz in Argentinien.“

Der TEDDY für den besten Dokumentarfilm, dotiert mit 3.000 Euro, gestiftet vom schwul lesbischen Förderverein elledorado e. V., Berlin geht an
A Walk Into The Sea: Danny Williams And The Warhol Factory von Esther B. Robinson
Jury-Begründung: „Die Rekonstruktion eines an eine zügellose Pop-Art-Bewegung verlorenen Künstlers, dessen Leben und Tod geheimnisvoll verschleiert sind.“

Der Förderverein TEDDY e.V. verleiht dem Schauspieler Helmut Berger einen Special Teddy für sein Gesamtwerk.

Der Teddy Ballot Volkswagen Zuschauerpreis geht an: Notes On A Scandal (Tagebuch eines Skandals) von Richard Eyre.

„Dialogue en perspective“

Im Rahmen der Preisverleihung der unabhängigen Jurypreise der Berlinale hat eine junge deutsch-französische Jury den „Dialogue en perspective“ an den Film Prinzessinnenbad von Bettina Blümner vergeben. Die Jury wurde 2004 vom französischen Fernsehsender TV5MONDE gemeinsam mit den Internationalen Filmfestspielen Berlin initiiert und vergibt den Preis in Zusammenarbeit mit dem DFJW nun zum bereits vierten Mal an einen Film aus der Sektion Perspektive Deutsches Kino.

Die sieben deutschen und französischen Jurymitglieder zwischen 18 und 29 Jahren haben gemeinsam mit der Juryvorsitzenden Mathilde Bonnefoy, die 1999 den Deutschen Filmpreis als Cutterin des Kultfilms Lola rennt gewann, alle Beiträge der Berlinale-Sektion Perspektive Deutsches Kino mit jungem, interkulturellem Blick gesichtet. Warum am Ende Prinzessinnenbad alle am meisten begeistern konnte, begründet die Jury wie folgt: „Der Preis ’Dialogue en Perspective’ geht an einen dokumentarischen Film, der die Poesie alltäglicher Geschichten offen legt. Dem Film gelingt es, die Intimität und das Wesen der Protagonisten derart zu berühren, dass die Distanz zur fremden Wirklichkeit überwunden werden kann.“

Eine lobende Erwähnung geht an einen Film, der das Dokumentarische in der Fiktion verankert. „Hotel Very Welcome von Sonja Heiss beeindruckt durch die Leichtigkeit, mit der er zeigt, wie sich die persönlichen Fragen der fünf Figuren nach dem Sinn ihres Lebens in den Begegnungen mit einem fremden Land spiegeln. Die beiden ausgewählten Filme überzeugen durch ihren innovativen Umgang mit den erzählerischen Mitteln des Dokumentarischen und des Fiktionalen.“

Auch in diesem Jahr ging es TV5MONDE und dem DFJW wieder darum, mit der Vergabe des unabhängigen Jurypreises „Dialogue en perspective“ in der Sektion Perspektive Deutsches Kino den cineastischen Dialog zwischen jungen Deutschen und Franzosen zu fördern: „Es ist eine wunderbare Gelegenheit für TV5MONDE, mit einer jungen Jury auf einem weltbekannten Filmfestival den deutsch-französischen Dialog sowie zugleich den interkulturellen Austausch über den deutschen Film anzuregen. Ein solches Engagement, das zudem ganz im Zeichen der Jugend steht, ist für uns als internationaler Sender sehr wichtig. Die Nähe zur allgemeinen Öffentlichkeit und zu unseren Zuschauern ist eine der Prioritäten im Rahmen unseres Senderprofils und gibt TV5MONDE die Möglichkeit, sich einen festen Platz in der deutschen Medienlandschaft zu sichern. Diesem Vorhaben entspricht zum einen unsere jährliche Partnerschaft mit der Berlinale und zum anderen unsere Programmgestaltung während des gesamten Jahres, indem wir dem deutschen Publikum dank gezielter Untertitelung den französischen Film näher bringen. Dieses Engagement wird durch unsere junge Jury widergespiegelt, die im Gegenzug einen zum Teil sehr französischen Blick auf das deutsche Kino wirft“, so Fabrice Grandhomme, Managing Director TV5MONDE.

Die Generalsekretäre des DFJW, Dr. Eva Sabine Kuntz und Max Claudet: „Auch in diesem Jahr war der Austausch zwischen den deutschen und den französischen Jurymitgliedern sehr intensiv: es ging um Filmtechniken, um Inhalte, um Drehbücher, um Regie und Schauspieler. Hitzige Wortwechsel und leidenschaftliche Diskussionen haben gezeigt, dass der deutsche Film jede Menge Gesprächsstoff bietet, und der Dialog den jungen Cineasten aus Deutschland und Frankreich neue Perspektiven eröffnet.“

Auch für Alfred Holighaus, Leiter der Sektion Perspektive Deutsches Kino, war es wieder spannend und interessant, wie sich die Jury entscheiden würde: „Der junge Preis, der von einer jungen Jury vergeben wird, geht nun schon zum zweiten Mal an einen Dokumentarfilm. Und im Mittelpunkt stehen diesmal junge Menschen, die einem erstaunten Publikum zeigen, wie man aus einem Problembezirk einen lebens- und liebenswerten Ort macht. Das öffnet Grenzen – nicht nur innerhalb Berlins.“

Der Preisträgerfilm wird im Herbst 2007 beim Festival des deutschen Films in Paris vorgestellt.

Caligari Filmpreis 2007

Anlässlich der 57. Internationalen Filmfestspiele Berlin vergab der Bundesverband kommunale Filmarbeit den Caligari Filmpreis, den wichtigsten Preis des Internationalen Forums des Jungen Films, an

Kurz davor ist es passiert von Anja Salomonowitz (Österreich 2006).

Die diesjährige Jury bildeten: Beate Preisler (Internationales Frauenfilmfestival Dortmund, Köln), Peter Link (Weitwinkel, Kommunales Kino Singen) und Rolf-Rüdiger Hamacher („film-dienst“, Bonn/Köln).

Begründung der Jury: „Intelligent strukturiert verbindet Anja Salomonowitz’ Dokumentarfilm über Frauenhandel und illegale Migrantinnen doppelbödig inszenierte Realität zu einer spannend-erhellenden Analyse gesellschaftlicher Missstände. Dabei verwischt der Film auch die Grenzen zwischen den sozialen Schichten der Protagonisten und verlangt so vom Betrachter, eine eigene Position einzunehmen. Der sowohl eigenwillige als auch spielerische Blick der Regisseurin provoziert die Neugierde des Zuschauers, der durch die inszenatorische Konfrontation mit authentischen Schicksalen nachhaltig berührt das Kino verlässt.“

Eine lobende Erwähnung geht an Wolfsbergen von Nanouk Leopold (Niederlande 2007) mit der Begründung: „Nanouk Leopolds assoziativ-fragmentarische „Familienaufstellung“ erlaubt uns einen intimen, aber nie voyeuristischen Blick auf unerfüllte Lebensentwürfe. Dabei nehmen sich die niederländische Regisseurin und ihr Kameramann Richard van Oosterhout Zeit, uns in ihre kunstvoll kadrierten Bilder zu ziehen. Die „Leerstellen“ der elliptischen Erzählweise verbinden sich mit dem intensiven Spiel der Darsteller zu Momenten verstörender Kraft.“

Der Bundesverband kommunale Filmarbeit, die Dachorganisation von rund 140 Kommunalen Kinos in Deutschland, verleiht die Auszeichnung bereits zum 22. Mal an einen stilistisch und thematisch innovativen Film aus dem Programm des Internationalen Forums des Jungen Films. Damit soll auch die Bedeutung dieser Sektion der Berlinale für die kulturelle Kinoarbeit gewürdigt werden. Initiator des Preises ist Heiner Roß (Kommunales Kino Metropolis, Hamburg). Die mit 4.000 Euro dotierte Prämie geht je zur Hälfte an den Regisseur und an den zukünftigen Verleih und wird von den Kommunalen Kinos und der Zeitschrift „film-dienst“ gestiftet. Medienpartner ist die taz. Die Preisstatuette wurde erneut von der Kölner Bildhauerin Gesina Liebe entworfen und gestaltet und wird von der Verlagsgruppe Rheinischer Merkur, Bonn, finanziert.

NETPAC-Preis

Das „Network for the Promotion of Asian Cinema“ (NETPAC) ist ein Zusammenschluss von Festivalorganisatoren und Filmkritikern, die sich die Förderung des asiatischen Films zum Ziel gesetzt haben. Die Jury sichtet asiatische Filme im Programm des Forums. Die Jury setzt sich zusammen aus Budi Irawanto (Jury-Präsident), Intishal al Timimi und Yang Yong-hi.

Die Jury vergibt den Preis ex aequo an:

Tuli von Auraeus Solito
Jury-Begründung: „Auraeus Solito has yet again impressed with his sensitive portrayal of sole and pertinent aspect of indigenous Filipino culture. The film may have faced problems of funding and censorship. But what comes through clearly, is Solito’s ability in handling bold subjects. Tuli is a lyrical weave of a story well told, beautiful images and very good acting. The choice of locations, and the music too, deserve a special mention.“

Ichijiku no kao (Faces of a Fig Tree) von Momoi Kaori
Jury-Begründung: „The film shows peculiar customs in Japanese society set in the unique yet quaint family. Through Momoi’s brilliant acting, directing, and script writing, the film gives the subtle aspects of Japanese culture in which emotions and desires are hidden in the superficial daily interactions. Unsurprisingly, the film has a richness of narrative layers and moods coloured with experimental passions.“

Friedensfilmpreis

Die Jury besteht aus neun Mitgliedern, die Filme aus allen Sektionen sichten. Der Hauptpreis ist mit 5.000 Euro dotiert und wird von der „Initiative Friedensfilmpreis“ in Verbindung mit den „Ärzten zur Verhütung des Atomkriegs“ (IPPNW) und der Heinrich-Böll-Stiftung gestiftet. Darüber hinaus kann die Friedensfilmpreis-Jury lobende Erwähnungen aussprechen. Die Jurymitglieder auf der Berlinale 2007: Harriet Eder, Christoph Heubner, Wilma Pradetto, Monica Chana Puginier, Simone Schmollack, Michael Schorr, Marianne Wündrich-Brosien.

Die Jury vergibt den Preis an Goodbye Bafana von Bille August.
Jury-Begründung: „Hineingeboren in das System der Apartheid, die er als vernünftig und gottgegeben mitträgt, sucht der Gefängniswärter James Gregory nach bürgerlicher Sicherheit in seiner Familie und nach beruflicher Karriere: Überzeugt von der Grausamkeit der Schwarzen und ihren Absichten, die Weißen aus Südafrika verjagen zu wollen, wird er in einer neuen Aufgabe als Zensor mit dem Häftling Nelson Mandela und dessen Mitgefangenen auf der berüchtigten Gefängnisinsel Robben Island konfrontiert. Beeindruckt von der Gedankenwelt und der Menschlichkeit Mandelas und der brutalen Gewalt, der die Häftlinge tagtäglich ausgesetzt sind, beginnt im Kopf und im Herzen James Gregorys ein Prozess der Veränderung, der ihn und seine Familie vor existentielle Herausforderungen stellt. Ein Film, der auf einer wahren Geschichte beruht und uns zeigt, dass auch im starrsten System und unter großem Druck Zivilcourage wachsen kann, die aus einem Mittäter einen selbstständig denkenden und handelnden Menschen werden lässt: eine Ermutigung.“

Amnesty International Filmpreis

Die deutsche Sektion von „amnesty international“ verlieh auf der Berlinale 2005 erstmalig den Amnesty International Filmpreis, der bereits auf anderen internationalen Filmfestivals vergeben wird. Der Preis ist mit 2.500 Euro dotiert. Die Jury sichtet Filme der Sektionen Wettbewerb, Panorama und Forum und richtet dabei ein besonderes Augenmerk auf Dokumentationen. Ziel des Preises ist es, die Aufmerksamkeit von Fachbesuchern und breitem Publikum auf das Thema Menschenrechte zu lenken und Filmemacher dazu zu ermutigen, sich dieses Themas verstärkt anzunehmen. Die Jurymitglieder zur Berlinale 2007: Christiane Paul, Ayfer Ergün und Dietmar Kammerer.

Der Preis geht an När Mörkret Faller (When Darkness Falls) von Anders Nilsson.

Femina-Film-Preis

Der Verband der Filmarbeiterinnen e.V. vergibt jährlich den Femina-Film-Preis, im Jahr 2005 erstmals im Rahmen der Berlinale. Der Preis wird verliehen für „hervorragende künstlerische Leistungen einer Technikerin“ in einem deutschsprachigen Spielfilm, und zwar im Bereich Ausstattung, Kamera, Kostüm, Musik oder Schnitt. Ziel des Preises ist, die Bedeutung der künstlerischen Arbeit der mitwirkenden Frauen für das Gesamtresultat eines Filmes hervorzuheben. Die Jury des mit 3.000 Euro dotierten Preises besteht aus drei im Filmbereich tätigen Frauen. Die Jury auf der Berlinale 2007: Sophie Maintigneux, Katharina Sykora und Monika Treut.

Die Jury vergibt den Preis an: Bettina Böhler für ihre Arbeit als Cutterin im Film Yella von Christian Petzold.
Jury-Begründung: „Yella entzieht sich den konventionellen Genrekategorien. Er wechselt zwischen Realismus und den inneren Phantasiebildern der Protagonistin. Der Schnitt trägt die komplexe Erzählstruktur durch seinen souveränen Rhythmus. Er läßt mit Eleganz und Leichtigkeit den Zusammenklang von Regie, Kamera und Sounddesign entstehen. Unmerklich führt er die Zuschauer und Zuschauerinnen in eine Welt, die von jedem Bild zum nächsten voller Überraschungen ist.“

Panorama Publikumspreis

Für den Panorama Publikumspreis können alle Besucher der Berlinale mittels Stimmzetteln votieren. Der Preis wird seit 1999 vergeben und verdankt sich einer gemeinsamen Initiative des Berliner Stadtmagazins „tip“, des Radiosenders „Radioeins“ und des Panoramas.

Der Panorama Publikumspreis geht an: Blindsight von Lucy Walker.

Leserpreis der „Berliner Morgenpost“

Die Jury besteht aus 12 Lesern der Tageszeitung „Berliner Morgenpost“. Es wird ein Spielfilm des Wettbewerbs prämiert.

Der Preis geht an: Irina Palm von Sam Garbarski.

Leserpreis der „Siegessäule“

Die Jury, die sich aus sieben Lesern der „Siegessäule“, einem schwul-lesbischen Berliner Stadtmagazin, zusammensetzt, sichtet Filme aller Sektionen, die in einem schwul-lesbischen Kontext stehen. Der Leserpreis wird an einen Spielfilm verliehen.

Der Preis geht an: The Bubble von Eytan Fox.

Leserpreis des „Tagesspiegel“

Auf der Berlinale 2007 berief erstmalig auch der „Tagesspiegel“ eine Leserjury. Der Leserpreis des Tagesspiegel ist mit 3.000 Euro dotiert und geht an den besten Film des Forums.

Der Preis geht an: Heimatklänge von Stefan Schwietert.
Jury-Begründung: „Dieser Film hat uns überzeugt, weil er erzählt, wie man sich in Zeiten zunehmend gestörter Kommunikation auch ohne Worte mitteilen kann. Wie man auf diese Weise zum Beispiel seine Beziehung zu Heimat zum Ausdruck bringen kann, wie man über Ländergrenzen hinweg kommunizieren und die Tradition, die jeder hat und sich trägt, weiterentwickeln kann. Stefan Schwieterts Film Heimatklänge ermutigt jeden Einzelnen dazu, seinen eigenen Ton zu suchen und auch zu äußern. Und damit in Beziehung zu anderen zu treten und mit ihnen zu kommunizieren.“

Preise des Berlinale Talent Campus

Volkswagen Score Competition

Der von Volkswagen gestiftete Preis wird 2007 zum vierten Mal verliehen und wendet sich an junge Sounddesigner und Komponisten. Diese bewerben sich bei der Volkswagen Score Competition mit der Vertonung von drei ausgewählten Filmausschnitten von je zwei Minuten. Eine internationale Jury wählt die drei besten Bewerber aus, die ihren Score dann gemeinsam mit dem Filmorchester Babelsberg in Berliner Studios umsetzen. Eine Jury kürt im Anschluss den besten Score, dessen Komponist dann eine von Dolby gestiftete Reise nach Los Angeles antreten darf. Der VOLKSWAGEN SCORE COMPETITION Award geht an Ilja Coric. Die Jurymitglieder Jan Kaczmarek, Martin Steyer und Martin Todsharow zeigten sich beeindruckt „von dem frischen Ansatz eines handwerklich herausragenden Scores“.

Berlin Today Award

Für den Berlin Today Award sind die Teilnehmer jedes Campus’ aufgefordert, internationale Teams zu bilden und sich mit einer Kurzfilmidee zu bewerben, die einen Berlin-Bezug hat. Drei Projekte werden ausgewählt und anschließend in Zusammenarbeit mit dem Medienboard Berlin-Brandenburg und Boxfish Films realisiert. Im Folgejahr werden die Filme im Rahmen des Berlinale Talent Campus gezeigt. An den besten von ihnen vergibt eine Jury den Berlin Today Award.

Gewinner des Berlin Today Award 2007: Kasia Klimkiewicz (Polen) und Andrew Friedman (USA) für Wasserschlacht – The Great Border Battle
Jury-Begründung: „Wasserschlacht – The Great Border Battle ist ein Kurzfilm, der von einem Ereignis berichtet, das so nur in Berlin statt finden konnte. Geistreich und nicht allein gag-orientiert, wirklichkeitsnah und kein bisschen prätentiös. Keine leichtes Unterfangen, aber Wasserschlacht ist es gelungen – Glückwunsch!“

(nach Pressemitteilungen der Berlinale und des Bundesverbands Kommunale Filmarbeit e.V.)

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Liliput Preis 2007

Den Liliput Preis für die besten Bearbeitungen ausländischer Filme vergab der Bundesverband Kommunale Filmarbeit zusammen mit dem Verband der deutschen Filmkritik anlässlich der Berlinale am 15. Februar 2007 an die Filme „The New World“ und „The Science of Sleep – Anleitung zum Träumen“.

Der dieses Jahr zum elften Mal verliehene Liliput-Preis versteht sich als Beitrag zur Qualitätsverbesserung der in deutschen Kinos gezeigten Synchronfassungen sowie als Impulsgeber für die Zunahme untertitelter Originalversionen.

Grußwort von Christian Brückner

Der bekannte Synchronschauspieler Christian Brückner, die deutsche Stimme von Robert de Niro, Robert Redford, Marlon Brando und weiteren Stars des Weltkinos, hat die Schirmherrschaft über den Liliput Preis übernommen. Im folgenden veröffentlichen wir sein Grußwort:

„Stütze, Herr Brückner, Stütze!“, rief mir der unvergessene Curt Ackermann vor etwa vier Jahrzehnten aus der Regiekabine zu.
Auch er „rief“, wie ich „rufen“ sollte, um einen großen Theaterraum zu füllen oder die Weiten der Prärie, denn im Kino gab es damals noch das Genre „Western“. Und Ackermanns Regie- und Tonaufnahme-Raum sah auch eher aus wie der Führerstand einer alten Straßenbahn, denn natürlich waren auch die technischen Bedingungen mit stilbildend für die Kunst der Synchronisation.
„Innen“-Akustik: Die reflektierenden Wände des Studios; „Außen“ – das schallschluckende Filzzelt, das die Unendlichkeit großer Räume (Prärie!) simulieren musste: Das alles kann man heute noch hören als reinen Soundtrack des theatralischen Synchronstils der 50er und frühen 60er Jahre.
Synchronisationen haben einige Metamorphosen mitgemacht seitdem, sind vor allem differenzierter geworden. Und werden als eigenständige Arbeit genauer wahrgenommen von der sehenden und hörenden Öffentlichkeit, zum Glück – und endlich!
Gleich geblieben ist, dass viele von ihnen schlecht sind und einige gut. Die Gleichbehandlung von Kinofilmen und dem Meer von Fernsehproduktionen aller vorstellbaren Arten ist der Kunst des Synchron schlecht bekommen.
Dass sich das – auch mit Hilfe des Liliput Preises – mehr und mehr ändert, ist unsere Aufgabe und Hoffnung! Alle, die in dieser Branche arbeiten, müssen dazu beitragen; nicht zuletzt die Produzenten sollten ihre Verantwortung sehen, bei der „Ware“ Synchronisation die „Kunst“ Synchronisation nicht nur in Kauf zu nehmen, sondern zu provozieren, d.h. zu verlangen und zu pflegen.
Ich freue mich, dass mit dem Liliput Preis Qualität auf unserem Feld bewertet und öffentlich gemacht wird, und dass sie vor allem den Namen bekommt, der ihr lange nur zögernd zugestanden wurde.
Der Jury Dank für ihre unschätzbare Arbeit und dem Liliput Preis, der mit seinen 11 Jahren langsam den Kinderschuhen entwächst, eine weiterhin gute Entwicklung und zunehmende Anerkennung!“

Begründung der Jury

Es ist eine begrüßenswerte Entwicklung, dass mittlerweile bei der Bearbeitung ausländischer Filme häufig auf die Kombination von Untertitelung und Synchronisation zurückgegriffen wird – vor allem bei Filmen, in denen die Problematik mehrsprachiger Kommunikation eine große Rolle spielt. Der Liliput Preis 2007 für die besten Bearbeitungen ausländischer Filme geht an „The Science of Sleep – Anleitung zum Träumen“ von Michel Gondry und an die deutsche Fassung von Terrence Malicks Meisterwerk „The New World“, die ebenso poetisch und vielseitig ist wie das Original. Erwähnenswert in diesem Zusammenhang findet die Jury auch den Film „Babel“ von Alejandro González Iñárritu.

Liliput Preis für „The New World” (Terrence Malick, USA 2005), Verleih: Warner, Bearbeitung: Interopa, Berlin, Regie: Sven Hasper

„The New World“ war außer Konkurrenz im Wettbewerb der Berlinale 2006 gelaufen und hatte starke Anteilnahme hervorgerufen. Insofern wurde der Kinostart der deutschen Fassung zum mit Spannung erwarteten Ereignis.

Während in einer atemberaubenden Precredit-Sequenz die damals erst 14jährige Hauptdarstellerin Q’orianka Kilcher (übrigens eine direkte Inka-Nachfahrin) die Arme der Sonne entgegenstreckt, hört der Zuschauer aus dem Off ihre Stimme, die ihre Gedanken wie im stillen Gebet offenbart: „Komm, Geist! Hilf uns die Geschichte unseres Landes zu singen. Du bist unsere Mutter. Wir sind dein Maisfeld. Aus deiner Seele steigen wir empor.“ „The New World“ ist eine monumentale Meditation über kulturelle Kontraste und die Überwindung von Rassenschranken, ein Lobgesang auf die Natur und die Urvölker des amerikanischen Kontinents, die von Herrschaftsansprüchen fremder Zivilisationen – hier dem englischen Empire – bedroht werden. Und der Film ist eine auf wahren Begebenheiten basierende romantische Liebesgeschichte, von philosophischen Dimensionen. Die im heutigen Virginia beheimatete Powhatan Prinzessin Pocahontas rettet im 17. Jahrhundert durch ihre Güte den in indianische Gefangenschaft geratenen Eroberer John Smith (Colin Farrell) vor dem Martertod.

Die englischen Dialoge bzw. Gedankensplitter, die das Aufeinanderprallen fremder Völker und die daraus entstehende Liebe zwischen der in jeder Hinsicht unschuldigen Kindfrau und dem erfahrenen, aber melancholischen Seefahrer veranschaulichen, wurden sorgfältig ins Deutsche übertragen und von den Synchronsprechern einfühlsam interpretiert. Dabei sind die Versuche, sich die Sprache des jeweils anderen beizubringen, absichtlich etwas holprig geraten, was ihnen aber erst recht einen rührenden Charme verleiht. Lyrische Qualität haben hingegen die Off-Texte, die die Gefühlswelt der so unterschiedlichen Protagonisten zum Ausdruck bringen: „Alle Kinder des Königs waren bildschön, doch sie, die jüngste, war es in einem solchen Maße, dass sogar die Sonne staunte, wenn sie ihrer ansichtig wurde. Sie übertraf den Rest nicht nur an Schönheit und Gestalt, sondern auch an Scharfsinn und Geist“, bekundet Smith seine Bewunderung für Pocahontas.

Und über die Ursprünglichkeit der Indianer sinniert er: „Sie sind sanft, liebevoll, treu. Es fehlt ihnen jegliche Verschlagenheit. Hier ist Wirklichkeit, was ich stets für einen Traum hielt.“ Während er seine Leidenschaft nur noch rhetorisch hinterfragt („Liebe, sollen wir sie leugnen, wenn wir ihr begegnen?“), bringt sie die Hingabe zum ersten Mann in ihrem Leben mit der Hinwendung zum Göttlichen in Einklang: „Mutter, wo lebst du, im Himmel, in den Wolken, im Meer? Zeig mir dein Gesicht! Gib mir ein Zeichen. Wir steigen empor, wir steigen empor. Ich habe Angst vor mir selbst. Wie ein Gott kommt er mir vor. Was sonst ist das Leben, außer dir nahe zu sein? (...) Alles, um dir geschenkt zu werden. Und du mir. Ich werde dir treu sein, wahrhaftig. Zwei nicht mehr. Eins. Eins. Ich bin. Ich bin.“

Und doch wird sie die wahre Liebe später erst bei einem anderen weißen Mann finden (angenehm zurückhaltend gespielt von Christian Bale), der ihr alle Freiheiten lässt, sich zu entwickeln und zu entfalten. Er wird am Ende mit ihrem gemeinsamen Kind zurückbleiben, da Pocahontas bei ihrer Reise zum englischen Königshof eine tödliche Krankheit erleidet und bereits als junge Frau verstirbt. Der Film endet, wie er begonnen hat: Mit einem Gebet an die Sonne, das – begleitet von den rhapsodischen Klängen Richard Wagners – aus dem Off ertönt.

Auch bei den Nebenrollen wird in der Synchronfassung größtmögliche Authentizität gewahrt. So belässt man die Indianersprache weitgehend wie in der amerikanischen Version im Original, wenn die Ureinwohner miteinander reden, und untertitelt sie in deutsch nur in wirklich zwingenden Fällen. So kann man sich nahezu vollkommen ungestört auf diesen einzigartigen Reigen aus Bildern, Sprache, Musik und Gefühlen des Ausnahmeregisseurs Terrence Malick einlassen. (Marc Hairapetian)

Liliput-Preis für „The Science of Sleep – Anleitung zum Träumen“ (Michel Gondry, F/I 2006), Verleih: Prokino, Untertitelung: Film & Fernseh-Synchron, München, Regie: Matthias von Stegmann

In „The Science of Sleep – Anleitung zum Träumen“ erzählt Gondry eine einfache Geschichte. Der introvertierte Illustrator und Erfinder Stéphane kommt aus Mexiko nach Paris, um dort zu arbeiten. Sein Job langweilt ihn schnell, er verliebt sich in seine Nachbarin Stéphanie. Beides verarbeitet er in einer faszinierenden Traumwelt. Beide Welten durchdringen sich und kollidieren. Im Tagtraum ist er der gewandte Showmaster seiner eigenen TV-Show, im wahren Leben sind ihm die einfachsten Dinge zu kompliziert. Mit kindlichem Eifer denkt er sich die tollsten Sachen aus, um Stéphanie näherzukommen. Seine Fantasiewelt steht ihm dabei mehr und mehr im Weg.

Die Detailverliebtheit der Animationen ist beeindruckend. Großstädte und Weltmeere entstehen aus Pappkarton und Frischhaltefolie. Riesenspinnen tippen auf Schreibmaschinen, Papierschnipsel werden zu reißenden Flüssen, Skigebiete entstehen aus Wattebällchen. Am Ende des Films reiten Stéphanie und Stéphane auf einem Plüschpferd in den Sonnenuntergang. Der Film und sein Hauptcharakter leben von einer scheinbar unerschöpflichen naiven Kreativität.

Nichtverstehen und Aneinandervorbeireden machen die Beziehung der beiden Hauptcharaktere Stéphane und Stéphanie aus. Er spricht kaum Französisch, sie kann kein Spanisch. Also unterhalten sie sich auf Englisch. Die Verwirrungen auf der visuellen Ebene finden in den sprachlichen Verwirrungen der Originalversion ihre Entsprechung. Synchronisiert wurden nur die englischen Passagen, die französischen und spanischen sind untertitelt. Das macht großen Sinn, weil dieses Verfahren beiden ihre eigene Sprache lässt und die Vielschichtigkeit erhält, die filmisch so schön angelegt ist. Stéphane und Stéphanie reden nicht nur aneinander vorbei, sie haben auch ihre jeweils eigene Welt mit einer eigenen Sprache. Unübersetzbare Wortspiele und Missverständnisse enden so nicht in Albernheit, die Charaktere bleiben lebendig, mit all ihren Eigenheiten. (Jan Kühnemund)

Die Jury

- Jan Kühnemund (Gegenlicht, Oldenburg)
- Elfriede Schmitt (Kölner Stadtanzeiger, film-dienst, Funkkorrespondenz, WDR-Hörfunk)
- Marc Hairapetian (Spirit - Ein Lächeln im Sturm - www.spirit-fanzine.de, Berliner Zeitung, Frankfurter Rundschau, film-dienst, Ray)

(nach einer Pressemitteilung des Bundesverbands Kommunale Filmarbeit e.V.)

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Erfolgreicher Ausklang des Berlinale Talent Campus #5

Am 15. Februar 2007 feierte der Berlinale Talent Campus #5 mit der Farewell Ceremony und der Preisverleihung der Volkswagen Score Competition seinen erfolgreichen Abschluss.

Für sechs intensive Tage waren 362 Nachwuchsfilmer aus aller Welt in den drei Häusern des Theaters „Hebbel am Ufer“ zu Gast. Podiums-Gespräche mit renommierten Film- und Medien-Experten, Exkursionen, Screenings und Workshops – mit über 80 Veranstaltungen bot der fünfte Campus den Talenten, Berlinale-Gästen und anderen interessierten Besuchern ein vielfältiges Programm rund um das diesjährige Campus-Thema „Home Affairs – Privacy, Films and Politics“. Zu den Höhepunkten zählten die Veranstaltungen mit Bianca Jagger, Jasmila Zbanic, Walter Salles, Tom Tykwer, John Waters, Wim Wenders und dem Wettbewerbs-Jurymitglied Gael Garcia Bernal. In 90 kurzweiligen Minuten sprach der Schauspieler über seine Karriere und welche realen und fiktionalen Grenzen er dabei überschritten hat. Sein Rat an den Nachwuchs: „Macht keine Kompromisse, wenn es darum geht, für Eure eigenen Überzeugungen einzutreten, vor allem nicht aus kommerziellen Erwägungen.“

One Day – One Movie: Das Garage Studio ist die neue Initiative des Working Campus. Am Abschlusstag des Campus wurden die vier in der Campus-Woche produzierten „Garage Flicks”, Resigned, One Day of These Days, Click-Clack-Clack und The Discreet Charms of the Refugee, auf der großen Leinwand im HAU 1 öffentlich präsentiert. Moderiert von David Thompson, dem Leiter von BBC Films, berichteten die Talent-Teams und ihre Mentoren Jia Zhangke, Grahame Weinbren und Jay Anania über ihre Erfahrungen mit dieser Form des Filmemachens. „Das Garage Studio war eine unglaubliche Erfahrung für mich. Es war eine intensive und einzigartige Mischung von Aufregung, Angst, harter Arbeit und vielen Überraschungen“, so das Fazit von Colm Quinn, Regisseur von The Discreet Charms of the Refugee. Im Internet zu sehen sind die vier Garage Flics unter www.berlinale-talentcampus.de.

Höhepunkt des letzten Campus-Tages war die Farewell Ceremony und die Preisverleihung der Volkswagen Score Competition. Campus-Leiterin Dorothee Wenner und Schauspieler Thomas Heinze führten durch den Abend. Für die Volkswagen AG gab Christiane Krebs-Hartmann, Leiterin Volkswagen Public Relations, den Gewinner des Wettbewerbs bekannt: ausgezeichnet wurde der Berliner Komponist Ilja Coric für seine Neuvertonung eines Ausschnittes aus One Day in Wolfsburg. Die Jurymitglieder Jan Kaczmarek, Martin Steyer und Martin Todsharow und zeigten sich beeindruckt „von dem frischen Ansatz eines handwerklich herausragenden Scores“. Der Sieger Ilja Coric darf einer Einladung von Dolby zu einer einwöchigen Reise zu den besten Musik und Soundstudios nach Los Angeles folgen, wie Graham Edmondson, Film Marketing Manager bei Dolby, bekannt gab.

Im Anschluss an die Preisverleihung lud der Campus die Talente, Experten, Gäste und Partner zur Abschlussparty ins HAU 2 ein. Dort sorgte die Band „Data MC“, deren Auftritt von der Volkswagen Sound Foundation ermöglicht wurde, für ausgelassene Stimmung. Gastgeber der Party waren neben dem Campus die Volkswagen AG und die Robert Bosch Stiftung.

Das Fazit des Talent Alon Levi: „Der Campus gab mir die Gelegenheit, mit Menschen aus anderen Ländern in Kontakt zu kommen, die ich normalerweise nicht treffen würde. Ich habe Leute mit dem gleichen Sinn für Humor kennengelernt, was wirklich wichtig ist, wenn du Filme machen möchtest. Und Berlin ist gar nicht so kalt wie ich erwartet hatte!“

(nach einer Pressemitteilung der Berlinale)

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Wettbewerb

Von verbohrten Männern und selbstbewussten Frauen

Ein Rückblick auf den Wettbewerb der 57. Filmfestspiele Berlin

57. Internationale Berliner Filmfestspiele: das Publikumsfestival par excellence. Mit rund 200.000 verkauften Eintrittskarten und über 15.000 akkreditierten Fachbesuchern und Journalisten aus aller Welt kann sich Berlin in dieser Hinsicht im Konzert der großen drei Festivals in Europa (zusammen mit Cannes und Venedig) wieder einmal sehen lassen. Sieht man hingegen das Niveau des Wettbewerbprogramms, so stellt sich die Sache schon ganz anders dar. Es gab ein paar sehr sehenswerte Filme, aber im Großen und Ganzen dominierte doch eher das Mittelmaß.

Jedes Jahr hegen vor allem die deutschen und ganz besonders die Berliner Zeitungen die Befürchtung, zu wenig Starrummel und Glamour könnte die winterliche Festivalzeit trüben. Doch diese Furcht war dieses Jahr unbegründet. Denn es gab einen Star-Auftrieb wie schon lange nicht mehr. Robert De Niro, Clint Eastwood, Cate Blanchet, Sharon Stone, Lauren Bacall, Richard Gere, Matt Damon, Willem Dafoe und so weiter und sofort. Bezeichnend, dass einem bei solchen Gelegenheiten zumeist amerikanische Filmgrößen als erstes einfallen und nicht europäische oder deutsche, die natürlich auch zu Hauf da waren. So waren denn auch zwei der auffälligsten Filme im Wettbewerbsprogramm US-amerikanischer Herkunft. Robert De Niros dreistündiger Film über die Gründerzeit der CIA „Der gute Hirte“ und Clint Eastwoods Zweiter-Weltkriegs-Drama aus japanischer Sicht „Letters from Iwo Jima“.

De Niro bezeichnete sich auf der Pressekonferenz zu seinem Film als Kind des Kalten Krieges. Mit dieser Erklärung schien es folgerichtig, dass er nun an diesem ehemaligen Brennpunkt zwischen Ost und West diese eindringliche Studie über die Machenschaften der CIA präsentierte. Matt Damon gibt in „Der gute Hirte“ einen Geheimagenten der Gründergeneration des CIA. Dieser farblose Mann ist freilich kein Geheimagent à la James Bond sondern ein unauffälliger Beamter, der morgens früh wie ein unscheinbarer Bürokrat in Angestelltentracht mit der obligatorischen Aktentasche unter dem Arm im Bus ins CIA-Büro fährt. So mittelmäßig grau er in seiner Erscheinung ist, so unnachgiebig dient er seinem Geheimdienst, was auch immer dieser von ihm verlangen mag. Schon bald ist er zu keinem Gefühl mehr fähig. Schmutzige Geheimdienstroutine scheint jegliche Menschlichkeit zu ersticken. Seine Privatsphäre gilt ihm nichts, wenn es in entscheidenden Momenten darum geht, zwischen banaler Agentenpflicht und Familie zu entscheiden. So ist er auch bereit, das Glück seines Sohnes blutig zu opfern, nur um seinen Job zu erledigen. Ja, bisweilen geht es um „Große Politik“ und tatsächlich um den Weltfrieden. So bei der Kubakrise Anfang der 60er Jahre. Aber oft scheinen die geheimdienstlichen Balgereien zwischen Ost und West, bei denen auch nicht vor Menschenopfern in den eigenen Reihen zurückgeschreckt wird, lächerlicher Selbstzweck mit den Ingredienzen: gnadenloses Überwachen, Foltern und Morden. Und so liest sich De Niros filmischer Kommentar zur US-Politik diesbezüglich als eine Kritik an einem pervertierten Patriotismus.

Japanischer Patriotismus gepaart mit der für westliche Verhältnisse unvorstellbaren Opferbereitschaft waren die Grundcharakterzüge der meisten japanischen Kämpfer im 2. Weltkrieg, die es den Amerikanern so schwer machten, das Volk unter der Roten Sonne zu besiegen. Hinzu kam freilich die gnadenlose Hybris und Ignoranz des japanischen Kaisers und der größten Teile seiner Generalität, die es ihnen erlaubten, ihre Soldaten wie willenlose Figuren eines grausamen Spiels zu opfern. Der japanische Ehrbegriff, der es japanischen Kämpfern gebot, sich eher durch Selbstmord zu opfern als sich dem Feind zu ergeben, tat ein Übriges. Dies alles versucht Clint Eastwood in seinen Film „Letters from Iwo Jima“ einfühlsam zu zeigen. Und es gelingt das Kunststück, dass ein Amerikaner die Perspektive der japanischen Verteidiger beim Gegenschlag der Amerikaner im Pazifik des 2. Weltkriegs glaubwürdig darstellen kann. Gezeigt wird die Verteidigungsschlacht auf der den japanischen Hauptinseln vorgelagerten Insel Iwo Jima, bei der von 20.000 japanischen Soldaten, die sich unter dem Kommando ihres Generalleutnants Tadamichi Kuribayashi (Ken Watanabe) ein riesiges Höhlensystem geschaffen hatten, nur gut 100 Soldaten übrig blieben, weil die meisten sich dem Tod durch den Feind oder der amerikanischen Gefangenschaft durch Selbstmord entzogen. Eastwood versucht sich in die japanischen Lebensumstände und in die Psychologie seiner Figuren einzufühlen. Auf Grundlage der nie von der Insel abgeschickten Briefe der Belagerten, die man erst Jahrzehnte nach Kriegsende in den Höhlen entdeckte, entwirft Eastwood die Biografien seiner Hauptfiguren. Das Figurentableau reicht dabei vom General bis zum einfachen Kämpfer, das Charakterspektrum vom blindwütig Teno-treuen Fatalisten bis zum selbstständig denkenden und handelnden Patrioten, dem Zweifel an seinem Handeln nicht fremd bleiben. Eastwood schafft so einen eindrucksvollen Appell an einen Humanitätsgedanken, der auf ein versöhntes Miteinander der sich so fremden Kulturen zielt.

Betrachtet man die oben beschriebenen Filme, so kann man von einem Festival der tapferen, verbohrten Männer, die mit ihrem vergeblichen Tun unter sich bleiben wollen, sprechen. Um unabhängige Frauen, die selbstbewusst ihr Leben hindurch durch alle Krisen meistern, ging es in etlichen „Frauenfilmen“ dieses Wettbewerbs.

Der chinesische Film „Tuyas Ehe“ von Wang Quan’an spielt meist in den mongolischen Weiten fernab der Städte. Die Titelheldin Tuya (Yu Nan) sucht einem neuen Ehemann, nachdem ihr bisheriger Lebensgefährte aus Altersgründen zu schwach und gebrechlich für körperliche Arbeit ist und sie sich bei einem Unfall so schwer verletzt hat, dass sie ebenfalls die schwere Landarbeit nicht mehr verrichten kann. Den Bewerbern stellt sie die Bedingungen, dass der bisherige Ehemann in die neue eheliche Gemeinschaft übernommen werden muss, denn sie liebt ihren Mann und Vater zweier Kinder freilich immer noch. Und nur die wirtschaftliche Notwendigkeit, man kann auch sagen: der harte Kampf ums Überleben, zwingt sie zu einer neuen Bindung. So vermittelt „Tuyas Ehe“ dem westlichen Zuschauer soziale Exotik aus dem Fernen Osten mit ruhigem Atem und glaubwürdigen Schauspielern, die glatt aus der Gegend stammen könnten, in der die Handlung angesiedelt ist (und es z.T. wohl auch sind). Entstanden ist ein liebenswerter Film mit einer einfachen Geschichte und klaren Bildern aus der mongolischen Steppe (vom deutschen Kameramann Lutz Reitemeier), mit dem Goldenen Bären aber wohl doch etwas zu hoch bewertet.

Hoch gehandelt wurde schon im Vorfeld der Eröffnungsfilm, das französische Bio-Pic über Edith Piaf „La Môme – La vie en rose“ von Olivier Dahan, doch wurden die Erwartungen an den Film nur zum Teil erfüllt. Klar, dass die Chansons der Piaf jeden im Publikum einfach mitreißen mussten. Die Hauptdarstellerin Marion Cotillard überzeugt durch ihre überraschende Verwandlungskraft, mit der es ihr gelingt, ihrer Figur eine wunderbare Glaubwürdigkeit zu verleihen. Ansonsten jedoch leidet der überlange Film (140 Min.) an seiner übertriebenen Melodramatik, die das außergewöhnliche Schicksal der Piaf nicht selten in zu grellen Farben unterstreicht und drastisch verkitscht. Auch sollten Drehbuchschreiber und Regisseur vielleicht noch einmal eine Filmhochschule besuchen. Die dramaturgische Struktur bzw. der Zeitsalat, mit dem die Geschichte zugleich von vorne und von hinten erzählt wird, ist eine Zumutung. Last but not least ist es besonders ärgerlich, dass Piafs Rolle in der Zeit des 2. Weltkriegs (sie sang z.B. vor französischen Kriegsgefangenen und war auch der Resistance von Nutzen) gänzlich ausgespart wurde.

Von vielen Filmen bleibt schon nach wenigen Wochen nur noch eine schwache Erinnerung, was schon als Qualitätsmesser für die Festivalprodukte ganz leidlich funktioniert. Doch ein Film gegen Ende des Festivals stach aus dem Wettbewerbs-Einerlei dann doch noch einmal wohltuend heraus. Es war der chinesische Beitrag „Lost in Beijing“ der Regisseurin Li Yu. In filmästhetischer Frische setzt sie mit einer sehr beweglichen, manchmal geradezu verspielten, leicht wunderbar krassen Videokamera (DV) das enervierende und zu gleich berauschende Großstadtleben des Pekings des jungen 21. Jahrhunderts um, deren Bewohner noch mit ihren für sie ungewohnten Rollen und Anforderungen in dieser hektischen Zeit kämpfen. Ein junges, finanziell nicht gerade gut betuchtes Paar vom Land, sie Masseurin (Fan Bingbing), er Fensterputzer (Tong Da Wei), gerät an ein älteres, wohlhabendes, das einen großen Massage-Palast besitzt. Die junge Frau wird schwanger. Die Frage ist bloß, von wem, denn ihr Arbeitgeber (Tony Leung Ka Fai) wurde von ihr halb verführt, halb hat er sie vergewaltigt, was der Ehemann außen die Fenster putzend auch noch mit ansehen musste. Schon bald entspinnt sich aus dieser tragikomischen Ausgangssituation ein nicht minder grotesker Kampf um die Vaterschaft des werdenden Kindes. Die Konflikte nehmen kein Ende, erst recht nicht, als die alteingesessenen Städter mit den „Pekingnovizen“ einen absurden Vertrag über das zu erwartende Kind schließen. Unterschiedliche Wertvorstellungen von Jung und Alt, von Stadt und Land, von Arm und Reich prallen aufeinander, so dass beinah jedes zwischenmenschliche Verstehen auf der Strecke zu bleiben scheint. Dabei erweisen sich wieder einmal, es wird kaum einen wundern, die Männer als das schwache, weil extrem psychisch abhängige Geschlecht, und die Frauen gehen, wenn auch nicht ohne erhebliche Blessuren, als Siegerinnen aus dem erbärmlichen Familienkampf hervor.

Der moderne Megacity-Moloch von Peking ist hierbei nicht nur Kulisse, sondern liefert mit seinem aufschießenden Ambiente der schwindelerregenden Hochhäuser, seinen nie enden wollenden Baustellen und Kränen und seinen alles zerschneidenden vielspurigen City-Highways Atmosphäre und Katalysator für dieses Großstadtdrama – ein Drama, das klar macht, dass die Menschen in ihrer scheinbar unendlichen Geldgier und Egoismus den Anforderungen der Zukunft noch gar nicht gewachsen sind und mit ihrer alten Moral sehr schnell am Glanz und Abschaum der Metropole scheitern. (Helmut Schulzeck)

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Redliche Fernsehkost im Wettbewerb

„Die Fälscher“ (Stefan Ruzowitzky, D/Ö 2007)

Berlinale, unter dem Festivalchef Dieter Kosslick bedeutete das bisher immer die Förderung besonders des deutschen Films, auch und vor allen im Wettbewerb. In den letzten Jahren wurde das durch die Teilnahme von drei bis vier Filmen in dieser am höchsten gewichteten und meisten Beachtung findenden Festivalsparte deutlich. Auffällig war deshalb diesmal, dass es nur zwei deutsche Filme im Wettbewerb zu sehen gab. Und auch die Sektion „Panorama“, die noch im vorigen Jahr mit hiesigen Spielfilmen am Abend im Zoopalast nur so gestrotzt hatte, begnügte sich dieses mal mit nur einem heimischen Spielfilm in diesem Festivalkino („Ferien“ von Thomas Arslan). Dem verdutzten Betrachter drängte sich da die Frage auf, ob es nicht andere potente Bewerber gab oder ob den Auswahlgremien die Qualität der deutschen Angebote nicht genügte.

Die zweite Vermutung scheint bei Betrachtung des Wettbewerbsbeitrags „Die Fälscher“ von Stefan Ruzowitzky freilich ausgeschlossen. All zu bieder kommt dieser traditionell erzählte Film über die Geschichte der geheimen Geldfälscheraktion „Operation Bernhard“ des Dritten Reiches gegen seine Kriegsgegner daher. Ein passabler und redlicher Film fürs ZDF-Abendprogramm, das ihn dann auch koproduziert hat, aber als deutscher Beitrag im Wettbewerb neben den Filmen von Robert DeNiro, Clint Eastwood, LiYu oder Jacques Rivette?

Basierend auf den tatsächlichen Begebenheiten wird die Geschichte der KZ-Häftlinge erzählt, mit deren Hilfe das Dritte Reich gegen Ende des 2. Weltkrieges seine Gegner mit gefälschten Banknoten (Dollar, Pfund und andere) in 100-Millionen-Höhe wirtschaftlich schwächen wollte. Die besten jüdischen Druckexperten und Fachleute für Banknoten bzw. mit Fälscher-Know-How werden im KZ Sachsenhausen zusammengezogen, um von den übrigen Lagerinsassen abgeschottet unter relativ privilegierten Verhältnissen (z.B. ausreichendes und gutes Essen, eigene Betten) Falschgeld herzustellen. Erzählt aus der Perspektive des renommierten Geldfälschers Salomon Sorowitsch (Karl Markovics), der vom Lagerkommandanten Herzog (Devid Striesow) zum Chef der Fälscherwerkstatt ernannt wird, entspinnt sich ein Wettlauf mit und gegen die Zeit. Vor allem möglichst für echt gehaltene Pfund- und Dollarblüten sollen in großer Auflage gedruckt werden. Angetrieben von Herzog und seinen Chargen mit Zuckerbrot und Peitsche – letzteres war dort im KZ freilich immer die tödliche Bedrohung – entspinnt sich der eigentliche Konflikt allerdings zwischen den Fälschern selbst. Soll man in der Hoffnung aufs eigene Überleben gefügig und zügig Qualitätsprodukte „liefern“ oder möglichst lange versteckt Sand ins Getriebe streuen. Dieser Gewissenskonflikt der KZ-Insassen zwischen erzwungener Kollaboration oder Sabotage ist der thematische Boden des Geschehens.

Sorowitsch, der eher pragmatisch denkt, geht es vor allen Dingen ums nackte Überleben. Jedoch sein Kontrahent und Leidensgenosse, der vom politischen und moralischen Idealismus getriebene Adolf Burger (August Diehl) kann sich zunächst durchsetzen, als es nach erfolgreicher Pfund-Produktion um die noch wichtigere Herstellung von falschen Dollars geht. Erfolgreich wird Woche um Woche die Fälschung verzögert. Und Sorowitsch hält trotz gegenteiliger Meinung still. Der Film freilich an dieser Stelle auch: Die Handlung tritt praktisch auf der Stelle. Ein dramaturgischer Durchhänger, den hier erzählerisch mangelhaft bewältigten Konflikten seiner Protagonisten geschuldet.

Letztlich „hilft“ nur die brutale Gewalt der KZ-Wächter über diese Klippe der Handlung hinweg. Und als dann die Dollars doch noch gedruckt werden, ist der Krieg praktisch schon fast zu Ende, jedenfalls für die KZ-Insassen und ihre Bewacher. Der Befreiung der Lagerinsassen geht natürlich die Abrechnung mit dem habgierigen Kommandanten voraus, als alle anderen SS-Leute schon geflohen sind. Und dann ist „Stunde Null“, mit all der Trauer um das Elend der Opfer.

Ja, vielleicht haben sich viele einzelne Geschehnisse tatsächlich so zugetragen, wie im Film und in der Autobiografie August Burgers beschrieben, die die stoffliche die Grundlage für den Film lieferte. Aber dennoch wirkt der Film in vielen Dingen zu klischeehaft. Das Häftlingspersonal wird als große Familie dargestellt. Dem besonnenen Pragmatiker Sorowitsch wird der heißspornige Idealist Burger gegenübergestellt, dem opportunistisch berechnenden Lagerkommandanten Herzog sein bestialisch brutaler Untergebener und Überzeugungstäter SS-Mann Holst (Martin Brambach). Bezeichnend für die Klischeehaftigkeit auch Anfang und Ende: Die Rahmenhandlung zum eigentlichen Geschehen bildet das weitere Schicksal von Salomon Sorowitsch. „Gestrandet“ mit einem Koffer voller Falschgeld an den Gestanden von Monte Carlo, gewinnt er zunächst noch eine Menge Geld dazu, um dann alles absichtlich zu verspielen, aber vielleicht das Glück in der Gestalt einer jungen Frau zu gewinnen. (Helmut Schulzeck)

Die Fälscher, D/Ö 2007, 98 Min., 35 mm. Buch, Regie: Stefan Ruzowitzky, Kamera: Benedict Neuenfels, Schnitt: Britta Nahler

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Menschen im Hotel

„Ich habe den englischen König bedient“ (Jiří Menzel, Tschechische Republik / Slowakische Republik 2006)

Der Regisseur Jiří Menzel, geboren 1938, ist ein alter Hase im Filmgeschäft und ein mehrfach preisgekrönter dazu: Den Oscar für den besten nicht englischsprachigen Film hat er ebenso erhalten (1968 für „Liebe ohne Fahrplan“) wie den Goldenen Bären (1990 für „Lerchen am Faden“). Doch auch so einem Filmschaffenden wird nichts geschenkt: Um die Filmrechte zu Bohumil Hrabals Roman „Ich habe den englischen König bedient“ hat Menzel Jahre lang kämpfen müssen. Und das hat sich gelohnt: Menzels Werk ist inzwischen von der Tschechischen Film- und Fernsehakademie (CFTA) als bester Film des Jahres 2006 ausgezeichnet worden; den „Böhmischen Löwen“ erhielten außerdem die Regie, die beste männliche Nebenrolle (Martin Huba) und die Kamera. In Tschechien strömen die Zuschauer nur so in den Film, mit seinen Besucherzahlen überflügelte er sogar den neuesten James-Bond-Streifen „Casino Royale“. Gut so, denn die tschechisch-slowakische Co-Produktion hat mit umgerechnet ca. 3 Mio. Euro ein Rekordbudget verschlungen. Und dies auch visuell wirksam eingesetzt: Der Film ist ein wahrer Augenschmaus.

Jan Dítě (der Nachname bedeutet sinnigerweise „Kind“) ist die Hauptfigur der Geschichte, ein Mann, klein an Wuchs, aber mit einem großen Ziel: Millionär zu werden. Denn er weiß, was er an allen Menschen, reichen und armen, schon lange erkannt hat: Geld bewegt die Welt. Als Würstchenverkäufer fängt Dítě an und arbeitet sich hernach von den untersten Stufen der Kellner-Hierarchie unbeirrbar nach oben – zuerst im Hotel Tichota, dann im Hotel Goldenes Prag, wo der Zuschauer sich an Art Déco-Interieurs schier nicht satt sehen kann. Als Hotelbediensteter darf man allerdings nichts sehen und nichts hören – und muss doch alles sehen und alles hören, das lernt Jan Dítě schnell und versteht es gut für sich zu nutzen. Die Frauen lieben ihn, denn Dítě versteht sich auf ihre Sehnsüchte und inszeniert so manches bildgewaltige Liebesspiel. Doch dann kommt die große Politik ins Lebensspiel des kleinen Mannes: die Einverleibung der Tschechoslowakei ins Hitler-Reich. Die letzte Hotel-Station von Dítěs Karriere ist schließlich wieder das Tichota, das inzwischen als nationalsozialistisches Zuchtheim à la „Lebensborn“ fungiert. Und Dítě wird tatsächlich Millionär – aber damit ist die Geschichte, weder seine persönliche noch die Weltgeschichte, lange nicht zu Ende ...

Lange soll Regisseur Menzel nach seinem Hauptdarsteller gesucht haben, die Rolle des jungen Jan Dítě verkörpert der Bulgare Ivan Barnev. Ansonsten wartet „Ich habe den englischen König bedient“ mit einer Garde höchst prominenter tschechischer und slowakischer Stars auf: Oldřich Kaiser in der Rolle des älteren Dítě, Martin Huba in der Rolle des Oberkellners Skrivanek sowie die schöne Zuzana Fialová. In Tschechien bis dato wenig bekannt war Julia Jentsch, hier in der Rolle der sudetendeutschen Turnlehrerin Lisa, die schließlich Dítěs Ehefrau wird, denn trotz seiner amourösen Erfolge verliebt er sich in die Deutsche, da sie genauso klein ist wie er. Jentsch, die vor zwei Jahren noch in Marc Rothemunds „Sophie Scholl – Die letzten Tage“ die Titelrolle so beeindruckend verkörperte und hierfür den Silbernen Bären als beste Schauspielerin gewann, begegnet dem Zuschauer hier genauso überzeugend als unerbittlich Führer-treues Kraftweib. Julia Jentsch hat seit dem Berlinale-Erfolg als Sophie Scholl viel Theater gespielt und ist durch die Reisen im Dienste des vielfach preisgekrönten Sophie-Scholl-Films weit herum gekommen. Jiří Menzels genaue Vorstellung von filmischen Bildern habe sie „besonders beeindruckt“, so Jentsch. Dies wird bis zum Äußersten ausgereizt: Menzel inszeniert mit Jentsch und Barnev mit Hilfe einer Tricksequenz einen unübertrefflich satirisch-makabren Beischlaf.

Schelmengeschichten haben in Tschechien, dem Land des „braven Soldaten Schwejk“ Tradition. Dem Film „Ich habe den englischen König bedient“ liegt der gleichnamige Roman Bohumil Hrabals (1914-1997) aus den 70er Jahren zugrunde, der zunächst 1980 in Köln erschien und erst 1989, nach den politischen Umbrüchen in Europa, in Tschechien unzensiert publiziert werden konnte. Menzel, der auch seinen Oscar für die Verfilmung eines Hrabal-Romans bekommen hatte, merkt man die lustvolle Freude an der Umsetzung des Werkes seines Lieblingsautors an. Ein Autor, der, wie Menzel betont, eine heute seltene, weil liebevolle Perspektive auf die Menschen und all ihre Verfehlungen und Lächerlichkeiten einnahm. Mit dieser famos umgesetzten Grundstimmung wurde es Menzel offenbar auch möglich, ein Berlinale-Exempel zu statuieren: 2007 den ersten tschechischen Film seit 1990, als Menzel selbst den Goldenen Bären gewonnen hatte, im Wettbewerb der Berlinale zu platzieren. Willkommen auch in den deutschen Kinos! (gls)

Ich habe den englischen König bedient / Obsluhoval jsem anglického krále, Tschechische Republik / Slowakische Republik 2006, 118 Min., 35 mm. Regie: Jiří Menzel, Buch: Jiří Menzel (nach dem Roman von Bohumil Hrabal), Kamera: Jaromir Sofr, Schnitt: Jiří Brozek

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Traumhaft

„Yella“ (Christian Petzold, D 2007)

Eine gescheiterte Ehe, keine Aussicht auf Arbeit: Yella (Nina Hoss) will aus der kleinstädtischen Enge in der ostdeutschen Provinz ausbrechen. Ein Jobangebot aus der Messehauptstadt Hannover scheint neue Horizonte zu eröffnen. Doch der Traum von einem neuen Leben ist schon vorbei, bevor er angefangen hat, der neue Arbeitgeber längst insolvent. In dieser Situation scheint es nicht verwunderlich, dass Yella das Angebot von Philipp (Devid Striesow) annimmt, für ein paar Tage als seine Assistentin zu arbeiten. Im Auftrag einer Private-Equity-Firma bietet Philipp geldknappen Industrieunternehmen Finanzierungen an. Yella kennt sich mit Bilanzen aus, schnell findet sie sich bei den knallharten Verhandlungen in der Welt des Venture Capitals zurecht. Sie kommt Philipps Unterschlagungen auf die Schliche, der unsentimentale Geschäftsmann entpuppt sich als Finanz-Hasardeur mit Traum vom eigenen, großen Investment. Aus den beiden werden Komplizen und Geliebte. Für den Traum von einer gemeinsamen Zukunft blufft Yella ohne Philipps Wissen einen Geschäftsführer über das Limit, es kommt zur Katastrophe, der Traum ist aus.

Christian Petzold lag nach eigenem Bekunden nicht die Beschreibung spezifisch west- oder ostdeutscher ökonomischer und sozialer Befindlichkeiten am Herzen. Zwar wählte er das am Ostufer der Elbe gelegene Wittenberg als Ausgangspunkt für Yellas Reise zum Ziel ihrer Träume. Doch Wittenberg steht nur für eine Stadt, in der die Arbeit ausgeht, so Petzold in der Pressekonferenz der Berlinale. Die Flexibilisierung des Geldes sei ein globales Phänomen. Im Mittelpunkt seines Films aber steht eine Frau, die auf dem Weg in eine ungewisse Zukunft einen Gefährten findet.

Auch wenn sich die Inhaltsangabe wie „Wirtschaftskrimi meets Gesellschaftsstudie“ liest, ist „Yella“ viel mehr. Es klingen große Vorbilder an. Hoss und Striesow gemahnen in ihren langen Autofahrten und im gegenseitigen Belauern, das sich ganz langsam in eine unbedingte Komplizenschaft wandelt, an Bonnie & Clyde, an Doc McCoy & Carol. Und die beiden Hauptdarsteller halten dem Vergleich stand. Petzold bewegt sich mit traumwandlerischer Sicherheit in Genres wie dem Road Movie oder dem Mystery Thriller und bleibt doch ganz Petzold. Von Schuld und Vergangenheit fast erdrückt, kämpfen seine Helden um ihr Glück, Petzold beobachtet sie mit Distanz, aber einer einnehmenden Zärtlichkeit. Die dritte Zusammenarbeit mit Nina Hoss wird für seinen zugänglichsten Film gehalten. Das mag an der geradlinigen, spannenden und gleichzeitig vielschichtigen Geschichte liegen, die der hervorragende Erzähler und Schauspieler-Regisseur Petzold geschrieben hat. Aber mit Sicherheit auch an der brillanten Nina Hoss, die als Yella durch den Film schwebt, in den Augen stets die Ahnung eines dunklen Geheimnisses. Ihren Blick vom Beifahrersitz wird man so schnell nicht vergessen. (dakro)

Yella, D 2007, 89 Min., 35 mm. Buch & Regie: Christian Petzold, Kamera: Hans Fromm, Schnitt: Bettina Böhler, Darsteller: Nina Hoss, Devid Striesow, Hinnerk Schönemann, Burghart Kalußner u.a.

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Die Gewaltfrage

„300“ (Zack Snyder, USA 2007)

Mit „300“ wird nach „Sin City“ (2004) eine weitere Graphic Novel von Comic-Star Frank Miller verfilmt. „Sin City“-Regisseur Roberto Rodriguez war der Erste, der den von Hollywood enttäuschten Miller mit einem „Sin City“-Kurzfilm überzeugte, sich auf eine Verfilmung einzulassen. „Sin City“ setzte die eigenwillige Ästhetik und Erzählweise der Vorlage adäquat in das Medium Film um und darf daher als Meilenstein gelten. Miller behielt zudem als Co-Regisseur die künstlerische Kontrolle. „Sin City“ wurde auch ein finanzieller Erfolg, das Sequel wird bereits gedreht. Der Damm scheint gebrochen. Warner Brothers kaufte die Filmrechte an Millers Comic „300“ (1998) und investierte 60 Millionen, um den Film durch den Regisseur Zack Snyder realisieren zu lassen. Und die Investitionen wurden bereits am Eröffnungswochenende in den USA wider eingespielt.

„300“ schildert die Schlacht bei den Thermopylen 480 v. Chr., in der sich 7.000 Griechen unter der Führung von 300 Spartanern einem Heer von 12.0000 Persern entgegenstellten. Miller zeichnet den spartanischen König Leonidas als Anführer einer kampfwilligen kleinen Eliteeinheit, der sich opferbereit und der Wirkung um Legenden bewusst in den aussichtslosen Kampf gegen den persischen Tyrannen Xerxes wirft.

Zack Snyder konnte sich mit einem Remake des Horror-Klassikers „Dawn of the Dead“ (2004) bewähren und setzte bei der Umsetzung der grafischen Vorlage wie Rodriguez auf Green Screen und Blue-Box-Technik, erschuf Millers Comic-Version des antiken Griechenlands als computergenerierte Kulisse, vor der reale Schauspieler agierten. Die ästhetische Umsetzung des Comics in das Medium Film ist gelungen, doch mussten Snyder und seine Co-Autoren das Drehbuch strecken um den Stoff auf Spielfilmlänge zu dehnen. Die zusätzlichen Szenen drehen sich im wesentlichen um die Intrigen im demokratischen Rat Spartas während der Abwesenheit König Leonidas und seiner 300 Elite-Kämpfer. Dieser Seitenstrang der Erzählung nimmt nicht nur das Tempo aus der Vorlage, sondern soll wahrscheinlich die archaische Heldensaga Millers in ihrer Kompromisslosigkeit entschärfen. Trotzdem muss sich der Film mehr noch als der Comic den Vorwurf gefallen lassen, in der Erzählung der opferbereiten und unbedingt gehorsamen Elite-Kämpfer faschistoide Züge zu tragen. Die gestreckten, martialischen Gewaltdarstellungen und die Hyper-Ästhetisierung der spartanischen Muskelmänner gegenüber den gesichtlosen Horden aus dem Osten trägt ihren Teil dazu bei. Man darf nicht nur erstaunt sein, dass der Film, wenn auch außer Konkurrenz, im Berlinale-Wettbewerb seinen Platz findet, sondern auch, dass diese Frage in den Besprechungen des Films praktisch unter den Tisch fällt. Wichtiger scheint manchen Filmkritikern die Frage zu sein, ob die Körper-Ästhetik des Films zu schwul für ein Mainstream-Publikum sei. Zack Snyder selbst beteuert, dass es ihm „in erster Linie um gute Unterhaltung, nicht um subversiven politischen oder schwulen Subtext“ ging. Dem ist leider nichts hinzu zu fügen. Der Film ist ohnehin für die 15-24-jährigen Video-Game-Fans konzipiert. Diese Zielgruppe wird sicher nicht unter fehlendem Subtext oder klaren Standpunkten leiden.

Das Comic-Oeuvre Frank Millers gibt da mehr Aufschluss über die Intentionen seines Autoren: Als Miller mit der Comic-Mini-Serie „The Dark Knight Returns“ (1986) Mitte der 80er nicht nur im Alleingang die Batman-Figur und mit ihr das gesamte Superhelden-Genre wieder belebte, brachte er auch neue, intellektuelle Inhalte in das Medium. Nie war der „dunkle Ritter“ düsterer und brutaler. Miller warf die alte Frage auf, ob Gewalt nur mit Gewalt zu bekämpfen sei und diskutierte sie gleichzeitig auf mehreren Ebenen seiner Geschichte und mit unterschiedlichen moralischen Prämissen seiner Figuren. Der Comic-Zyklus „Sin City“ (das erste Heft erschien 1991) bedient nicht nur Gewaltfantasien, sondern räsonniert über die Rechtfertigung von Selbstjustiz gegenüber Serienmördern und Triebtätern. Millers Geschichten ironisch zu nennen und damit die Gewaltdarstellung zu relativieren, trifft nicht den Punkt. Miller spitzt zu, malt schwarz-weiß, macht es vermeintlich eindeutig, doch man erschrickt vor der eigenen Zustimmung zur Gewaltanwendung und zur uneingeschränkten Sympathie mit Millers Helden. Doch das gelingt dem Film offenbar nicht. Zum einen lenkt der zusätzliche Handlungsstrang vom Fokus auf der behaupteten Unabdingbarkeit von Gewalt ab. Zum anderen liegt das Problem im Medium selbst. Als Action-Film und Comic-Adaption ist „300“ ein überaus gelungener Genre-Film. Aber der Film lässt im Gegensatz zum Comic keinen Freiraum zur Kontemplation der immer wieder dringlichen Frage: Wie gewaltbereit und gewalttätig, wie opferwillig muss eine freie Gesellschaft sein, um frei zu bleiben? (dakro)

300, USA 2007, 117 Min., 35 mm. Regie: Zack Snyder, Buch: Zack Snyder, Kurt Johnstad, Michael Gordon nach der Graphic Novel von Frank Miller und Lynn Varley, Kamera: Larry Fong, Schnitt: William Hoy; Darsteller: Gerald Butler, Lena Headey, David Wenham, Dominic West, Rodrigo Santoro u.a.

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Forum

Die Waisenknaben blicken ins Gehirn hinein

Das irrste Ereignis der Berlinale:
„Brand upon the Brain!“ in der Deutschen Oper

„Dies ist das irrste Berlinale-Ereignis des Jahres“ versprach Christoph Terhechte, Leiter des Forums. Er versprach nicht zu viel. Schauplatz: nicht etwa der Berlinale-Palast, sondern die Deutsche Oper. Auf der Bühne: 34 Orchester-Musiker, drei Geräuschemacher, ein Männersopran und Isabella Rossellini – die leibhaftige Tonspur des Filmprojekts „Brand upon the Brain!“, dessen stumme Bilder sie live begleiten. Und wirklich: reinster, bester Wahnsinn mit grandioser Methode.

Guy Maddin, der kanadische Ausnahmeregisseur, erinnert sich. Das ist die ganze Geschichte. Ein gewisser Guy Maddin kehrt auf die Insel seiner Kindheit zurück, zum Leuchtturm, auf dessen Kanzel eine gruselige Mutter das Leuchtfeuer lenkt und in dessen Kellerlabor ein zaubrischer Vater experimentiert. Mutter späht Geheimnisse aus, Vater zapft Guys schöner Schwester aus einem Loch im Nacken Nektar ab – Guy ist gefangen in einem Alptraum des expressionistischen Horrorfilms, einer in Inzest und Perversion verstrickten Familie. Unwillkürlich denkt man an den frühen David Lynch.

Keine Frage, so ein abendfüllender Experimentalfilm verlangt dem Zuschauer viel ab, deutlich mehr als etwa das vergangene Berlinale-Special „Hamlet“ mit Orchesterbegleitung. Trotz Stummfilmästhetik ist „Brand Upon the Brain!“ keine cremige Nostalgie-Fantasie, sondern ein prasselnder Erinnerungssturzregen im Kopf dieses kleinen Guy, der nicht nur so aussieht wie Truffauts Antoine Doinel in „400 Coups“, sondern mindestens so viel Schläge und Liebesentzug einstecken muss. Guy hat nicht nur geliebte und eifersüchtig betrachtete Geschwister. Um ihn leben auch Waisenkinder. Die wahren Waisen aber sind wir, die arglosen Besucher der ausverkauften Deutschen Oper, diesem einzigen deutschen Zeugen dieser leibhaftigen Erinnerung. Auf der Bühne liegt gleichsam ein Gehirn ausgerollt, dem wir bei der Erinnerungsarbeit zusehen. Die Projektion der bildlichen Anschauungen ist ein dauerndes Zucken und Aufblitzen kleiner Bildsplitter und Texttafeln. Viele Bilder fehlen, viele sind unscharf, grobkörnig, schwarz und weiß, ohne Graustufen. An anderen Orten dieses Gehirns meldet sich die schöne, facettenreiche Stimme Isabella Rossellinis, deren Neigung zur Kreation des Wahnsinns nicht nur durch Lynchs „Wild at Heart“ legendär ist, sondern zuletzt auch durch Maddins vielbejubelten „The Saddest Music of the World“, in dem sie als Bierbaronin mit gläsernen Beinprothesen nach dem traurigsten Lied der Welt suchte. Jetzt trägt sie Anzug mit rotem Schlips, dazu die Haare zum Helm gesteift – eine androgyne und mehrdeutige Erscheinung, deren Stimme sich in alle Lagen und Rollen schmiegt und gleichzeitig schalkhafte Distanz bewahrt. Sie fühlt sich sichtlich wohl, besucht die Berlinale schon wieder nach dem letzten Jahr, als sie Maddins „My Dad Is 100 Years Old“, eine Hommage an ihren Vater Roberto Rossellini, präsentierte.

Nicht nur die Attraktion der wirklich agierenden Isabella Rossellini lässt dieses „irrste Ereignis“ zum tollsten Event werden. Sieht man aber „Brand Upon the Brain!“ mit integrierter Tonspur im Kino, droht nach einer halben Stunde Überanstrengung, als wäre man im Platzregen durchnässt. Hier bekommt man Zutritt zur Gehirnwerkstatt, sieht der Erinnerung bei der Puzzle-Arbeit zu. Unmittelbar klar wird, wie schnell die unterschiedlichen Geräusche und Bilder auseinander fallen könnten, würden nicht Arbeiter in ihrem Geräuschepark so beflissen hantieren, kneten, panschen und punktgenau das Kleckern des Nacken-Nektars, das Abstreichen der Butter, das Klitschen des Pinsels oder das Hüpfen der Waisenkinder legen, wenn sie den Sarg des verblichenen Vaters in den weichen Schlick stampfen.

Nichts gehört automatisch zusammen. Jede Kombination ist künstlich. Der Blick in Guy Maddins Werkstatt offenbart die Leistung des Hirns, die Einzelteile zu dem zusammenzusetzen, was man Erinnerungen nennt, deren Summe sich zur Identität fügt. Was auf den ersten Blick eine persönliche Autobiografie ist, erweist sich als Postproduktion, als Produkt der Manufaktur eines Mannes, der seine Eltern gern hassen möchte und um die Erkenntnis nicht herum kommt, dass er genau dazu das kontrollierende Auge der Mutter und den experimentellen Spleen des Vaters braucht. Maddins concerto grosso des experimentellen Horrorkinos ist ein Akt der Harmonisierung und Versöhnung. Im Wahn verborgen liegt der Sinn. (Gerald Koll, zuerst erschienen in „Kieler Nachrichten“)

Brand Upon the Brain!, CAN 2006, 95 Min., 35 mm (gedreht auf Super 8). Buch: George Toles, Guy Maddin, Regie: Guy Maddin, Kamera: Benjamin Kasulke, Schnitt: John Gurdebeke, Musik: Jason Staczek, Darsteller: Erik Steffen Maahs, Gretchen Krich, Sullivan Brown, Maya Lawson, Katherine E. Scharhon

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Sehnsucht nach Familie - Das Familienbild in den asiatischen Filmen

„Ad Lib Night“ (Lee Yoon-Ki, Korea 2006)
„Mona Lisa“ (Li Ying, VR China/Japan 2007)
„Lost in Beijing“ (Li Yu, VR China/Hong Kong 2007)
„Faces Of A Fig Tree“ (Momoi Kaori, Japan 2006)

Die Verhandlung des Themas Familie in der Erzählung, egal ob Film oder Roman, ist ein verlässlicher Indikator für den sozialen Zustand und die Veränderungen in einer Gesellschaft. Während in europäischen und deutschen Filmen die Familie oft als gescheitertes Modell beschrieben und nach alternativen Strukturen gesucht wird, scheint die Sehnsucht nach einer intakten Familie im asiatischen Kulturkreis ungebrochen.

Für diese Beobachtung sprechen eine Reihe von Filmen in verschiedenen Sektionen der diesjährigen Berlinale. Lee Yoon-Ki stürzt in „Ad Lib Night“ (siehe Einzelkritik) eine junge, alleinstehende Großstädterin in die Enge eines dörflichen Familienlebens. In einer Nacht konzentrieren sich die Emotionen innerhalb einer Großfamilie, denn das Familienoberhaupt liegt im Sterben. Die Protagonistin wird in die Rolle der reuig heimkehrenden Tochter gezwungen, um dem Sterbenden den letzten Wunsch zu erfüllen. Für die junge Frau stellt sich die Frage nach der Unvereinbarkeit von engen, familiären Bindungen und selbstbestimmtem Leben. Für den Koreaner Lee Yoon-Ki ein zunehmend unauflösbarer Gegensatz.

Das Sterben oder der Tod eines Familienmitgliedes sind grundlegende dramaturgische Mittel, meist zwingen sie die Hauptfiguren zu einer Standortbestimmung und zum Handeln. Ob dramaturgische Mittel oder die Realität die Geschichte führen, fragt man sich nicht nur einmal bei „Mona Lisa“, dem vierten Film des chinesischen Regisseurs Li Ying. In dem „dokumentarischen Spielfilm“ wird die Geschichte einer zerfallenden Großfamilie in der südchinesischen Provinz Fujinan erzählt. Das Besondere: Alle Protagonisten spielen sich dabei selbst. Als bei der Großmutter Krebs in finalem Stadium diagnostiziert wird und eine Operation weder finanzierbar ist noch Aussicht auf Erfolg hat, versuchen die Enkel, die Erlaubnis für einen Freigang der Mutter aus einem weit entfernten Frauengefängnis zu erwirken. Möglicherweise durch die Anwesenheit der Kamera motiviert, zeigen sich die Behörden von ihrer besten Seite. Letztendlich darf die Inhaftierte an das Sterbebett ihrer Mutter. Begleitet von ihrer Adoptivtochter machen die beiden Frauen sich auf einen lange Zugreise, die Gelegenheit zu einer Aussprache und Aufschluss über den Haftgrund gibt. Denn die Adoption der Tochter ist umstritten: Hat die Mutter die Tochter als Kleinkind tatsächlich „gefunden“ und aufgenommen oder den leiblichen Eltern entführt? Tatsächlich werden in China aufgrund der „Ein-Kind-Politik“ immer wieder kleine Mädchen ausgesetzt. Der Film zeigt ungeschönt die Folgen engstirniger Sozialpolitik und überholter, tradierter Werte und regt gleichzeitig zur Meta-Diskussion über das Wechselspiel zwischen Dokumentieren und Dokumentiertem an. Denn auch wenn die digitale Technik heute unauffäliges und flexibles Equipment zur Verfügung stellt, die besondere Situation des Beobachtet-Seins und die bewusste Reaktion darauf lassen sich allein durch Technik-Minimierung nicht verhindern. Tatsächlich erhofft sich die Familie durch den Film eine frühzeitigere Entlassung der Mutter.

Der Wettbewerbsbeitrag „Lost in Beijing“ von Regisseurin Li Yu bedient sich ebenfalls der digitalen Technik: Er wurde auf HD gedreht. Doch die wackelige DV-Handkamera ist hier eher verzichtbare Attitüde, vielleicht noch Fingerzeig auf die angestrebte Authenzität. Doch diesen Hinweis braucht der Film nicht, ebensowenig die unfreiwillige Promotion-Unterstützung durch das Zensur-Skandälchen um Sex-Szenen und Bilder von dreckigen Straßen in der um Olympia-Reife bedachten Hauptstadt der Volksrepublik. Die Geschichte um das geschäftstüchtige, aber durch den unerfüllten Kinderwunsch auseinandergelebte Ehepaar und das junge, sich mit kleinen Jobs über Wasser haltende Liebespaar enthält den eigentliche Zündstoff und bringt die sozialen und ökonomischen Verhältnisse in den Großstädten Chinas auf den Punkt. Seit die (Volks-) Wirtschaft von den zentralen Kadern von der Leine gelassen wurde, versuchen die meisten Großstädter, ihr Geschäft zu machen. Äußeres Zeichen des explodierenden Wohlstandes in den Metropolen sind die aus europäischer Sicht oft grotesk-hässlichen Wolkenkratzer. In genau solch einem Hochhaus kommt es zur Vergewaltigung der jungen Masseuse Liu Ping Guo durch ihren Chef Lin Dong, just beobachtet durch den Fensterputzer und Verlobten. Nachdem diverse Erpressungsversuche und Racheakte des Verlobten, einschließlich Seitensprung mit der Ehefrau, scheitern, sorgt die Nachricht von der Schwangerschaft Liu Ping Guos für eine Kehrtwende in der Beziehung der beiden Paare. Aus den „Unfallgegnern“ werden Geschäftspartner. Liu Ping Guo soll das Kind für den vermeintlichen Vater Lin Dong gegen eine beträchtliche Summe Geldes austragen. Die Parabel auf wirtschaftlichen Aufstieg und den damit einhergehenden Verlust von Familienwerten mag mit etwas Abstand grob gestrickt wirken, wird aber flüssig erzählt und durch das hervorragende Ensemble getragen. „Lost in Beijing“ braucht sicher keine formalen Authentizitätsbemühungen, um glaubwürdig eine der sozialen Folgen der freien Wirtschaft in der Volksrepublik China aufzuzeigen.

Mit ökonomischen Problemen hat die japanische Familie Kadowaki in „Faces Of A Fig Tree“ von Momoi Kaori nicht zu kämpfen, auf den ersten Blick scheint auch der Zusammenhalt gefestigt. Laut und schrill gehen die Vier miteinander um. Im traditionellen Holzhaus mit Mini-Garten samt namensspendendem Feigenbaum kommt keine Langeweile auf und vielleicht gerade deswegen entschuldigt sich Vater Oto für einige Wochen zu einem nächtlichen Baustellenjob. Tatsächlich schraubt er zweckfrei an Rohrleitungen und verbringt die meisten Zeit in einem noch leeren Apartment, bis ihn die Tochter wieder nach Hause holt. Kaum verstirbt er an einer plötzlichen Hirnblutung, verheiratet sich Mutter Maasa fluchtartig erneut und Tochter Yume entdeckt ihre Adoptionsurkunde. Der plötzliche Wandel von der intakten Familie zu einer fast zufälligen Schicksalgemeinschaft stellt die grundsätzliche Frage, welche Rolle die leibliche Familie in der (japanischen) Gesellschaft spielt und ob und warum sie unersetzbar bleibt. Dabei bleibt Momoi Kaori immer in der Gegenwart verwurzelt und drückt dies durch die Inszenierung seines Pop-Art-Filmes aus, der auf erzählerischer Ebene durch Zeitsprünge und Perspektivwechsel, und auf inszenatorischer Ebene durch die Überzeichnung der Charaktere und überbordende Ausstattung zu unterhalten weiß. Pop-Art funktioniert im japanischen Kino aber nur deshalb, weil sich das Land seit langem in der kulturellen Schwebe zwischen Moderne und Tradition bewegt und zudem ein eigenes kulturspezifisches Referenzsystem ausgebildet hat – kein Vorwärts ohne den steten Blick zurück. (dakro)

Ad Lib Night / Aju teukbyeolhan sonnim, Korea 2006, 99 Min., 35 mm. Buch, Regie: Lee Yoon-ki (nach einer Geschichte von Azuko Taira), Kamera: Choi Sang-ho, Schnitt: Kim Hyung-joo, Jeong Kwang-jun

Mona Lisa / Meng Na Li Sha, VR China/Japan 2007, 110 Min., HDCam. Buch, Regie, Schnitt: Li Ying, Kamera: Liu Yonghong, Mitwirkende: Xiu Xiu, A Qiong

Lost in Beijing / Ping Guo, VR China/Hong Kong 2007, 112 Min., 35 mm. Buch: Li Yu, Fang Li, Regie: Li Yu, Kamera: Wang Yu, Schnitt: Zeng Jian, Darsteller: Tony Leung, Fan Bingbing, Tong Da Wei, Elaine Jin (Y.L.), Zeng Mei Hui Zi

Faces Of A Fig Tree / Ichijiku no kao, Japan 2006, 94 Min., 35 mm. Buch, Regie: Momoi Kaori, Kamera: Kugimiya Shinji, Schnitt: Oshima Tomoyo, Darsteller: Momoi Kaori, Yamada Hanako, Ishikura Saburo, Takahashi Katsumi, Iwamatsu Ryo, Mitsuishi Ken

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Abschied von der Familie

„Nachmittag“ (Angela Schanelec, D 2007)

2001 wurde Angela Schanelecs „Mein langsames Leben“ im Forum der Berlinale aufgeführt und sorgte für sehr unterschiedliche und intensive Reaktionen. Kolportiert wurde allerdings die Ablehnung durch jenes Publikum, das mit Empörung reagierte. Was war passiert? Die Zuschauer hatten die Arbeit einer Filmemacherin gesehen, die ihre Figuren sehr genau beobachtet und kleinste Veränderungen, Entscheidungsprozesse mit der Kamera wahrnimmt. Das verlangt auch vom Zuschauer eine geduldige und aufmerksame Rezeption. Angela Schanelec traut sich, ihre Filme gegen gängige Konventionen und Erwartungen zu gestalten. Das kann für sich genommen noch keine Tugend sein. Aber ihre Filme erwiesen sich als eigenständige und konsequente Arbeiten, die mehr noch als in Deutschland in Frankreich geschätzt werden. „Marseille“ (2004) mit einer hervorragenden Maren Eggert in der Hauptrolle lief auf dem Filmfest in Cannes in der Reihe „Un Certain Regard“. Jetzt feierte Angela Schanelec mit ihrem neuen Film „Nachmittag“ auf der Berlinale Premiere.

Das Drehbuch für „Nachmittag“ basiert auf dem Theaterstück „Die Möwe“ von Anton Tschechow, das Schanelec für ihren Film adaptierte. Auch ohne dieses Vorwissen wird die dramaturgische und sprachliche Nähe zum Theater recht schnell deutlich und muss akzeptiert werden, will man sich dem Film nicht verschließen. Die Theaterschauspielerin Irene besucht nach längerer Abwesenheit ihren Sohn Konstantin und ihren Bruder Alex in einer Berliner Villa mit Zugang zum See. Zu Besuch ist auch die Freundin des Sohnes, Agnes, die mit Konstantin aufwuchs, und zum Studieren fort ging. Konstantin lebt nach wie vor mit dem alternden Alex in der Villa. Schnell wird deutlich, dass sich Mutter und Sohn zu weit voneinander entfernt haben. Alle Versuche, sich wieder einander zu nähern, ertrinken in einer Mischung aus Verletztheit, Verachtung und Ironie. Auch Agnes und Konstantin haben sich entfremdet. Agnes versteht sich besser mit dem Liebhaber der Mutter, den diese als emotionale Wärmflasche mit ins Haus bringt. Alex erklärt seiner Schwester ohne Umschweife, dass er sich für sie nicht mehr interessiert, und begreift die allgemein schwindende Anteilnahme an seinen Mitmenschen als Segen des Alterns. Jegliche Versuche verbaler Kommunikation zwischen Irene, ihrem Sohn oder ihrem Bruder scheitern. Konstantin verzweifelt an der Erkenntnis seiner Einsamkeit.

An den drei beobachteten, bleischweren Sommer-Nachmittagen wird deutlich, dass die Familie in eine emotionale Lähmung verfallen ist, aus der sie sich nicht mehr lösen kann. Wie der Schwimm-Ponton in der Mitte des Sees sind alle Protagonisten für sich und vom Ufer einer substantiellen, wärmenden Bindung weit entfernt. Diese Beziehungslosigkeit, das Desinteresse aneinander bei gleichzeitiger verzweifelter Sehnsucht nach Nähe und Geborgenheit zerreißt die Figuren innerlich oder lässt sie erkalten. Schanelec macht diese Zerrissenheit spürbar und die manchmal kaschierten, manchmal offenen Aggressionen nicht nur sichtbar, sondern glaubhaft. Man kennt solche verfahrenen familiären Situationen. Auch wenn in „Nachmittag“ keine Durchschnittsfamilie portraitiert wird, sondern intellektuelles Großbürgertum, die Grundkonflikte und Verhaltensmuster sind allzu vertraut. Es sind bittere Erkenntnisse, die Angela Schanelec uns präsentiert, dazu mit Präzision und messerscharfer Klarheit. Zum Gelingen des Films tragen außerdem ein wunderbares Ensemble mit den zwei herausragenden Jungdarstellern Jirka Zett (Konstantin) und Miriam Horwitz (Agnes) bei. Die Kameraarbeit von Reinhold Vorschneider und Bettina Böhlers Schnitt tragen einen wesentlichen Teil dazu bei, dass Schanelecs Filme eine erkennbare, eigenständige Handschrift haben. (dakro)

Nachmittag, D 2007, 97 Min., 35 mm. Regie, Buch: Angela Schanelec (nach „Die Möwe“ von Anton Tschechow), Kamera: Reinhold Vorschneider, Schnitt: Bettina Böhler, Darsteller: Jirka Zett, Miriam Horwitz, Angela Schanelec, Fritz Schediwy, Mark Waschke

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Kains und Abels – unbewaffnet

„Shotgun Stories“ (Jeff Nichols, USA 2007)

Kain, der seinen Bruder Abel erschlug, jenes biblische Thema verpflanzt Autor und Regisseur Jeff Nichols in seinem Spielfilm-Debüt in die weiten Agrarlandschaften Arkansas’ und verdreifacht die tragödische (Familien-) Problematik. Die drei Brüder Boy, Son und Mark Hayes haben gerade ihren Vater verloren. Allein, an seinem Grab stehen drei weitere Halbbrüder, geboren aus des Vaters zweiter Ehe, und beißen die Brüder aus erster Ehe weg wie räudige Hunde. Die Folge ist ein erst gärender, dann eskalierender Zwist. Dass an dessen Ende jeweils nur ein Bruder aus den jeweiligen Triumviraten sein Leben lassen muss, dass die Shotguns dann doch nicht gezündet werden, sondern sinken, weil die sechs Söhne des „Adam“ Hayes wissen, dass sie vom selben stammen, darf man als – wenn auch brüchiges – Happy End einer Story lesen, die die Möglichkeit des Brudermassakers stetig in sich trägt.

Rache ist ebenso wie der Brudermord ein ur-biblisches Setting für einen Film, den Jeff Nichols behutsam aus den überdeutlich gesetzten alttestamentarischen Konnotationen löst. So sehr hier angespielt wird auf die mustergültige Familientragödie, so detailgetreu, realistisch und psychologisch präzise sondiert Nichols deren alltägliche Ausprägung. Wenn die Berlinale-Journaille-Stimmen derer, die das schon irgendwie vorher halb gesehen oder zumindest davon läuten gehört hatten, dass der Filmtitel Massakröses vorhersagt, irren, ist das ein Verdienst von Nichols’ Story, die die Shotguns zwar martialisch in Anschlag bringt, aber doch keinen Schuss fallen lässt. Nicht zuletzt erkennt man darin eine postmodern ironische Reaktion auf all die „Zwölf Uhr Mittage“ des Westerns. Die Schüsse fallen nicht, sondern rohrkrepieren lange vorher in den Herzen und Seelen der Protagonisten – die Verheerungen darin sind freilich nicht mindere als die von Schussverletzungen.

Oder anders ausgedrückt: Die Sprache des Blutes (der patchwork-familiären Herkunft) braucht vielleicht die Möglichkeit des realen Schlagaderausflusses, kann aber hinter dem zurückbleiben, weil auch ohne Massaker die Problematik gestörter Familienverhältnisse fassbar wird. Nichols’ luzides Spiel mit der Ahnung von gleich mehreren Western-Showdowns auf der einen Seite und dialogisch ausgefeiltem Räsonnieren über die Verwerfungen in diesem multilateralen Seelenverbund auf der anderen Seite schafft eine Spannung, die Zuspitzungen zwar inszeniert, aber darauf dennoch verzichtet. Das Drama braucht keine Waffen, auch wenn die mehrfach durchgeladen werden. Der Schuss wird nicht real abgefeuert, sondern immer nur als Symbol. Nicht anders ist es mit den Kainsmalen auf den Brudermörderstirnen: Sie erscheinen nicht, sie werden verhandelt.

Ein Film, der überzeugend mit Genres und ihren Stereotypen spielt und dabei seinen Figuren näher kommt als es ein übliches Drama könnte. Wir verlassen das Kino seltsam unaufgeregt, einverstanden damit, dass die Gewalt der Herzen keine Shotguns braucht – aber so gut erzählte Stories. (jm)

Shotgun Stories, USA 2007, 92 Min., 35 mm. Buch, Regie: Jeff Nichols, Kamera: Adam Stone, Darsteller: Michael Shannon, Douglas Ligon, Barlow Jacobs, Natalie Canderday, G. Alan Wilkins

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Jugendliches Verstehen, das einem die Hoffnung lässt

„Jagdhunde“ (Ann-Kristin Reyels, D 2006/2007)

„Jagdhunde“, der Debütfilm der jungen Regisseurin Ann-Kristin Reyels, gibt sich bisweilen wortkarg. Man erfährt am Anfang wenig über seine Figuren. Und im Laufe der Handlung bleiben manche Fragen offen. Wie man dann auch feststellt, dass es so viel Handlung eigentlich gar nicht gibt, eher Situationen und Stimmungen, Ruhe und Drastik.

Vater und Sohn in einem ostdeutschen Nest in der Uckermark. Offenbar sind sie gerade erst hergezogen, abgeschieden auf einem Bauernhof, auf dem der Vater Henrik (Josef Hader) eine Scheune zu einer „Hochzeitsscheune“ umbaut, die er dann für entsprechende Festivitäten inklusive Service anbieten will. Merkwürdige Idee, denn wer soll denn hier heiraten, was in Laufe des Films dann folgerichtig auch einmal gefragt wird. Die Kamera beobachtet den 16-jährigen Sohn Lars (Constantin von Jascheroff), wie er mit dem Fahrrad durchs Dorf fährt und schriftliche Einladungen verteilt, offenbar zu einem vorweihnachtlichen Fest in der Scheune. Doch schon bald merkt man, dass wohl niemand zu diesem Fest kommen wird. Denn es ist kalt, wenn auch vorerst noch kein Schnee zu sehen ist. Aber Kälte bzw. Nichtbeachtung schlägt Vater und Sohn entgegen. Kein Gruß wird erwidert, keine freundliche Geste der Landbevölkerung erreicht die beiden Zugezogenen. Schöne Isolation, denkt der Zuschauer. Doch Lars soll schon bald eine Gefährtin kennenlernen: die gehörlose gleichaltrige Marie (Luise Berndt). Und trotz scheinbar vorprogrammierter Verständigungsschwierigkeiten werden sich die beiden besser als alle Erwachsenen verstehen.

Dem Umzug von Vater und Sohn aufs Land ist offensichtlich gerade vorher die Trennung von Henrik und seiner Frau vorausgegangen. Und da tatsächlich keiner zum Scheunenfest erscheint, schickt Henrik seinen Sohn frühzeitig zum Weihnachtsfest zur Mutter nach Berlin. Später wird einem klar, warum der Vater den Sohn so dringlich aus dem Haus haben wollte. Er hat ein heimliches Verhältnis mit seiner Schwägerin (Judith Engel) und wollte sich über die Feiertage ungestört mit ihr in seinem neuen Zuhause vergnügen. Dem macht Lars aber unfreiwillig ein Ende, als er überraschend unabgereist wieder aufs Gehöft kommt und seine Tante halbnackt bei seinem Vater antrifft. Er hatte Marie an der ländlichen Zughaltestelle beobachtet, als diese von zwei Dorfrowdys blöde angemault wurde, war tapfer dazwischengegangen, hatte „eins aufs Maul bekommen“ und mit blutender Nase seinen Zug verpasst.

Am zugefrorenen, zugeschneiten See blüht die Freundschaft, das Verliebtsein zwischen Lars und Marie auf. Vater Henrik hingegen bekommt Probleme mit seiner Geliebten und Schwägerin, muss es ungewollt, protestierend aber letztlich ohnmächtig hinnehmen, dass diese ungefragt bei ihm einzieht. Denn so eine Gelegenheit lässt sich die bisher im Leben zu kurz Gekommene nicht entgehen. Auch Maries Vater (Sven Lehman) bereitet ihm Ärger, da er die junge Liebe zwischen Lars und seiner Tochter nicht akzeptieren will, weil er Angst hat, sie zu verlieren. Zum Höhepunkt dieser Tragikomödie kommt es schließlich, als überraschend Henriks Ehefrau (Ulrike Krumbiegel) mit ihrem neuen Freund (Marek Harloff) auf dem Hof eintrifft und alle gezwungen sind, das Weihnachtsfest miteinander zu verbringen, zu dem sich dann auch noch Maries Vater gesellt. Das Festessen ist an trockener Komik und eiskalter Bösartigkeit ein Schmuckstück dieses Films.

Ländliche Idylle, Isolation und Familiendramatik, alles liegt so nah bei einander in diesem östlichen Kaff. Jan rennt immer mit seinen beiden über alle Maßen geliebten Hunden durch die Landschaft, einer geht eines Tages dabei drauf. Ein Getriebener ist Jan trotzdem nicht. Er hat ja Marie, die ihn versteht. Warum dieser wunderbar fotografierte Film (Kamera: Florian Foest) nun „Jagdhunde“ heißen musste, mag ein Geheimnis seiner Regisseurin bleiben. Auch der befremdliche Schluss, der hier nicht verraten werden soll, bleibt erklärungsbedürftig.

„Jagdhunde“ ist ein kleiner Film (Abschlussfilm an der HFF „Konrad Wolf“ in Koproduktion mit dem „Kleinen Fernsehspiel“ des ZDF), der sich zärtlich, manchmal eher schweigsam, seiner Protagonisten annimmt. Doch versammelt er ein gutes Schauspielerensemble und erzählt viel. Stille Glückmomente kontrastiert durch peinliche Begebenheiten, Situationskomik und tragische Unfälle; eine unverbesserliche Erwachsenwelt, in der konfliktarme Kommunikation kaum noch möglich scheint, und ein jugendliches Verstehen, das einem die Hoffnung lässt. (Helmut Schulzeck)

Jagdhunde, Deutschland 2006/2007, 85 Min., Super16mm - Blow-Up 35mm. Regie: Ann-Kristin Reyels, Buch: Marek Helsner, Ann-Kristin Reyels, Kamera: Florian Foest, Schnitt: Halina Daugird

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What’s America for me?

„Killer Of Sheep“ (Charles Burnett, USA 1977)

Die Berlinale gibt meist in ihren Nebenreihen Retrospektive, Hommage oder Spezial Gelegenheit, verschüttete oder schwer zugängliche Filmperlen auf der Leinwand zu sichten. In diesem Jahr ermöglichte das von Christoph Terhechte geleitete Forum des jungen Films die (Wieder-) Entdeckung eines modernen Klassikers.

An Wochenenden verteilt über das Jahr 1977 drehte Charles Burnett seinen Abschlussfilm am American Film Institut mit einem lächerlichen Budget von 10.000 $ auf 16 mm Schwarz-Weiß-Material. Im bewussten Gegensatz zu den damals üblichen Blaxploitation-Filmen entwarf der afro-amerikanische Filmstudent „Killer Of Sheep“ als eine Milieustudie in der Black Community von Watts, einem Stadtteil von South Central, Los Angeles.

Die Geschichte kreist um Stan und seine Familie. Der junge Familienvater verdient sein Geld mehr schlecht als recht in einem Schlachthof. Nicht nur, dass er seine Familie damit kaum ernähren kann, das tägliche Einerlei des Schlachtens fordert auch psychisch seinen Preis. Seine Frau vermag ihn kaum noch aus seiner Lethargie zu holen. Beinahe ist er der Versuchung erlegen, seinen Freunden bei einem Auftragsmord zu helfen, nur um etwas Geld heran zu schaffen.

„Killer Of Sheep“ vermeidet den großen dramaturgischen Bogen zugunsten eines episodenhaften Aufbaus. Burnett wollte „ein Stück aus dem Leben schneiden“. Statt einer dramatischen Überhöhung der sozialen Benachteiligung der afro-amerikanischen Arbeiterklasse, konzentriert sich Burnett auf die Seelenzustände seiner Hauptfigur Stan und seiner Familie. Trotz aller Not und der Versuchung des schnellen Geldes wird Stan immer wieder seinen moralischen Prinzipien folgen. Ein Held des Alltags. Seine Frau wird ihn nie aufgeben.

Sorgsam kadrierte Dialogszenen mischte Charles Burnett mit quasi-dokumentarischen Aufnahmen spielender Ghetto-Kids. Es gelingt ihm, die Atmosphäre und den Alltag in der Community einzufangen. Viele Szenen wirken improvisiert, doch Burnett versicherte im Gespräch, dass sie bis auf wenige Ausnahmen im Script festgelegt und in einem Storyboard vor Drehbeginn visualisiert wurden. Die Darsteller sind meist Laien, was zum authentischen, unverfälschten Charakter des Films beiträgt. Dokumentarisch sind die Montageszenen im Schlachthof, Darsteller Henry Gayle Sanders (Stan), führte alle Arbeiten bis auf das tatsächliche Töten der Tiere selbst aus. Die Bilder erinnern fast zwangsläufig an Georges Franjus „Le Sang des bêtes“ (1949), einer Dokumentation über die Pariser Schlachthöfe. Man wird daran erinnert, das die Grundkonstanten menschlicher Bedürfnisse und ihre industrielle Befriedigung sich nicht ändern, egal zu welcher Zeit und in welchem Teil der Erde. Die Namensgebende Schlachtung der Tiere ist aber auch Symbol für den Umgang mit der Arbeiterklasse schlechthin. Unterstrichen wird die besondere Situation der afro-amerikanischen „working poor“ durch Burnetts Musikwahl an dieser Stelle: „What’s America for me?“ tönt es aus William Grant Stills „Afro-American Symphony“.

Man ist erstaunt, welche unglaubliche Reife Charles Burnetts Debutfilm ausstrahlt. Wenn er als Vorbilder und Inspiration u. a. Jean Renoirs „The Southerner“ (1945) nennt, so ist das nicht im geringsten vermessen, man ahnt zudem Einflüsse des italienischen Neo-Realismus. „Killer Of Sheep“ hat eine berührende, humanistische Qualität und ist zudem dank seiner authentischen Darstellung und Inszenierung ein Zeitdokument. Nach einer Aufführung auf der Berlinale im Jahre 1981 war der Film in Europa nicht und in den USA nur selten und auf schlechten 16 mm Kopien zu sehen. Einer regulären Veröffentlichung standen die nicht geklärten, teuren Musikrechte des sorgfältig zusammengestellten Soundtracks im Weg. 1990 wurde der Film von der Library of Congress zum „National Treasure“ ernannt, 2002 wurde er von National Society of Film Critics zu einem der „100 Essential Films“ gewählt. Auf der diesjährigen Berlinale konnte „Killer Of Sheep“ in einer frisch restaurierten, vom UCLA Television and Film Archive finanzierten 35 mm Fassung bestaunt werden. Die Musikrechte wurde geklärt, einer Veröffentlichung steht nichts mehr im Weg. Der um filmisch wertvolle Raritäten bemühte New Yorker Arthouse Verleih „Milestone“ wird den Film dankenswerter Weise in diesem Frühjahr auf DVD publizieren. (dakro)

Killer Of Sheep, USA 1977, 83 Min., 35 mm (Blow Up von 16 mm), Buch, Regie, Kamera, Schnitt, Produktion: Charles Burnett, Ton: Charles Bracy, Darsteller: Henry Gayle Sanders, Kaycee Moore, Charles Bracy, Angela Burnett, u.a. Charles Burnetts Filme bei Milestone: www.milestonefilms.com

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Panorama und Panorama Special

Vergissmeinnicht in Ontario

„Away From Her“ (Sarah Polley, CAN 2006)

Es beginnt ganz harmlos. Fiona stellt nach dem Abtrocknen wie selbstverständlich die saubere Pfanne in den Eisschrank. Beim Essen kennt sie den Namen des Getränks nicht mehr, das sie anbieten will – es ist Wein – und eines Tages findet sie den Weg nach Hause nicht, bis Grant, ihr Mann, sie glücklicherweise in der Winterkälte entdeckt. Grant macht sich nichts vor; er bemerkt die beginnende Demenz seiner Frau, die er nach 44 Jahren immer noch liebt, und wächst förmlich über sich hinaus, indem er sogar ein Pflegeheim für sie auftut. Fiona liebt ihn ebenfalls; wahrscheinlich deswegen befürwortet sie umstandslos den Umzug nach „Meadowlake“. Sie sorgt sogar dafür, dass Grant dem Grundsatz des Heimes, dass Patienten während der ersten 30 Tage ihres Aufenthalts nicht einen einzigen Besucher von außerhalb empfangen dürfen, Folge leistet. Als Grant schließlich zu Besuch kommt, findet er Fiona unzertrennlich von dem Patienten Aubrey, der im Rollstuhl sitzt – ihn selbst hingegen beachtet sie kaum. Und als Marian, Aubreys Frau, ihren Mann nach Ende ihres Urlaubs aus dem Heim wieder zu sich nach Hause holt, bricht für Fiona eine Welt zusammen ...

Sarah Polley ist noch keine 28 Jahre alt und doch weit davon entfernt, das Thema der Demenzerkrankung meist älterer Menschen der Zukunft zu überlassen. Vor Jahren habe sie Alice Munros Kurzgeschichte „The Bear Came Over the Mountain“ gelesen, die sie so lange nicht mehr los gelassen habe, bis sie die Rechte erworben und das Drehbuch zu ihrem Film geschrieben habe. Und noch eine klare Vorstellung hatte Polley: Julie Christie für die Rolle der Fiona zu gewinnen, sie und keine andere. Es soll lange gedauert haben, bis sie Christie überzeugt hatte, aber es gelang. Die Rolle des Grant übernahm der 75-jährige kanadische Schauspieler Gordon Pinsent; Aubrey und Marian wurden von Michael Murphy und Olympia Dukakis dargestellt. Im September 2006 wurde „Away From Her“ beim TIFF (Toronto Film Festival) präsentiert.

Sarah Polley, die bereits als Kind vor der Kamera stand und 2003 unter der Regie von Isabel Coixet als krebskranke junge Frau in „My Life without Me“ bereits bei der Berlinale vertreten war, hat noch zahlreiche weitere Pläne fürs Regiefach. Nur ihre politischen Aktivitäten lasse sie vorerst ruhen, um intensiven Projekten wie „Away From Her“ gerecht zu werden.

Julie Christies Verkörperung der Fiona ist bedeutsam für die Eindringlichkeit und Poesie des Films. In der 1941 geborenen Christie nimmt die als sympathische, stilsichere und gebildete „Lady“ eingeführte Fiona ihre auch bei fortschreitender Demenz schöne und ungebrochen charmante Gestalt an. Zwar fühlt der Zuschauer mit Grant, wenn sie ihn – wiederum auf charmante Weise – mit einem „Du bist wirklich hartnäckig“ und „Du kommst ja sicher bald wieder, nicht wahr?“ abserviert, um sich „ihrem“ Aubrey widmen zu können. Die hässlicheren Erscheinungsformen der Krankheit bleiben jedoch anderen vorbehalten: dem völlig hilfsbedürftigen Aubrey beispielsweise, und der niedlichen, Bridge spielenden alten Dame, die anfangs noch die Gebärdensprache zum Gespräch mit ihrer gehörlosen Tochter beherrscht, diese schließlich aber nicht mehr wieder erkennt und kreischend abwehrt. Und Grant? Hat in jungen Jahren wohl auch ein paar Studentinnen vernascht; trotzdem zeugen die zahlreichen Rückblenden des damals jungen Paares davon, wie sehr sie einander zugetan und „füreinander bestimmt“ schon vor über 40 Jahren waren. Nein – es kommt kein Kitsch auf, aber im Zweifelsfall hat Fionas Alzheimer-Erkrankung, trotz aller Tragik, noch eine ästhetisch angenehme Seite. Dies ist zwar ein Plädoyer für die Würde der Erkrankten, lässt einen aber doch immer wieder erahnen, dass es sich um einen Film handelt und die Wirklichkeit des Lebens mit einem Demenzkranken wohl noch andere Schlagseiten hat. Einfühlsam wird aber auch die Würde der zurück bleibenden Partner dargestellt: Grants Skepsis und Befremden über das Heim mit seinem geradezu beschönigenden Namen „Meadowlake“ und die kategorisch-kühle Heimleiterin (Madeleine Montpellier), Marians Einsamkeit mit dem zu pflegenden Aubrey; die Kinder machen ihr praktische Haushaltsgeschenke, lassen sich aber kaum sehen.

Skilanglauf war eines von Fionas und Grants liebsten Hobbys während der Jahrzehnte, die sie in ihrem Landhaus verbrachten. Am Ende bleiben Spuren im Schnee der Weite von Ontario – und für Filmfans wohl auch eine Erinnerung an Julie Christie in der Rolle der Lara im Klassiker „Doktor Schiwago“ von 1965. Die Erinnerungen sind das einzige Paradies, aus dem wir nicht vertrieben werden können, sagt man. Eine zweifelhafte Sentenz im Hinblick auf Demenzkranke – aber so lange noch eine einzige liebevolle Erinnerung da ist, sollte man sie laut „Away From Her“ genießen. (gls)

Away From Her, CAN 2006, 110 Min., 35 mm. Buch: Sarah Polley (nach der Kurzgeschichte „The Bear Came Over the Mountain“ von Alice Munro), Regie: Sarah Polley,  Kamera: Luc Montpellier, Schnitt: David Wharnsby, Darsteller: Julie Christie, Gordon Pinsent, Olympia Dukakis, Michael Murphy, Wendy Crewson

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Szenen keiner Ehe

„2 Days in Paris“ („Deux jours a Paris“, Julie Delpy, F/D 2007)

Julie Delpys „2 Days in Paris“ kann man getrost als Fortsetzung von „Before Sunrise“ (1995) und „Before Sunset“ (2004) lesen, beide von Richard Linklater, beim zweiten Teil hatte Delpy bereits am Drehbuch mitgeschrieben. Lediglich Marions (Julie Delpy) Lover auf Zeit Jack wird nicht mehr von Ethan Hawke gespielt, sondern – wenn nicht sogar besser – von Adam Goldberg. Und die Dialogduelle zwischen beiden erstrecken sich nicht mehr nur über 24 Stunden, sondern diesmal zwei Tage.

Wie bei den „Before ...“-Vorläufern sind es diese endlosen, aber nie langweiligen Dialoge voller Wortwitz und komödiantischem Esprit, die den Film mehr tragen als die Handlung. Genauer: Die Dialoge sind die Handlung und machen den 93-Minüter wiederum zum Kammerspiel über das ewig junge Thema, dass Männer und Frauen einfach nicht zueinander passen – und dass genau das den Reiz jeder Liebesbeziehung ausmacht.

Auf dem Rückweg von einem Postkarten-Wochenende in Venedig nach New York machen Marion und Jack Station in Marions Pariser Elternhaus (übrigens exakt dasselbe Setting wie am Schluss von „Before Sunset“). Welten prallen aufeinander: Auf der einen Seite Jacks von amerikanischer Alternativkultur zwischen Jim Morrison-Verehrung und Öko-Gewissen mit Angst vor allergenen Schimmelpilzen geprägte, auf der anderen Seite die von Marions Eltern (besonderer Regie-Coup: Delpy hat sie mit ihren wirklichen Eltern Marie Pillet und Albert Delpy besetzt), die die Alt-68er-Zeiten in ein frotzelnd anzügliches Parlando herüber gerettet haben. Den nicht gerade rede-ungewandten Jack stößt das oft genug vor den Kopf. Hinzu kommt, dass es zwischen Marion und Jack im Bett vor lauter Reden nicht so recht klappen will und Marion an jeder Pariser Straßenecke irgendeinem Ex begegnet. Eifersucht auf die ehemaligen (oder noch immer?) Lover Marions schleicht sich in Jacks betonte Coolheit. Am Ende scheinen beide vor einem Scherbenhaufen ihrer Beziehung zu stehen, der nicht durch mehr „darüber Reden“, sondern nur mit weniger davon gekittet werden könnte.

Minutiös in der Figurenführung, die oft bewusst improvisiert scheint, inszeniert Delpy die Dialoge, in denen sich beide mit Witz und Tiefsinn zu übertreffen suchen. Entsprechend hoch ist die Gag-Frequenz, so dass man sich zuweilen in einer Sit-Com wähnt. Gleichwohl drückt das permanente Sprechen in Bonmots auch die Hilflosigkeit der Figuren aus, sich als ganze Menschen zu begegnen, einander und nicht nur des anderen Wortgewandheit zu verstehen – das Grundthema der gesamten „Trilogie“. Ein wenig Tragik scheint da durch, dennoch kann man wie frau „2 Days in Paris“ als einfühlsame Komödie genießen. (gls)

2 Days in Paris / Deux jours a Paris, D/F 2007, 93 Min., 35 mm. Buch, Regie, Schnitt: Julie Delpy, Kamera: Lubomir Balchev, Darsteller: Julie Delpy, Adam Goldberg, Marie Pillet, Albert Delpy, Daniel Brühl

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Faustischer Kampf der Kulturen

„Takva“ (Özer Kiziltan, TÜR/D 2007)

An Fausts Kampf zwischen Gut und Böse, zwischen Seelenheil und Scheitern an und in der Welt muss man unwillkürlich bei Muharrems Zwist zwischen Frömmigkeit und deren Lebbarkeit denken. Allein, bei Faust steht der „abendländische“, christliche Glaube zur Disposition, bei Muharrem ist es der Islam. Eine Auseinandersetzung im Film, die auf realpolitischer Ebene umso virulenter ist: Die Türkei zwischen Islam als traditionell verankerter Kultur und dem säkularisierten, kapitalistischen „Westen“, an den sie sich derzeit nicht nur in ihren Bemühungen um einen EU-Beitritt annähert. Die (Kultur-) Kämpfe zwischen Glaube und Welt, die es bis dahin auszufechten gilt, sind nicht nur Muharrems.

Özer Kiziltans „Takva“, verdolmetscht „Ein gottesfürchtiger Mann“, ist somit nicht nur ein Film über die Probleme des gegenwärtigen „Kulturkampfs“ in der Türkei, er stellt Fragen, wirft Probleme auf, die überzeitlich, allgemeinmenschlich – also „faustisch“ sind. Muharrem (ungemein glaubwürdig gespielt zwischen gottesfürchtigem Moslem und weltlich Verführtem von Erkan Can) ist ein frommer „Nerd“. Der Koran und seine Regeln geben ihm Sicherheit in seinem asketischen, eigenbrötlerisch einsamen Leben. Tiefer Glaube hat eben auch immer die Funktion der „Komplexitätsreduktion“, macht die Existenz und das, was einem in ihr widerfährt, übersichtlich, überschaubar, „glaubwürdig“. Doch Allah hat etwas vor mit dem kleinen fleißigen Buchhalter einer expandierenden Istanbuler Handelsfirma. „Was dich außergewöhnlich macht, ist, dass du so gewöhnlich bist“, weiß Sheik, Oberpriester einer islamischen Sekte, die nicht nur in den Geschäften Gottes tüchtig ist, sondern auch in allzu weltlichen. Benötigt wird ein verlässlicher Eintreiber für die Mieten der sekteneigenen Immobilien. Muharrem scheint dafür genau der Richtige, denn er ist rechtschaffen und im eigentlichen Sinne des Wortes harmlos: der perfekte „Buchhalter Allahs“. Wenn auch zweifelnd nimmt Muharrem diesen Auftrag an. Doch wer den schnöden Mammon eintreibt, gerät unweigerlich in den Sog weltlicher Kompliziertheiten. Und in betrügerische Geschäfte, die Allah so sicher nicht geplant hatte. Oder doch? Eine Bewährungsprobe für den frommen Moslem?

Kämen zu all den Verwicklungen in ein mafiöses Geschäft, in das Muharrem ob seiner Gutgläubigkeit immer unrettbarer hineingezogen wird, nicht auch noch jene verboten lüsternen Träume ... Immer wieder träumt Muharrem von schmutzigem, nassen Sex mit einer Schönen, die sich im wachen Leben, das ihm wie die (Alp-) Träume mehr und mehr unerträglich wird, als Tochter des Oberpriesters entpuppt. Hin und her gerissen zwischen verwirrenden, allzu menschlichen Bedürfnissen und der göttlichen Aufgabe, die so ganz weltlich in der Gosse mündet, muss Muharrem scheitern wie einst Faust – oder wie Cahit (Birol Ünel) in Fatih Akins „Gegen die Wand“, der 2004 den Goldenen Bären gewann. Dass man Akin und seine Kollegen Klaus Maeck und Andreas Thiel der Hamburger Corazon Film als deutsche Co-Produzenten in den Credits von „Takva“ findet, ist somit kein Zufall.

Kiziltan erzählt diesen fürchterlichen „Abstieg“ eines Gottesfürchtigen parabelhaft. Muharrem ist ein Pars pro toto, ein Mensch wie wir alle, ein Glaubender, der an den Verhältnissen der globalisierten, nicht mehr in Glaube, Liebe, Hoffnung geborgenen Welt seinen Glauben wenn nicht verlieren, so zumindest verraten muss. In expressionistischen Bildern, gerade in den Traumsequenzen, vermittelt uns dies Soykut Turans Kamera, kongenial unterstützt von einem Sounddesign (Gökçe Akçelik) mit geradezu sinfonischer Dramaturgie. Der magisch-mantrahafte „Beat“, nach dem die Muslime in einer der ersten Sequenzen des Films in wachsender Ekstase beten, fragmentiert sich mit Muharrems zunehmender Verwirrung mehr und mehr zu einem Audio-Horrortrip mit technoider Industrial-Beschleunigung. Musik, die vom „halal“ zum „harrem“, vom Gottesdienst zum Gossenlied wird – beeindruckend!

So beeindruckend wie dieser trotz aller Opulenz einfühlsam zurückhaltend erzählte Film, dem die FIPRESCI-Jury den Panorama-Preis verdientermaßen zusprach. (jm)

Takva, TÜR/D 2006, 96 Min., 35 mm. Regie: Özer Kiziltan, Buch: Önder Çakar, Kamera: Soykut Turan, Schnitt: Andrew Bird, Musik/Sounddesign: Gökçe Akçelik, Produktion: Sevil Demirci, Önder Çakar, Co-Produktion: Fatih Akin, Klaus Maeck, Andreas Thiel, Darsteller: Erkan Can

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Zerbrechliche Fragmente einer Jugend

„The Tracey Fragments“ (Bruce McDonald, CAN 2007)

Tracey Berkowitz (Ellen Page) ist zarte und kritische 15 Jahre alt und (über-) lebt in einem Elternhaus, das „prekär“ genug ist, ihre zerbrechliche und schwerst pubertierende Jugend noch schwieriger zu gestalten. Ihr depressiver Vater hält ihre bloße Existenz für einen „Unfall“, ihre Mutter „amüsiert“ sich tabakschwanger vorm Fernseher „zu Tode“. Und dann ist da noch ihr kleiner Bruder Sonny, den sie erfolgreich zum brav ihr nachbellenden Tamagotchi-Hündchen abgerichtet hat – anders als ihren Mitschüler Billy Zero, der in der eigenen Haltlosigkeit nichts mit ihren verliebten Annäherungsversuchen anzufangen weiß.

Schwer ist die Jugend samt erster großer Liebe schon immer gewesen, noch schwerer wird sie in der gegenwärtig zerfasernden Epoche, wo Menschen zu multimedialen Avataren ihrer selbst werden. Regisseur Bruce McDonald wählt dafür eine Bildsprache, die mit multiplen Split-Screens das Schizophrene heutiger (Jugend-) Existenzen als „Zapp-Stream“ fotografiert. Ein Frame-Rausch, dessen Highspeed so verwirrt, wie das Leben ein verwirrendes ist – aber ebenso deutlich auf die Anfänge des Split-Screens etwa in „The Thomas Crown Affair“ (Norman Jewison, USA 1968) verweist, wenn Tracey in einer explizit mit „The Tracey Affair“ betitelten Fantasiesequenz tagträumt. Das Leben erfährt Tracey nur noch als fragmentarisch unzusammenhängendes, die Split-Screen-Technik macht uns als Zuschauer genau das augenscheinlich nachvollziehbar. Wo alles mit allem vernetzt ist und also zusammenhängt, werden die spärlichen Links zum Leben zufällig, unzusammenhängend. Wo findet man noch Anker ins Leben, die nicht bloß mit dem HTML-Code „<a href=“...“>“ beginnen?

Zu kurz gesehen wäre es indes, McDonalds Split-Screen-Fragmentierung als medienkritische Eins-zu-Eins-Kopie der Videoclip- oder YouTube-Bilderräusche zu interpretieren. Denn McDonald, (Hand-) Kameramann Steve Cosens und vor allem die Split-Schnitt-Akrobaten (um es mit Alexander Kluge zu sagen: häufig „ratlos in der“ eigens aufgerichteten „Zirkuskuppel“) Jeremy Munce und Gareth C. Scales  organisieren ihr angerichtetes Chaos dann doch immer wieder in Zusammenhänge. Nicht nur dass Tracey eindrucksvoll videoinstalliert durch gleich mehrere Frames stürzt, ein „Kniefall“, den man auch medienästhetisch als symbolischen sehen darf – sie scheint selbst ihr Leben zu „screenshotten“, so zusammenanhänglich unzusammenhängend, wie sie um Lebens-Logik ringt. Das filmische Experiment der Filmemacher wird zu dem ihrer Figur. Wenn man als Jugendliche heutzutage schon nicht mehr Mensch werden kann ... Medium, medial zu werden, wäre doch noch einen Versuch wert. DSDS lässt grüßen.

Der scheitert in McDonalds Film auf ebenso ganzer Linie, wie er gelingt, indem er uns dieses Scheitern als konsequent zusammenhangs- und zusammenhaltslose Bilder- und Frame-Flut anbietet. So verzweifelt wie Tracey selbst müssen wir uns aus all dem Geraffel ein Bild von Welt zimmern, in deren Medialisierung das einfache Leben immer schwerer fällt. Und da muss man jetzt – wenn auch überflutet von Frames – mal ganz schwer loben: So den Zuschauer ins Chaos der existenzialistisch geworfenen Existenz und deren medialer Generierung einzugemeinden, schaffen nur wenige Filme. Schon gar nicht jene, die ganz konventionell – und also existenzfern – einfach auf einer (bildlich wie simpel zu rezipierenden) ungeteilten Leinwand nur eine statt der notwendig vielen Geschichten erzählen. (jm)

The Tracey Fragments, CAN 2007, 80 Min., 35 mm. Buch: Maureen Medved, Regie: Bruce McDonald, Kamera: Steve Cosens, Schnitt: Jeremy Munce, Gareth C. Scales , Darsteller: Ellen Page, Max McCabe-Lokos, Ari Cohen, Slim Twig, Julian Richings

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Der letzte Amerikaner in Nord-Korea

„Crossing The Line“ (Daniel Gordon, GB 2006)

James Joseph „Joe“ Dresnok ist ein Überlebender, sein Credo lautet: „Everyone has to adopt himself to life“ – Passe dich an das Leben an. Überlebt hat er die Verstoßung aus dem ärmlichen Elternhaus, das Waisenheim in Virginia und seine aktive Militärzeit in der US Army während des Korea-Krieges. Als auch hier sein Überleben auf dem Spiel stand, wechselte er auf dem Höhepunkt des Kalten Krieges 1962 die Fronten, desertierte in das kommunistische Nord-Korea.

Anfang der 60er ist die DMZ, die entmilitarisierte Zone um den 38 Breitengrad, die verbissen verteidigte Grenzlinie zum Kommunismus. Der dreijährige Korea-Krieg kostete 4 Millionen Menschen das Leben, 2 Millionen Soldaten bewachten nach dem Ende der Kampfhandlungen die 2 Meilen breite, entmilitarisierte Zone. Es kam und kommt weiter zu Übergriffen, die DMZ ist heute die letzte Grenze des Kalten Krieges. Retrospektiv spricht man in Süd-Korea vom „Forgotten War“. Das kommunistische Regime unter Kim Il-Jung wertet den Konflikt als „The Great Victorious War“.

In diesem historischen Spannungsfeld spielt sich das zweite Leben von Joe Dresnok ab. „Crossing The Line“ von Daniel Gordon erzählt die Geschichte von „Genosse Joe“: Vom Westen vergessen oder geleugnet, von den koreanischen Kommunisten zu Propagandazwecken missbraucht. Joe Dresnoks Biografie gibt Gordon Anlass, weit auszuholen und unser Geschichtswissen über den „vergessenen Krieg“ und das andere in Ideologie-Zonen geteilte Land aufzufrischen. „Crossing The Line“ wechselt beständig zwischen der Innenperspektive des Deserteurs und Propagandahelden Dresnok und einer Außenperspektive, die den historischen Maßstab anlegt. Gordon hat bereits zwei Dokumentarfilme in und über Nord-Korea gedreht und konnte vielleicht deshalb ein Vertrauensverhältnis sowohl zu Dresnok als auch zu nord-koreanischen Offiziellen aufbauen. Zum ersten Mal sprechen sowohl Dresnok auf der einen und seine amerikanischen Vorgesetzten auf der anderen Seite über dessen Desertation am 15. August 1962, die binnen kurzer Zeit drei weitere Überläufe nach sich zog. Die Propaganda-Maschinerie Nord-Koreas macht die vier Deserteuere zu Ikonen des Kommunismus. Richtig populär werden die Vier durch die Verkörperung des amerikanischen Klassenfeindes in propagandistischen Action-Filmen der 70er. Die Kehrseite ihres Pop-Star-Daseins ist nahezu völlige Isolation sowohl vom täglichen koreanischen Leben als auch vom Weltgeschehen. Ein Fluchtversuch misslingt, verschärfte Umerziehung wird angeordnet. Dresnok versteht: Wenn er tatsächlich in Nord-Korea (über-) leben will, muss er sich anpassen. Er lernt die Sprache gründlich, studiert Geschichte und Sitten. Als einziger der vier Amerikaner lebt er heute noch in Pjönjang.

Gordon gelingt mit „Crossing The Line“ eine überaus interessante Biografie und historische Fallstudie. Der Film bietet ein hohes Maß an Informationen, die Gordon aber sehr strukturiert über den Film verteilt. Nie hat man das Gefühl, dass die Beteiligten die Ereignisse und ihre persönlichen Einschätzungen in der Retrospektive schönen. Mit Joe Dresnok hat Gordon zudem einen faszinierenden Protagonisten, der sich sein kleines Lebensglück in einer fremden Kultur erkämpfen musste und schmerzhaft offen über den langen Weg dorthin berichtet. (dakro)

Crossing The Line, GB 2006, 90 Min., 35mm. Regie, Buch: Daniel Gordon, Kamera: Nick Bennet, Schnitt: Peter Haddon

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Lehrer Specht lässt grüßen

„Guten Morgen Herr Grothe“ (Lars Kraume, D 2006/2007)

Und schon wieder ein Fernsehfilm reinsten Wassers auf der Berlinale: „Guten Morgen Herr Grothe“ von Lars Kraume im Panorama. Ein TV-Film, der verdientermaßen, weil reine Fernsehdramaturgie und -ästhetik hier dominieren, nie und nimmer noch einmal im Kino auftauchen wird, im Gegensatz z.B. zu „Jagdhunde“, den das „Kleine Fernsehspiel“ vom ZDF koproduziert hat. Eine WDR-Produktion, die es, wie so mancher Fernsehfilm hinauf bis ins Festival geschafft hat, wer weiß, wie auch immer. Er sei der Vollständigkeit halber hier kurz besprochen, obwohl wir ihn bestenfalls eines Tages im ARD-Hauptabendprogramm wiedersehen können.

Herr Grothe (Sebastian Blomberg) ist 37 und engagierter Deutschlehrer an einer Hauptschule. Es folgt das klassische Thema. Grothe hat es als Klassenlehrer mit seiner rebellischen Klasse nicht einfach. Vor allem Nico (Ludwig Trepte) stört und boykottiert den Unterricht mit allen Mitteln und muss wohl bald mit dem Schulverweis rechnen. Selbst Grothes abgehärtete Kollegin und Freundin Lisa Kranz (Nina Kunzendorf), rät ihm, Nico aufzugeben. Grothe aber will Nico unbedingt durchbringen und versucht, ihn zu motivieren und zu fördern. Doch überschätzt er dabei seine und Nicos Möglichkeiten. Resultat: er verliert oft sich und den Rest der Klasse aus dem Blickfeld und macht Fehler. Die Katastrophe scheint absehbar und findet auch statt. Doch schaut, oh Wunder, welch voraussehbare Wendung: In der Not weiß die Klasse, was sie an Herrn Grothe hat, zeigt Eigenverantwortung und Solidarität.

Die Hauptcharaktere des Films, Lehrer Grothe, Nico und Grothes Kollegin Lisa dürfen sich am Thema des Filmes, dem harten Alltag an einer heutigen Hauptschule, „abarbeiten“ und können mit ihrer Charakterzeichnung durchaus überzeugen. Die Verwahrlosung und Verrohung vernachlässigter Jugendlicher wird noch TV-konform, das heißt, in ihrer Drastik abgemildert, in Szene gesetzt. Und obwohl der Film etliche Klischees bei diesem dafür anfälligen Themas glücklich umschifft, ist er vom Ende her gesehen doch wieder so ein typischer Schulfilm, wie wir ihn besonders aus der deutschen TV- und amerikanischen Kinoproduktion zu Dutzenden her kennen. Lehrer Specht lässt grüßen. (Helmut Schulzeck)

Guten Morgen Herr Grothe, D 2006/07, 90 Min., DigiBeta. Regie: Lars Kraume, Buch: Beate Langmaack, Kamera: Jens Harant, Schnitt: Barbara Gies

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Perspektive Deutsches Kino

Doppelte Mütter

„Was am Ende zählt“ (Julia von Heinz, D 2007)

Carla sieht wie ein Püppchen aus und hat auch nur ähnlich viel im Kopf, mag man meinen. Frisch auf dem Weg nach Lyon, wo sie Modedesign studieren will, lässt sie sich zunächst das mit reichlich Startkapital gefüllte Portemonnaie und gleich danach noch das gesamte Reisegepäck klauen. Jetzt ist sie mittellos und strandet ausgerechnet bei Rico, der ihr zwar einen Job auf einer Baustelle in Aussicht stellt, sie im Gegenzug aber sogleich schwängert. Doch immerhin hat sie den Absprung von zu Hause, aus dem Einflussbereich des für sie unerträglichen Vaters, geschafft – ein schwacher Trost allerdings in diesem Crescendo der Katastrophen.

Lucie arbeitet ebenfalls auf der Baustelle, einem Boot, das zur Kneipe umgebaut werden soll. Sie, ein Heimkind, möchte sich im Gegensatz zu Clara ihre Familie bestmöglichst erhalten: Auf ihren Bruder Michael, der frisch aus der Jugendhaft entlassen und glücklicherweise gerade nicht auf Droge ist, lässt sie nichts kommen. Schließlich nisten sich die drei in einer zunächst völlig verwahrlosten Plattenbauwohnung ein, nehmen eine Heimarbeit an, um sich über Wasser zu halten, und Carla führt ein Leben jenseits jeder behördlichen Registrierung – und leider auch ohne Krankenkassenkarte. Als die Geburt des Kindes näher rückt, finden die beiden jungen Frauen eine trügerische Lösung: Carla nimmt Lucies Identität an und bekommt ihre Tochter unter Lucies Namen. Was später, wie der Zuschauer schon ahnt, zu dramatischen Entwicklungen führen wird ...

Die Schauspielerinnen Paula Kalenberg (Carla) und Marie Luise Schramm (Lucie) sind als Typen herzerfrischend gegensätzlich und verkörpern ihre Rollen entsprechend: Vor den Augen des Zuschauers wächst die eigentümliche Freundschaft der entschlossenen, aber rettungslos naiven Carla und der tatkräftigen, liebevollen, grobschlächtigen Lucie. Beeindruckend, zu wie viel Echtheit in der abgewrackten Umgebung (grandioses Szenenbild: John Quester) es die Darsteller bringen, so auch Benjamin Kramme in der Rolle des labilen Bruders Michael und Vinzenz Kiefer als Ekelpakat Rico. Im Film sind die Männer so rein gar nicht positiv besetzt, so dass es einen Wunder nimmt, wenn Regisseurin Julia von Heinz meint, sie habe die Männer gar nicht ungnädig dargestellt. Die Frauen in „Was am Ende zählt“ sind halt die Stärkeren – und ein Kind solle durchaus von zwei „Müttern“ ins Leben begleitet werden, eher als nur von einer, und nicht zwingend von Mutter und Vater, meint die Regisseurin, die zusammen mit John Quester auch das Drehbuch verfasst hat. Aber in dem Film geht es noch um mehr, um Freiheit, Verantwortung, Bindungen, Überlebensstrategien. Dabei wird der Blick nicht rückwärts gewandt, auf das Heimkindschicksal Lucies oder Carlas Konflikte mit den Eltern, sondern bleibt in der erzählten Zeit – was gut gelingt, denn so wirkt der Film nicht psychologisierend.

Die Hauptdarstellerinnen Paula Kalenberg und Marie Luise Schramm sind 20 und 22 Jahre alt und doch beide schon jahrelang im Filmgeschäft; Marie Luise Schramm war mit erst neun Jahren erstmals als Synchronsprecherin tätig, trat bereits in verschiedensten TV-Serien auf und war u.a. in Filmen wie „Das letzte Versteck“ (2002), „Bin ich sexy?“ (2004) und „Komm näher“ (2006) auf der Kinoleinwand präsent. Paula Kalenberg, zuletzt 2005 in dem Kinofilm „Die Wolke“ und demnächst in der Verfilmung von „Krabat“ zu sehen, verkörperte 2005 in einer ZDF/3SAT-Produktions von Schillers „Kabale und Liebe“ an der Seite von August Diehl und Götz George die Louise Millerin. Beide Darstellerinnen spielten bereits 2002 in einer Folge des ARD-„Tatorts“ ein Duo mit ähnlich desolatem Background wie im vorliegenden Film.

„Was am Ende zählt“ entstand an der Hochschule für Film und Fernsehen „Konrad Wolf“ in Potsdam-Babelsberg in Kooperation mit dem WDR und Arte und ist das erste lange Regiewerk der 1976 geborenen Julia von Heinz, die bereits mehrere preisgekrönte Kurz-Spielfilme realisiert hat („Lucie & Vera“, „Doris“, „dienstags“). Produziert wurde „Was am Ende zählt“ von der jungen Berliner credofilm GmbH, die programmatisch „am individuellen Geschichten Erzählen“ festhält und dabei „gute Ideen, motivierte Filmemacher und feines Handwerk“ unterstützt. Dieses alles kann man für den Film ankreuzen – aber solche Filme über sich jenseits der Rosamunde-Pilcher-Romantik durchschlagende junge Frauen schaffen es zumeist allenfalls ins Spätprogramm öffentlich-rechtlicher Sender. Deshalb bitte kräftig die Daumen drücken, damit ein Kinoverleih für diese auf unspektakuläre Weise spannend, glaubwürdig und intensiv erzählte und gespielte Geschichte gefunden wird. (gls)

Was am Ende zählt, D 2007, 90 Min., 35 mm. Buch: John Quester, Julia von Heinz, Regie: Julia von Heinz , Kamera: Daniela Knapp, Schnitt: Florian Miosge, Darsteller: Paula Kalenberg, Marie Luise Schramm, Benjamin Kramme

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Keine Perspektive

„Osdorf“ (Maja Classen, D 2007)

Osdorf bei Hamburg ist eines den Hochhaussilos an deutschen Stadträndern, die zu sozialen Brennpunkten wurden, weil sie für gut Verdienende als Wohnort unattraktiv sind und nur mehr als Auffanglager für die sozial Ausrangierten taugen. Arbeitslosigkeit, hohe Kriminalitätsrate, Gewalttätigkeiten, Drogenkonsum: Wer in einem solchen Ghetto aufwächst, muss sich rauskämpfen, Lebensperspektiven werden hier nicht aufgezeigt. Und solange man hier ist, muss man sich behaupten, sich Respekt verschaffen und ein dickes Fell zulegen.

Maja Classens Diplomfilm „Osdorf“ für die HFF „Konrad Wolff“ ist ein Gruppenportrait ausschließlich männlicher, jugendlicher Migranten. Schnell wird deutlich, dass sich die Jungs keine Illusionen über ihre Situation und ihre gesellschaftliche Zukunft machen. Mühsam halten sie eine Gruppenidentität aufrecht, die sich aus Versatzstücken US-amerikanischer Rap- und deutscher Kiez-Kultur speist. Was zunächst nach Ghetto-authentischer Abgeklärtheit aussieht erweist sich alsbald als tiefe Resignation und Gleichgültigkeit. Selbst ein Gruppen-Besuch im Knast Santa Fu inklusive Auge-in-Auge-Gespräch mit Knackis, darunter Drogendealer und mehrfache Mörder, setzt nicht wirklich die erhofften Selbsterkenntnisse in Gang. In der Gruppe der Osdorfer Jugendlichen machen schnell wieder die selben Macho-Sprüche die Runde oder Fatalismus über das vorhersehbare Ende der eigenen Kriminellen-Karriere wird zur Ghetto-Gangster-Pose erhoben.

Die Indifferenz der Portraitierten überträgt sich tendenziell auch auf den Zuschauer, denn Classens dokumentarischer Versuch, die Risse in der Oberfläche zu vertiefen, scheitert. Zwar gibt es die „schwachen Momente“ in Einzelgesprächen, wird die Sehnsucht nach einem anderen Leben spürbar, wenn auch kaum artikuliert. Selbst die Gruppe gilt nicht als verlässlicher Rückhalt. Vielleicht hätte man an diesen Stellen fordernder im Interview sein müssen. Möglicherweise hätte auch ein Perspektivwechsel, Interviews mit Familie, Lehrern, Sozialarbeitern oder ein längerer Beobachtungszeitraum neue Innen-Einsichten gebracht. Doch Classen entschied sich offensichtlich, nur bei den Kids zu bleiben, und belässt es die meiste Zeit dabei, ihnen beim Posen zuzuschauen. Allenfalls kann man „Osdorf“ als Momentaufnahme einer Gruppe in völliger Stagnation und Perspektivlosigkeit stehen lassen. Die muss dann aber nicht abendfüllend sein. (dakro)

Osdorf, D 2007, 80 Min., DigiBeta. Regie, Buch: Maja Classen, Kamera: Christoph Lemmen, Johannes Neumann, Schnitt: Thomas Krause

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abgedreht – aktuelle Produktionen
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Dreharbeiten zu „Du bist mein Afrika“ beendet

Die Dreharbeiten zu Helmut Schulzecks Dokumentarfilm „Du bist mein Afrika“ (gefördert von der Kulturellen Filmförderung S.-H.) wurden Mitte Januar in Kenia beendet. Für den Film war seit Ende November in Kapstadt und ab 20. Dezember 2006 dann in Kenia gedreht worden.

Nachdem Schulzeck in Kapstadt selbst gedreht hatte, war nach Kenia der bekannte Kameramann Hans Albrecht Lusznat aus München eingeflogen worden. Drei Wochen wurde dann in der Weihnachtszeit und im neuen Jahr vor allem im kenianischen Hochland, in der Nähe von Nyahururu bei Muhotetu Farmers, und in Nairobi gedreht. Das afrikanische Landleben in einer Höhe von 1.600 bis 2.300 Meter bildete den Hintergrund für Schulzecks filmische Erkundungen mit seiner neuen afrikanischen Familie. (hsch)

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„Der Wirt, die Kneipe und das Fest“ auf Schleswig-Holstein-Tournee

„Der Wirt, die Kneipe und das Fest“, ein Dokumentarfilm, ein Heimatfilm von Margot Neubert-Maric und Gisela Tuchtenhagen (gefördert von Filmförderung Hamburg, MSH und Kulturelle Filmförderung S.-H.) geht nach seiner Schleswig-Holstein-Premiere am 25. März im Kieler KoKi auf Schleswig-Holstein-Tournee.

Plattdeutsch ist ihre Sprache, der legendäre „Hahnbeerkrog“ ihr zweites Zuhause. Die Kneipe „Hahnbeerkrog“, ihr bodenständiger Wirt Friedemann Braun, der „Bomber von Dithmarschen“ und seine Stammgäste, die „Hahnbeer-Männer“, sind Zentrum des Films. Schon ihre Urgroßväter, Großväter und Väter hatten feste Stammplätze an diesem traditionsreichen Ort. Hier darf nichts verändert werden, sonst kommt keiner mehr rein. Das gilt auch für das „Hahnebeer“. Das ausgelassene Fest wird seit Urzeiten ausschließlich von Männern vorbereitet und jedes Jahr in Heide/Dithmarschen gefeiert. Das ursprünglich bäuerliche Fest wurde 1841 erneuert und gilt seitdem der Pflege des Familien- und Gemeinschaftssinnes, dem Beenden von Nachbarschaftsstreitigkeiten und dem Erhalt des Plattdeutschen.

Den beiden Filmemacherinnen ist ein ausgelassener, aber auch intimer Film über trink- und sangesfreudigen „Hahnbeermänner” gelungen, der die Bedeutung von Zugehörigkeit und Gemeinsamkeit erfahrbar macht.

Ab März gehen sie auf eine Kino-Tournee durch Schleswig-Holstein.

Die Termine

Premiere:
Kommunales Kino in der Pumpe (Haßstr. 22, 24103 Kiel, Tel.: 0431-2007650)
25. März, 17 Uhr

Capitol Marne (Norderstr. 2, 25709 Marne, Tel.: 04851-3210)
2. April, 20 Uhr

Kinocenter Husum (Neustadt 114, 25813 Husum, Tel.: 04841-62673)
4. April, 20 Uhr

Kommunales Kino Im Haus (Reeperbahn 28, 24340 Eckernförde, Tel.: 04351-712377)
14. April, 20.30 Uhr

Stadttheater Heide (Rosenstr. 15-19, 25746 Heide, Tel.: 0481-7750758
17. April, 20 Uhr

Kino Grimm Schwarzenbek (Hamburger Str. 3, 21493 Schwarzenbek, Tel.: 04151-3509
22. April, Matinee 11 Uhr

Burgtheater Itzehoe (Hinter dem Klosterhof 6, 25524 Itzehoe, Tel.: 04821-2338)
25. April, 20 Uhr

Weitere Termine und Spielorte (Sayoy Kino Bordesholm, Abaton Hamburg, in Heide oder im Landesmuseum Meldorf, Kommunales Kino Lübeck) sind noch in Planung und werden demnächst bekannt gegeben.

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Tournee des Dokumentarfilms „Haus - Halt - Hilfe“ geht zu Ende

Die vom Film- und Kinobüro Hessen e.V. organisierte Hessentour des Dokumentarfilms „Haus - Halt - Hilfe – arbeiten im fremden Alltag“ geht am 20. März zu Ende. Der Film von Petra Valentin, der von der Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein mit gefördert wurde, wird im Rahmen einer Veranstaltung zur Antirassismuswoche in der Frankfurter Naxoshalle (Programm siehe Anhang) gezeigt.

(nach einer Pressemitteilung der CineVa-Filmproduktion)

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zugeschaut – Festivals
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Augenweide-Programmauswahl läuft in Wien

Eine Auswahl von Filmen aus den Programmen des Augenweide Filmfest Schleswig-Holstein wird im Wiener Schikaneder Future Cinema gezeigt.

Eine Programmvorschau findet sich hier: www.schikaneder.at/programm/maerz/augenweide.php.

Im Austausch wird Augenweide 2007 im Mai Kurzfilme aus Österreich, dem diesjährigen Partnerland, zeigen.

Nähere Infos unter www.viennashorts.com und demnächst im Infomedia-Newsletter.

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Festivaleinladungen für „Wolkenjäger“

Nach einem Web-Streaming im Rahmen des Kurzfilm-Programms „film frei“ des Wiener okto.tv im November und zwei Festival-Screenings im Dezember 2006 in Serbien & Montenegro (Alternative Film/Video, Belgrad; Film Front Festival, Novi Sad), wurde der von der Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein e.V. geförderte Kurzspielfilm „Wolkenjäger“ des Filmemachers Daniel Krönke auf zwei weitere Festivals eingeladen:

- 17.-18.3. Underfilm Festival (VYSNĚNÁ ZEM), Prag, Tschechische Republik
- 18.4.-22.4.07 Independent Days, Karlsruhe

Als Vorfilm zur beim Sundance Festival preisgekrönten Musiker-Biographie „The Devil and Daniel Johnston“ von Jeff Feuerzeig (USA, 2005) wird „Wolkenjäger“ am

- 29.3. im Lichtmess Kino in Hamburg und am
- 26.4. im Kommunalen Kino in Kiel

zu sehen sein. Der amerikanische Songwriter Daniel Johnston hat für den Soundtrack von „Wolkenjäger“ seinen Song „Scream Dream“ freigegeben.

(nach einer Pressemitteilung von EXPOSED-Film)

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NoBudgetNacht in Flensburg

Am 12. und 13. April startet in Flensburg die zweite NoBudgetNacht, ein internationales Festival für NoBudget-Produktionen.

An beiden Abenden kann man im Kino „51 Stufen“ wieder Innovatives sehen, Filmemacher treffen oder sich einfach nur an vielfältiger Kleinkust erfreuen. Neben einem Themenschwerpunkt auf Dokumentationen, zeigt das Rahmenprogramm viele Animationen und Kurioses. Am 13. April läuft dann der Wettbewerb, in dem das Publikum den besten Film küren wird.

Bis Anfang April nehmen wir noch Filmbeiträge an. Teilnehmen kann jeder NoBudget-Kurzfilm bis 20 Minuten. Die Teilnahmebedingungen und alle weiteren Informationen gibt es auf www.nobudgetnacht.de oder bei jonas@nobudgetnacht.de.

Außerdem bekommen Filmemacher Freikarten und die Chance sich mit vielen anderen in Flensburg zu treffen.

An beiden Abenden laufen Aftershowparties und eine Kunstaustellung im „Kaffeehaus“.

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KUNSTGRIFF Rolle 2007 – Ausschreibung

Der KUNSTGRIFF und die KUNSTGRIFF Rolle (gefördert von der Kulturellen Filmförderung S.-H.) jähren sich zum fünften Mal und wir freuen uns auf Ihre aktuellen Einreichungen.

Am 2. September 2007 findet in Heide/Holstein zwischen Hamburg und Sylt das 5. Dithmarscher Kurzfilmfest KUNSTGRIFF Rolle statt. Das Filmfest ist gleichzeitig die offizielle Abschlussveranstaltung des Dithmarscher Kulturprojektes KUNSTGRIFF, in dem sich zwei Wochen lang Künstlerinnen und Künstler verschiedenster Sparten präsentieren.

Im Rahmen des Filmfests werden ein jeweils mit 200 EUR dotierter Nachwuchspreis und drei Publikumspreise (200 EUR, 100 EUR, 50 EUR) vergeben. Präsentiert wird das Fest von der YUCCA Filmproduktion Heide, dem FilmClub Heide e.V. und dem Kreis Dithmarschen. Gezeigt wird eine attraktive Auswahl aktueller Kurzfilmproduktionen. Der unverwechselbare Charakter des Festivals besteht in der außergewöhnlichen Mischung hochprofessioneller Filmkunst, mutiger Filmhochschularbeiten und unkonventioneller Schülerfilme. Ob Animationen, Spielfilme oder Kurzdokumentationen, Komödien, Satiren oder Nachdenkliches, alle Genres sind erlaubt und gewollt.

Ab sofort können Kurzfilmproduktionen aller Genres bis zu einer Länge von maximal 20 Minuten zur Sichtung eingereicht werden. Wir freuen uns insbesondere auch über die Einreichungen von jungen Filmemachern oder Erstlingswerken.

Anmeldeschluss ist der 31. Mai 2007.

Teilnehmen können Produktionen mit Vorführkopien in den Formaten 35 mm, DVD oder Mini DV. Der formlosen Anmeldung müssen folgende Unterlagen beigefügt sein:

- VHS oder DVD Sichtungskopie
- Kurzbio-, Filmografie
- Inhaltsangabe in 2 Sätzen
- 1 Standfoto
- technische Angaben zur Vorführkopie

Anmeldungen bitte an YUCCA Filmproduktion, Martina Fluck, Österweide 21, 25746 Heide, Tel.: 0160-4392130.

Das Dithmarscher Kulturprojekt KUNSTGRIFF im Internet: www.kunstgriff-dithmarschen.de.

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Neue Preise und Sponsoren beim Internationalen KurzFilmFestival Hamburg

Die Festivalleitung freut sich, 2 neue Preise beim 23. Internationalen KurzFilmFestival Hamburg ankündigen zu können, und bedankt sich bei Partnern und Sponsoren. Mit Hilfe der neuen Preise kann das Festival noch effektiver Filmemacherinnen und Filmemacher unterstützen.

Der MUSIK im KURZFILM-Preis der GEMA-Stiftung präsentiert von RockCity Hamburg e.V.

RockCity initiiert einen Preis für Komponisten und Textdichter im Bereich bester Soundtrack national und bester Soundtrack international beim Internationalen KurzFilmFestival Hamburg. Dieser wird von der GEMA-Stiftung finanziert und unter dem Titel „MUSIK im KURZFILM-Preis“ erstmals auf dem 23. Internationalen KurzFilmFestival Hamburg verliehen. Die Preisgelder betragen in beiden Teilkategorien je 2.000 Euro. Prämiert werden soll jeweils der Urheber, dessen Komposition/Textdichtung bei der GEMA bzw. bei einer ihrer Schwestergesellschaften registriert ist und im Kurzfilm kongenial zur Bildebene eingesetzt wurde.

Der Pilsner Urquell-Innovationspreis (Jurypreis deutscher Wettbewerb)

Bisher wurde im deutschen Wettbewerb nur ein Publikumspreis vergeben. Dank unseres neuen Sponsoren Pilsner Urquell kann der deutsche Wettbewerb, wie in den anderen Wettbewerbskategorien bereits üblich, nun ebenfalls mit einem Jurypreis aufwarten. Prämiert wird der innovativste Film im deutschen Wettbewerb. Das Preisgeld beträgt 2.000 Euro. Christiane Braun, Marketing Director Pilsner Urquell: „Auch der deutsche Wettbewerb des Internationalen KurzFilmFestivals Hamburg hat einen Jurypreis verdient. Pilsner Urquell freut sich, Innovation im deutschen Kino unterstützen zu können.“

Neuer Sponsor für den Publikumspreis des deutschen Wettbewerbs

Und noch ein neuer Sponsor konnte gewonnen werden. Natural American Spirit® wird zukünftig den Publikumspreis im deutschen Wettbewerb stiften. Jan Thießen Marketing Manager Santa Fe Natural Tobacco Company, Europe GmbH: „Natural American Spirit® ist stolz, das 23. IKFF Hamburg in diesem Jahr als Stifter des Publikumspreises des deutschen Wettbewerbes zu unterstützen. Gerade als Hamburger Unternehmen ist es uns wichtig, die Kulturlandschaft in unserer Stadt zu fördern.“

Wir sagen schon mal danke im Namen der Gewinnerfilme! Weitere Informationen zum 23. Internationalen KurzFilmFestival Hamburg finden sich unter www.shortfilm.com.

(nach einer Pressemitteilung des IKFF Hamburg)

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Ein guter Heimatfilm ist drei Minuten lang

Der Einsendeschluss des Wettbewerbs „Der flotte Dreier“ im Rahmen des 23. Internationalen KurzFilmFestivals Hamburg (6. bis 11. Juni 2007) ist der 1. April.

„Keine Heimat“ sang die Gruppe Ideal in den 80ern. Der Song war ca. drei Minuten lang und hat nicht alles zu dem Thema endgültig und ausführlich gesagt. Er hat jedoch deutlich gemacht, dass es auch andere künstlerische Annäherungen an das Thema gibt als den großen Wurf von Edgar Reitz, der mit ca. 48 Stunden zu Buche schlägt. Das Thema Heimat ist, wenn man will, sehr deutsch und noch längst nicht zu Ende diskutiert. Es changiert irgendwo zwischen Gemütlichkeit und dumpfem Patriotismus. Für den „Flotten Dreier“, unseren Wettbewerb für Filme zu einem gegebenen Thema, die die Drei-Minuten-Grenze nicht überschreiten, hat das Festivalteam dieses Jahr ein Thema ausgesucht, dass je nach Einschätzung als heikel bis unzeitgemäß gilt: „Heimat“.

Ganz verschweigen, wie es zu diesem Thema gekommen ist, wollen wir nicht. Bei der finalen Abstimmung des Festival-Teams wurden die beiden Themenvorschläge mit den meisten Stimmen auf die beiden Seiten einer Käsescheibe geschrieben und diese als Münzersatz von Kapitän Jürgen Kittel in die Luft geworfen. Der Kommentar eines mit dem Thema unzufriedenen Mitarbeiters, „Heimat ist doch Käse“, traf die Sache also ganz gut und könnte schon mal eine Hilfestellung für diejenigen sein, die nicht wissen, was für sie Heimat ist.

Ein größerer Haufen Heimat hat sich schon bei uns angesammelt. Noch bis zum 1. April 2007 ist es noch möglich einzureichen.

Infos unter: www.shortfilm.com und www.myspace.com/hamburgshortfilmfestival.

(nach einer Pressemitteilung des IKFF Hamburg)

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Festival „sehsüchte“:
Der Produzentenpreis 2007 wartet mit Glanzlichtern auf

  Der Produzentenpreis des 36. Internationalen Studentenfilm-Festivals „sehsüchte“ ist einmalig für ein studentisches Festival und in diesem Jahr höher dotiert als je zuvor: „das werk NOVALIS“ stellt dem Gewinner Sachleistungen für die Postproduktion im Wert von 15.000 EUR zur Verfügung. Studentische Produzenten können sich noch bis zum 16. März mit ihren deutschsprachigen Produktionen bewerben, die Einreichfrist wurde verlängert.

 Dieser Preis, der im Rahmen eines eigenständigen Wettbewerbs verliehen wird, würdigt die Möglichkeiten von Filmen mit kleinen Budgets bei besonderer Leistung des Produzenten. Dabei wird nicht nur die künstlerische Qualität des Films, sondern auch die kreative und effiziente Umsetzung eines geringen Budgets ausgezeichnet.

Die Auswahl des Gewinnerfilms liegt in den Händen einer fünfköpfigen Jury, die fest in der deutschen Produktionslandschaft etabliert ist:   Judith Ruster, PanEuropeanPictures;   Anne Hoever, Gewinnerin des sehsüchte-Produzentenpreises 2006 für „Richtung Leben (Life – This Way)“;   Katharina Jakobs, Gewinnerin des sehsüchte-Produzentenpreises 2006 für „Richtung Leben (Life – This Way)“;   Karsten Aurich, Geschäftsführer Sabotage Film;   Stefan Kloos, geschäftsführender Gesellschafter Kloos & Co. Medien GmbH;

   Alle Termine auf einen Blick

  - 16.3.2007: Einsendeschluss für den Produzentenpreis  und den „pitch! Ideenwettbewerb  “
- 24. bis 29.4.2007: sehsüchte 36. Internationales Studentenfilmfestival  

Die Anmeldung der Einreichungen funktioniert ganz einfach über ein Online-Formular.  

Festivalkino:  Thalia-Kinos , Rudolf-Breitscheid-Str. 50,  14482 Potsdam-Babelsberg .

Besuchen Sie auch unsere Website www.sehsuechte.de. Dort finden Sie neben allen Informationen zum Festivalprogramm, den Preisen und Jurys das sehsüchte-Archiv sowie Serviceinformationen und Bildmaterial.

    „sehsüchte“ bedankt sich bei seinen Medienpartnern, dem rbb Fernsehen, dem Radiosender Radio Eins, dem Berliner Stadtmagazin zitty, der überregionalen Tageszeitung taz, die tageszeitung, der lokalen Tageszeitung Potsdamer Neueste Nachrichten (PNN), der Filmzeitschrift epd Film und der Fachzeitschrift filmecho.

(nach einer Pressemitteilung von „sehsüchte“)

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20 Jahre European Media Art Festival (EMAF)

Das EMAF feiert 2007 sein 20-jähriges Jubiläum. Während der fünf Festivaltage vom 25. bis 29. April 2007 wird das Festival wieder Treffpunkt für Publikum und Gäste aus dem In- und Ausland sein. Rund 200 neue Medienkunstarbeiten, darunter einige Welt- und Uraufführungen, werden präsentiert. Das Festival zeigt Film als zeitgenössisches Kunstwerk für Kinos, in Ausstellungen und performativen Veranstaltungen.

Länderschwerpunkte im Filmprogramm werden dieses Jahr Mexiko und Kuba sein. So wird beispielsweise die kubanische Kuratorin Elvira Rosa Castro Martin eine Auswahl von aktuellen Arbeiten kubanischer Videokünstlern präsentieren. Auf dem Festival werden drei Preise vergeben: der „EMAF-Award“ für eine richtungsweisende Arbeit der Medienkunst, der „Dialogpreis“ des Auswärtigen Amtes zur Förderung des interkulturellen Austausches und der „Preis der deutschen Filmkritik“ für den besten deutschen Experimentalfilm.

In seiner Ausstellung „Final Cut – Medienkunst und Kino“ lenkt das EMAF die Sicht auf die Beziehung zwischen Medienkunst und Kino. Vom 25. April bis 20. Mai 2007 wird in der Kunsthalle Dominikanerkirche in Osnabrück ein künstlerischer Blick auf die Traummaschine Kino zu sehen sein. Hier zeigen internationale Künstlerinnen und Künstler ihre Faszination für das Kino, hinterfragen aber auch die Werte, Codes und Muster der Filme. Es werden Werke von Paul McCarthy, Alex Mc Quilkin, Mischa Kuball, Klaus von Bruch, Candice Breitz, Mark Lewis, Christoph Girardet, Bjørn Melhus, Peter Tscherkassky, Christoph Draeger, Clemens von Wedemeyer und vielen weiteren international bekannten Künstlerinnen und Künstlern präsentiert. Sie beschäftigen sich mit den medienspezifischen, politischen, sozialen und psychologischen Aspekten des Kinos.

Als weiteres Highlight des Festivals ist eine YouTube Party geplant. In Lounge Atmosphäre werden ausgewählte Filme, Clips und andere Videos präsentiert – ein Programm von und mit Bjørn Melhus und weiteren mitwirkenden Künstlern. Auch das Publikum ist eingeladen, seine Lieblingsfilme vorzuschlagen.

Als besonderer Gast wird der ZKM-Leiter Prof. Peter Weibel einen persönlichen Rückblick auf 20 Jahre Medienkunst geben, denn seit Beginn zählt das EMAF zu den bedeutendsten Foren der Medienkunst. Auch Lynn Hershman (USA) und die Professorin Birgit Hein von der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig sowie Mischa Kuball, der einen Abend Jean Luc Godard widmet, sind zum 20-jährigen Jubiläum eingeladen. Auf dem Programm des Kongresses stehen außerdem zahlreiche Vorträge aus den verschiedenen Bereichen des Festivals sowie Workshops und Künstlerpräsentationen.

Teil des Medienkunstfestivals ist auch wieder das International Student Forum, das sich als Kontakt- und Medienbörse für neue Vorhaben, Tendenzen und Ausbildungskonzepte aus den Medienuniversitäten, Kunstakademien und Designhochschulen etabliert hat. Ausführlich wird sich die Hochschule für Gestaltung aus Karlsruhe sowie die niederländische Akademie Minerva aus Groningen vorstellen. Auch gibt es eine Ausstellung der besten studentischen Arbeiten.

Weitere Informationen finden Sie unter www.emaf.de.

Förderer des EMAF: nordmedia - Die Mediengesellschaft Niedersachsen/Bremen mbH, Stadt Osnabrück, Kulturstiftung des Bundes, Bundesministerium für Bildung und Forschung, Auswärtiges Amt, Botschaft Kanada, EU-Kommission - MEDIA Programm und Zuschüsse weiterer Förderer.

Medienpartner des EMAF: arte, nordwestradio.

Kulturpartner des EMAF: NDR-Kultur.

(nach einer Pressemitteilung des European Media Art Festivals)

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2. NoBudget Video+Filmfestival Heilbronn / Weimar

WIR wollen DEINE Filme!

WIR = ein Festival für unabhängige Filmemacher von überall. Das Motto GELD SPIELT KEINE ROLLE ist die Kurzfassung unserer Idee von guten Filmen, es zaehlen Kreativität und Eigenheit!

DU = Filmemacher narrativer und fiktionaler Filme, unabhängig in Geist und Ausdruck, der seine Ideen mit einem begeisterungsfähigen Publikum teilen will.

NEU = wir haben schon mit öffentlichen Vorauswahl-Veranstaltungen in Heilbronn begonnen, und setzen diese bis Mai fort. Die Programme werden jetzt in noch mehr europäischen Städten gezeigt. Studenten aus Mitteldeutschland können sich gleichzeitig auch für Unicato, das Studentische Filmmagazin im MDR, bewerben ... und vieles mehr ...

Schnell sein und Film einschicken! Natürlich gibt es keine Einreichgebühren! Das Einreichformular und weitere Infos gibt’s unter www.filmsharing.eu.

Deadline für Einreichungen: 1. Mai 2007.

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Festivalkalender 2007

Istanbul, Türkei: 31. März bis 15. April 2007. Int. Filmfestival Istanbul. Wettbewerb für abendfüllende Spielfilme. Tel.: 0090212-3340723, Fax: 0090212-3340703, film.fest@istfest-tr.org, www.istfest.org.

Lecce, Italien: April 2007. Lecce Film Festival. Wettbewerb für Spielfilme, außerdem Preise für Drehbuch, Bildgestaltung, Schauspieler. Tel.: 00390832-252344, Fax: 00390832-279963, artpromo@inwind.it, www.europecinefestival.org.

Buenos Aires, Argentinien: 3. bis 15. April 2007. Festival Int. de Cine Independiente. Wettbewerb für kurze und lange Spielfilme in 16 und 35mm; Kurzfilme bis zu einer Länge von max. 30 Minuten. baficiprogramacion@buenosaires.gov.ar, www.buenosaires.gov.ar/filmfest.

Rostock: 13. bis 15. April 2007. FiSH 07 – Festival im StadtHafen, bundes/jugend/film/festival Junger Film. Veranstalter: Bundesverband Deutscher Film-Autoren e.V. (www.bdfa.de), Ausrichter: institut für neue medien gGmbH, Rostock (www.ifnm.de). Filme (produziert nach dem 1. Januar 2005) von Jugendlichen bis zur Vollendung des 27. Lebensjahrs, Thema und Genre frei, Länge max. 30 Min. Tel.: 0381-20354712, E-Mail: fish@ifnm.de, www.ifnm.de/fish.

Dortmund: 17. bis 22. April 2007. Int. Frauenfilmfestival Dortmund (vormals: femme totale). Thema: Musik. Wettbewerb für internationale Spielfilme (Preisgeld für Regisseurinnen in Höhe von 25.000 EUR) sowie nationaler Wettbewerb für Bildgestalterinnen (Preisgeld in Höhe von 5.000 EUR). Tel.: 0231-5025480, Fax: 0231-5025734, goetz@frauenfilmfestival.eu, www.frauenfilmfestival.eu.

Berlin: 18. bis 22. April 2007. achtung berlin - new berlin film award. Wettbewerb „Made in Berlin-Brandenburg“ für Spiel- und Dokumentarfilme, die in der Region Berlin-Brandenburg oder von Regisseuren aus dieser Region produziert wurden oder die sich thematisch mit der Region befassen. Teilnahmebedingungen und Anmeldeformulare unter www.achtungberlin.de.

Potsdam-Babelsberg: 24. bis 29. April 2007. 36. Internationales Studentenfilmfestival sehsüchte. Neben den Vorführungen gibt es ein umfangreiches Rahmenprogramm mit Drehbuchlesungen, Diskussionsforen, Workshops und natürlich Partys. Im Spezialprogramm des Fokus werden dieses Jahr Filme aus der Andenregion vorgestellt. Als interkulturelles Forum des jungen, internationalen Films bietet sehsüchte Gelegenheit, sich mit anderen Filmbegeisterten auszutauschen und Kontakte in der Branche zu knüpfen. Infos und Filmanmeldung unter www.sehsuechte.de.

Osnabrück: 25. bis 29. April 2007. 20. European Media Art Festival (EMAF). Lohstraße 45 A, 49074 Osnabrück,  Tel.: 0541-21658   Fax: 0541-28327, E-Mail: info@emaf.de, www.emaf.de.

Stuttgart: 26. April bis 1. Mai 2007. 14. Internationales Trickfilm-Festival Stuttgart. Sektionen: Internationaler Wettbewerb, Young Animation (Studentenfilm-Wettbewerb), Tricks for Kids (Kinderfilm-Wettbewerb), Animated Series (TV Serien-Wettbewerb), AniMovie (Langfilm-Wettbewerb), Auftragsfilme (Werbespots, Musikvideos, Lehrfilme, TV Trailer). Weiterhin Sektion GNERATION FLASH. Reglement und Anmeldeformular unter www.itfs.de/anmeldung.htm. www.itfs.de.

Schwerin: Mai 2007. FilmKunstFest Schwerin. Spiel- und Kurzfilm-Wettbewerb mit Produktionen aus Deutschland, Österreich und der Schweiz. Tel.: 0385-5811363, Fax: 0385-5811365, info@filmkunstfest-schwerin.de, www.filmkunstfest-schwerin.de.

München: 2. bis 11. Mai 2007. 22. Internationales Dokumentarfilmfestival München (DOK.FEST). Zugelassen sind Produktionen die nach dem 1. Januar 2006 abgeschlossen wurden. Reglement und Anmeldeformular online und als PDF zum Herunterladen unter www.dokfest-muenchen.de/film_submit.php. Programm: Internationaler Wettbewerb, internationales Programm, Reihe Horizonte mit Filmen aus Entwicklungs- und Schwellenländern, neue Filme aus Bayern, Retrospektive, Sonderprogramme. Preise: Dokumentarfilmpreis des Bayerischen Rundfunks und der Telepool (10.000 EUR), Preis für den besonderen Dokumentarfilm (2.500 EUR), Preis Horizonte (3.000 EUR), Förderpreis Dokumentarfilm des Filmfernsehfonds Bayern (5.000 EUR). Tel.: 089-51399788, Fax: 089-51563936, info@dokfest-muenchen.de, www.dokfest-muenchen.de.

Oberhausen: 3. bis 8. Mai 2007. Int. Kurzfilmtage Oberhausen. Int. Wettbewerb, deutscher Wettbewerb und Kinderkurzfilm-Wettbewerb. Filme und Videos von max. 35 Min. Länge (für deutsches Programml bis 45 Min.); neue Formate: DV, DVCAM (PAL oder NTSC); dotierte Preise, MuVi-Preis für das beste deutsche Musikvideo. Tel.: 0208-8252652, Fax: 0208-8255413, info@kurzfilmtage.de, www.kurzfilmtage.de.

Großhennersdorf: 9. bis 13. Mai 2007. Neisse Filmfestival. Spielfilmwettbewerb mit neuen Filmen aus Polen, Tschechien und Deutschland. Tel.: 035873-361320, Fax: 035873-30921, info@neissefilmfestival.de, www.neissefilmfestival.de.

Kiel: 11. bis 13. Mai 2007. 11. Filmfest Schleswig-Holstein Augenweide. Das Festival teilt sich in zwei Kategorien: Augenweide zeigt Produktionen mit Schleswig-Holstein-Bezug: Kurzspielfilme, Experimentelles und Animationen bis 30 Minuten und Dokumentarisches ohne Längenbegrenzung. Filmdock ist das Forum für den kürzeren internationalen Dokumentarfilm bis 30 Minuten. Kulturelle Filmförderung S.-H., Haßstr. 22, 24103 Kiel, Tel.: 0431-551439, Fax: 0431-51642, FilmwerkstattSH@t-online.de. www.filmfest-sh.de.

Freiburg: 15. bis 20. Mai 2007. Freiburger Filmforum. Kein Wettbewerb. Tel.: 0761-709594, Fax: 0761-706921, fifo@freiburger-medienforum.de, www.freiburger-medienforum.de.

Cannes, Frankreich: 16. bis 27. Mai 2007. Cannes Festival International du Film. Wettbewerb (lange und kurze Spielfilme): Anm. bis März 2007. Sektion „Un Certain Regard“: Anm. bis März 2007. Sektion „Quinzaine des Realisateurs“: Anm. bis Anf. April 2007. Sektion „Semaine de la Critique“: Anm. bis März 2007. Tel.: 00331-53596100, Fax: 00331-53596110, www.festival-cannes.org.

Seattle, USA: 24. Mai bis 17. Juni 2007. Seattle Film Festival. Tel.: 001206-4645890, Fax: 001206-2647919, www.seattlefilm.com.

Rüsselsheim: 1. bis 2. Juni 2007. Satirischer Kurzfilmtag. Wettbewerb für Kurzfilme (dotierte Preise). Cinema Concetta Förderverein, Tel./Fax: 06142-61160, www.cinema-concetta.de.

Troia, Portugal: 1. bis 10. Juni 2007. Int. Film Festival of Troia. Wettbewerb für Filme aus Ländern, die weniger als 21 Spielfilme pro Jahr produzieren. Weitere Sektionen: Erste Filme, „Mensch und Umwelt“, Amerikanische Independents. Anm. bis 15. März 2007. Tel.: 00351-265525908, Fax: 00351-265525681, festroia@mail.teleweb.pt, www.festroia.pt.

Brooklyn, New York, USA: 1. bis 10. Juni 2007. Brooklyn Int. Film Festival. Wettbewerb für Spiel-, Experimental-, Dokumentar-, Kurz- und Animationsfilme (dotierte Preise). Anm. bis 15. März 2007. Tel.: 00718-4868181 oder 00718-3884306, Fax: 00718-5995039, films@wbff.org, www.wbff.org.

Hamburg: 3. bis 10. Juni 2007. 9. Mo&Friese KinderKurzFilmFestival. Einreichformular unter: www.shortfilm.com/index.php?id=ikffentry. www.shortfilm.com.

Hamburg: 6. bis 11. Juni 2007. 23. Internationales KurzFilmFestival Hamburg. Internationaler Wettbewerb: Jurypreis (3.000 EUR), Francois Ode-Preis (1.500 EUR), Skoda-Publikumspreis (1.500 EUR). Made in Germany: Greenpeace Energy-Preis (Publikumspreis, 1.500 EUR), Jurypreis (2.000 EUR). Made in Hamburg: Hanse Short Jurypreis (1.500 EUR), Hanse Short Publikumspreis (1.500 EUR). Der Flotte Dreier: Wettbewerb für Filme unter drei Minuten, Thema: Heimat, Publikumspreis (1.000 EUR). Mo&Friese Kinderkurzfilm: 2 Preise, einen für Filme für Kinder von 4 bis 8 Jahren, einen für Filme für Kinder ab 9 Jahren (jeweils 1.250 EUR). Weitere Preise werden von ARTE und dem ZDFdokukanal vergeben. Anm. für den Flotten Dreier bis 1. April 2007. Einreichformular unter: www.shortfilm.com/index.php?id=ikffentry. Tel.: 040-3910630, Fax: 040-39106320, festival@shortfilm.com, www.shortfilm.com.

Ludwigshafen: 6. bis 17. Juni 2007. Festival des deutschen Films. Wettbewerb (dotierte Preise). Tel.: 0621-102943, Fax: 0621-291564, www.mannheim-filmfestival.com.

Huesca, Spanien: 7. bis 16. Juni 2007. Huesca Filmfestival. Wettbewerb (dotierte Preise) für Kurzfilme von max. 30 Minuten Länge, 16mm und 35mm. Anm. bis Anf. April 2007. huescafest@tsai.es.

Heilbronn: 8. bis 10. Juni 2007. 2. NoBudget Video+Filmfestival Heilbronn / Weimar. Das film sharing VideoFilmfestival fand im Mai 2006 in Weimar unter dem Motto „Geld spielt keine Rolle“ statt, und wurde von der Fakultät Medien der Bauhaus-Universität veranstaltet. 2007 wird es erstmals in Heilbronn im Rahmen eines subkulturellen Kunst-, Film- und Musikfestivals stattfinden, um dann auf Tour nach Weimar, Magdeburg, London u.a. Städten zu gehen. Damit erhalten Filmemacher, deren Schaffen sich vor allem durch Kreativität und Idealismus auszeichnet, die Möglichkeit, ihre Filme einem breiten Publikum zugänglich zu machen. Anm. bis 1. Mai 2007. www.filmsharing.eu.

Sydney, Australien: 8. bis 24. Juni 2007. Sydney Film Festival. Filme aller Genres und Längen (16, 35 und 70 mm). Tel.: 00612-96603844, Fax: 00612-96928793, info@sydfilm-fest.com.au, www.sydfilm-fest.com.au.

Banff, Kanada: 10. bis 13. Juni 2007. Banff Int. TV-Festival. Wettbewerb (dotierte Preise). Tel.: 0014036-789260, Fax: 0014036-789269, info@banff2007.com, www.banff2007.com.

Annecy, Frankreich: 11. bis 16. Juni 2007. Int. Animationsfilmfestival. Wettbewerb in den Sektionen Spielfilm (kurze und lange Filme), Fernsehfilm und Studentenfilm (35 oder 16mm, Video). Annecy Film Festival über www.german-cinema.de/links. info@annecy.org, www.annecy.org.

Emden: 13. bis 20. Juni 2007. Int. Filmfestival Emden. Wettbewerb (diverse dotierte Preise). Anm. bis 27. März 2007. Tel.: 04921-915333, Fax: 04921-915591, filmfest@vhs-emden.de, www.filmfest-emden.de.

Shanghai, China: 16. bis 24. Juni 2007. Shanghai Int. Film Festival. Anm. bis Mitte April 2007. Tel.: 008621-62537115, Fax: 008621-62552000, siff@public4.sta.net.cn, www.siff.com.

Los Angeles, USA: 21. Juni bis 1. Juli 2007. Los Angeles Film Festival. Tel.: 001310-4321200, Fax: 001310-4321203, www.lafilmfest.com.

Neuschönau: 19. bis 22. Juli 2007. NaturVision – 6. Internationales Natur- und Tierfilmfestival. Wettbewerb für Produktionen, die nach dem 1. Januar 2006 fertig gestellt wurden. Anm. bis 30. April 2007 unter www.natur-vision.de/layout/home.php?ID=11&l=de. NaturVision – Internationales Natur- und Tierfilmfestival, Kaiserstr. 13, 94556 Neuschönau, Tel.: 08558-9739-0, Fax: 08558-9739-26, E-Mail: info@natur-vision.de, www.natur-vision.de.

(Weitere Festivals in der Rubrik „zugeschaut“)

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gefördert – Filmförderungs-News
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Filmförderung Hamburg/Schleswig-Holstein im Werden

Die äußeren Rahmenbedingungen durch die Ratifizierung des gemeinsamen Medienstaatsvertrag der Länder Schleswig-Holstein und Hamburg sind gegeben; ein Änderungsvertrag mit den letzten Verhandlungsergebnissen ist auf dem Weg.

Während die Medienanstalten in Kiel und Hamburg schon unter neuem Logo firmieren sind die Filmförderungen im Prozess der Umgestaltung. Dabei stehen doch noch eine Reihe formaler Schritte an, die abgesprochen werden müssen. Ein vorläufiger Terminplan sieht vor, dass dieser Prozess Mitte April abgeschlossen ist.

Die Eckpunkte der neuen gemeinsamen Förderung sind die schon bekannten; die Filmförderung HH/SH hat ihren Sitz in Hamburg, die Filmwerkstatt bleibt mit all ihren Aufgaben in Kiel und die MSH geht auf in der gemeinsamen Förderung in Hamburg.

Was die praktische Seite der Filmförderung angeht gilt es noch ein wenig abzuwarten bis die Detailgespräche beendet sind. Die Filmförderung Hamburg und die Kulturelle Filmförderung Schleswig-Holstein werden noch jeweils Vergabesitzungen nach den bisherigen Bedingungen durchführen.

Weiteres im nächsten Newsletter bei infomedia-sh. (bgn)

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Wir können auch anders – im Mecklenburg-Vorpommern Film e.V. geht es voran

„Die Hansestadt Wismar freut sich sehr, nun offiziell Mitglied im Film e.V. zu sein“, bekundete Kultursenator Thomas Beyer als Vertreter der Hansestadt Wismar und machte deutlich, dass sich die Hansestadt aktiv an der Neustrukturierung im Landesfilmzentrum beteiligen wird. Dies wurde durch Prof. Jochen Wisotzki bekräftigt, der die Hochschule Wismar vertrat, die wie die Hansestadt Wismar einstimmig in den Verein aufgenommen wurde.

Hoch her ging es Anfang März bei der Mitgliederversammlung des Film e.V., und ein Aufatmen ging dann durch die Reihen der zahlreich erschienen Mitglieder. „Wir können auch anders, schauen nun wieder ganz nach vorn und nutzen die Chance des Neuanfangs um unsere Stärke wieder deutlich herauszustellen“ sagte der Vorsitzende Jens Scherer, „denn unser Verband repräsentiert die Filmemacher und Medienleute im Land“.

Dem war eine heftig geführte Diskussion vorangegangen, in einer schonungslosen Analyse wurden Fehler der Vergangenheit benannt, wurde sehr deutlich, dass die Hoffnungen, die man in die Idee eines Landesfilmzentrums gesetzt hatte, nicht verwirklicht werden konnten. Bei aller kritischen Bestandsaufnahme, konnten auch die großen Erfolge klar benannt werden, um die sich der Verein verdient gemacht hat: die Kulturelle Filmförderung und als langjähriger Träger des wichtigsten filmkulturellen Ereignisses im Land, das Filmkunstfest Schwerin.

Der überfällige Generationenwechsel konnte in Gang gesetzt werden, die Jungen ergriffen unverzüglich die Initiative und gründeten das Forum Junger Film M-V. Das erste Treffen fand bereits am 7. März in Wismar statt.

Weitere Infos unter www.film-mv.de.

(nach einer Pressemitteilung des Landesfilmzentrums MVP)

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MEDIA Desk Verleihförderung wird reine Subvention

Die zuständige EU-Kommission hat erstmalig im Rahmen von MEDIA 2007 die Richtlinien und Antragsformulare für die beiden Verleihförderlinien für europäische Kinofilme veröffentlicht. Der Aufruf 04/07, selektive Verleihförderung, richtet sich an europäische Verleihunternehmen, die sich zu einer Gruppe von mindestens fünf Firmen zusammenschließen, um einen nicht-nationalen europäischen Film herauszubringen. Pro Firma kann eine nicht-rückzahlbare Unterstützung von maximal 150.000 Euro vergeben werden. Aufgrund der späten Verabschiedung des Aufrufs werden für die erste Frist auch Filme akzeptiert, deren Starttermin nicht wie bisher frühestens am Tag des Einreichtermins liegt, sondern ausnahmsweise schon ab dem 15. März im Kino laufen.

Einreichtermine sind der 16. April, 30. Juni und 1. Dezember 2007.

Die automatische Verleihförderung, die unter dem Aufruf 05/07 veröffentlicht wurde, unterstützt einzelne Verleihfirmen mit einer Referenzförderung, die auf der Grundlage der verkauften Tickets eines nicht-nationalen europäischen Films ermittelt wird. Die Fördersumme muss in neue Verleihprojekte reinvestiert werden, wobei drei Module zur Auswahl stehen: Koproduktion, Minimum-Garantie oder Verleihkosten.

Der Einreichtermin für die Zahlen ist der 30. April 2007, die Reinvestitionsprojekte müssen bis Oktober 2008 vorgelegt werden.

Sämtliche Unterlagen finden Sie auf unserer Webpage unter: www.mediadesk.de. Bei Rückfragen oder für Unterstützung bei der Antragsstellung wenden Sie sich bitte an MEDIA Desk (Tel.: 040-3906585, E-Mail: info@mediadesk.de).

(nach einer Pressemitteileilung von MEDIA Desk)

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Büro der SchulKinoWoche weiterhin besetzt

Nach der erfolgreichen SchulKinoWoche Schleswig-Holstein 2006 wird das Projektbüro in Schleswig-Holstein bis zum Beginn der nächsten SchulKinoWoche 2007 (voraussichtlicher Termin: 26. bis 30. November 2007) eingeschränkt weitergeführt.

Lehrkräfte finden hier Unterstützung bei Fragen rund um die Arbeit mit dem Medium Film im Unterricht:
- Beratung bei der Auswahl von geeigneten Filmen
- Organisation einer Filmveranstaltung im Kino vor Ort
- Vermittlung von film- und medienpädagogischen Referenten im Rahmen des Schulunterrichts

Das Projektbüro in den Räumen des Offenen Kanals Kiel (Hamburger Chaussee 36, 24114 Kiel) erreichen Sie dienstags von 12 bis 16 Uhr unter Tel.: 0431-64004571, Fax: 0431-6400444, E-Mail: schleswig-holstein@schulkinowochen.de, Web: www.schulkinowoche.lernnetz.de.

Projektpartner der SchulKinoWoche Schleswig-Holstein sind VISION KINO – Netzwerk für Film- und Medienkompetenz, die Medienanstalt Hamburg/Schleswig-Holstein (MA HSH) sowie der Offene Kanal Schleswig-Holstein.

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preisverdächtig – Film- und Medienwettbewerbe
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„Medienpreis Schleswig-Holstein“ zum dritten Mal verliehen

Die Dr. Hans Hoch Stiftung (HHS), Neumünster, und die Unabhängige Landesanstalt für Rundfunk und neue Medien (ULR), Kiel, haben am 28. Februar in Neumünster zum dritten Mal den „Medienpreis Schleswig-Holstein“ verliehen. Mit ihm zeichnen HHS und ULR im Rahmen ihres gleichnamigen Projekts, das sich an Jugendliche und junge Erwachsene bis 25 Jahre richtet, alljährlich Multimediaproduktionen und Videos bis zu fünf Minuten Länge aus. Die ausgelobten Preise bieten jungen Menschen einen besonderen Anreiz, um audiovisuelle Werke zu gestalten und zu produzieren, dabei insbesondere die neuen Möglichkeiten der elektronischen Medien kreativ einzusetzen und auf diese Weise Medienkompetenz zu erwerben. Deshalb gehören zu dem Projekt auch Workshopangebote.

Die sechs prämierten Beiträge vermittelten den mehr als 400 Gästen bei der Preisverleihung im Theater in der Stadthalle Neumünster einen Eindruck von der Kreativität und dem Können der Wettbewerbsteilnehmer. Die Siegerbeiträge hatte eine sachverständige Jury aus rund 40 eingereichten Multimediaproduktionen ausgewählt.

Im Wettbewerb wurden in zwei Kategorien Preise vergeben:

- Der „Dr. Hans Hoch – Preis für Medienkunst“ zeichnet gestalterisch herausragende Multimediakurzbeiträge aus.
- Der „ULRich – Medienkunst-Förderpreis“ prämiert Arbeiten von Schülerinnen und Schülern, Studierenden und Auszubildenden.

Der mit 2.000 EUR dotierte 1. Preis des „Dr. Hans Hoch – Preis für Medienkunst“ ging an Andreas Illiger für den Entwurf der Internetseite „Bionade“. Den 2. Preis und 1.000 EUR erhielt Fabian Gießler, der mit dem Kurzfilm „Tyttönen“ ins Rennen gegangen war. Über den 3. Preis und 500 EUR für ihren Werbespot „Cleverphone“ freuten sich Jessica Buchmeyer und Kristiina Thiel.

Den mit 600 EUR dotierten 1. Preis des „ULRich – Medienkunst-Förderpreis“ gewannen Maxi Intrau, Niklas Juhl, Lennart Mumm, Dennis Petersen und Lukas Zielinski für ihren Kurzfilm „Öko Fresh“. Den 2. Preis und 200 EUR erhielt die „Wegbeschreibung“ von Fides Brückner, Julia Bundel, Katharina Kahlke, Sophie Meyer-Ohlendorf und Dora Obertreis. Alle Gewinner des 1. und 2. Preises des „ULRich“ sind Schüler der Meldorfer Gelehrtenschule. Mit dem 3. Preis und 100 EUR wurde der „Kalorienrap“ prämiert, den Tamara Clausen, Kyra Dobke, Saskia Erichsen, Franziska Fehmann, Anja Geppert, Jessy Grönke, Julia Hügel, Eva Merkens, Ronja Nabert, Vanessa Staak, Rihannon Winkler und Kornelia Winter im Rahmen eines Projekts des Vereins Zimtzicke e.V. in Schleswig produziert hatten.

Günter Humpe-Waßmuth, Kulturdezernent der Stadt Neumünster, freute sich über die gute und konstruktive Zusammenarbeit von HHS und ULR. „Der Medienpreis Schleswig-Holstein ist praktische Förderung des Mediennachwuchses, die in Neumünster von besonderer Bedeutung ist.“ Für den Direktor der ULR, Gernot Schumann, ist der „Medienpreis Schleswig-Holstein“ ein weiterer Beweis dafür, dass sich Kreativität im Medienbereich nicht auf die klassischen Medienstandorte beschränkt. Dieses Potenzial gälte es jedoch, vor allem in der Fläche, auch weiterhin zu unterstützen und zu fördern. Mit Blick auf die am 1.3.2007 erfolgende Zusammenführung der ULR mit der Hamburgischen Anstalt für neue Medien (HAM) zur gemeinsamen Medienanstalt Hamburg / Schleswig-Holstein (MA HSH) setzte sich Schumann für die Fortführung des „Medienpreises Schleswig-Holstein“ durch die MA HSH ein. „Medienkompetenz ist heute eine Schlüsselqualifikation wie Lesen und Schreiben. Beim Medienpreis Schleswig-Holstein erwirbt man sie durch learning by doing“, so Schumann.

Mitglieder der Jury waren Alfons Grundheber-Pilgram, Mitglied des ULR-Medienrats, Thomas van Haag, Medienproduzent, Helga Hein, Mitglied des Kulturbeirats der Dr. Hans Hoch Stiftung, Dr. Volker Matthée, Mitglied des Kulturbeirats der Dr. Hans Hoch Stiftung, und Melanie Pilz, Dipl. Kommunikationsdesignerin.

Weitere Informationen zum „Medienpreis Schleswig-Holstein“ sind unter www.mpsh.de verfügbar. Dort können auch die prämierten Beiträge angesehen werden.

(nach einer Pressemittilung der ULR)

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Montevideo-Videopreis des OKK ging nach Kronshagen

Den Hauptpreis in Höhe von 400 Euro beim Reisevideofest MONTEVIDEO 2007 des Offenen Kanals Kiel holte der Kronshagener Kurt Adolf mit seinem Beitrag „Abschied vom Sommer“, einer nicht unkritischen, aber launigen Betrachtung des Urlaubsrummels auf der Insel Sylt. Damit konnte er sich gegen Renate Johannes (2. Platz für „Vorsaison“) und Jörg Sohst (3. Platz für „Brasilien“), beide Kiel, durchsetzen.

Die Jury, bestehend aus der Vorjahresgewinnerin Heike Fleischhauer, Kameramann Claus Oppermann und TV-Journalist Sascha Grieve, hob die erneut verbesserte Qualität der eingereichten Videos hervor. Gleichzeitig konnten sich die Jury-Mitglieder aber nicht entschließen, den vorgesehenen Preis für das beste Experimentalvideo zu vergeben, da nur eines überhaupt die Endrunde des Wettbewerbs erreicht hatte. „Wir möchten alle Videoaktive aufrufen, den Kopf frei zu machen und mehr mit diesem Medium zu experimentieren“, appellierte Fleischhauer bei der Preisverleihung, die auf Kiel-TV live übertragen wurde.

Insgesamt 25 Beiträge mit fast 8 Stunden Spieldauer waren beim nunmehr 15. MONTEVIDEO-Festival des OKK eingegangen. Dabei war die Entscheidung so knapp, dass sich die Jury entschloss, Edgar Schryen und Christian Onnasch, beide Altenholz, sowie Annika Hofmann aus Fahrdorf eine lobende Erwähnung auszusprechen.

(nach einer Pressemitteilung des OK Kiel)

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1. Kieler Kulturpreis für Schülerinnen und Schüler

Erstmalig verleiht die Landeshauptstadt Kiel den Kulturpreis für Schülerinnen und Schüler. Ausgezeichnet werden damit bedeutende Leistungen und besonderes Engagement von Schülerinnen und Schülern im kulturellen Bereich.

Den mit 1.000 Euro dotierten ersten Preis erhält die Theatergruppe der Käthe-Kollwitz-Schule für ihre szenische Collage „Stell dir vor, es ist Krieg“. Zwei zweite Preise mit je 500 Euro gehen an Schülerinnen und Schüler der Integrierten Gesamtschule Hassee für das Musical „Das Notenbuch des Signor S.“ und an die Freiherr-vom-Stein-Schule für den Film „das pangalaktische sith desean“. Die Preisverleihung findet nach der Präsentation der ausgezeichneten Projekte statt.

Kiels Oberbürgermeisterin Angelika Volquartz verleiht den Kulturpreis für Schülerinnen und Schülern am Sonnabend, 17. März, 17 Uhr im KulturForum der Stadtgalerie.

(nach einer Pressemitteilung der Landeshauptstadt Kiel)

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neuer dreh – Neue Medien und Medienwirtschaft in S.-H.
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Medienanstalt Hamburg / Schleswig-Holstein nimmt ihre Arbeit auf

Die Medienanstalt Hamburg / Schleswig-Holstein (MA HSH), die gemeinsame Medienanstalt der beiden nördlichsten Bundesländer, hat am 1. März 2007 ihre Arbeit aufgenommen. Die MA HSH ist hervorgegangen aus einer Zusammenführung der Hamburgischen Anstalt für neue Medien (HAM), Hamburg, und der Unabhängigen Landesanstalt für Rundfunk und neue Medien (ULR), Kiel, die bis zum 28. Februar 2007 als eigenständige Landesmedienanstalten organisiert waren. Grundlage dieser Fusion ist der seit dem 1. März 2007 geltende Medienstaatsvertrag Hamburg / Schleswig-Holstein, den beide Länder abgeschlossen haben, um den Medienstandort Hamburg / Schleswig-Holstein zu stärken.

Vorsitzender des ehrenamtlichen Übergangsgremiums der MA HSH ist der bisherige Vorsitzende des ULR-Medienrats, Jörg Howe. Kommissarischer Direktor der MA HSH ist der bisherige Direktor der Hamburgischen Anstalt für neue Medien (HAM), Dr. Lothar Jene. Sitz der Anstalt ist Norderstedt. Für eine Übergangszeit wird die MA HSH zunächst von den beiden Dienststellen in Hamburg und Kiel aus operieren.

Die MA HSH versteht sich als Kompetenzzentrum für privaten Rundfunk und Telemedien im Kommunikationsraum Hamburg / Schleswig-Holstein. Als Agentur für Audiovisuelles gestaltet sie die Rahmenbedingungen der elektronischen Medien mit, fördert medienwirtschaftliche Aktivitäten und vertritt die Interessen der Allgemeinheit gegenüber Programmanbietern und Plattformbetreibern. Im Zentrum der Aufgaben und der Arbeit der MA HSH stehen die Zulassung privater Hörfunk- und Fernsehveranstalter, die Mitwirkung beim Umstieg von der analogen auf die digitale Übertragungstechnik, die Förderung des Medienstandorts Hamburg / Schleswig-Holstein, die Beratung der Akteure im Bereich audiovisuelle Medien, die Förderung der Medienkompetenz und die Information von Zuschauern und Nutzern.

Seit dem 1. März 2007 ist auch der neue Internetauftritt der MA HSH online. Unter www.ma-hsh.de gibt es Informationen zu der neuen Medienanstalt MA HSH und zum Privatfunk in Hamburg und Schleswig-Holstein.

Daten der neuen MA HSH:

MA HSH, Anstalt des öffentlichen Rechts
Dienststelle Kiel: Schlossstr. 19, 24103 Kiel, Tel.: 0431-97456-0, Fax: 0431-97456-60
Dienststelle Hamburg: Kleine Johannisstr. 10, 20457 Hamburg, Tel.: 040-369005-0, Fax: 040-369005-55
E-Mail: info@ma-hsh.de, Internet: www.ma-hsh.de.

(nach einer Pressemitteilung der MA HSH)

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Klingende Blicke in den blauen Planeten

Der Mediendom der FH Kiel zeigt „Metavista – eine Klang(t)raumreise“

Viele der Astronauten, die den blauen Planeten Erde inmitten der kühlen Weiten des Kosmos schweben sahen, berichten von einer fast religiösen Rührung: Wie ein zerbrechliches Juwel erschien ihnen das „Spaceship Earth“ – und wie das eigentliche Ziel jeder Erforschung des Universums. Ein Blick „zwischen die Dinge“, ein „Metavista“ bemächtigte sich ihrer und manche wurden darob nach ihrer Raumfahrer-Karriere zu glühenden Umweltaktivisten.

Der Mediendom der Fachhochschule Kiel, die multimediale Fortentwicklung des Planetariums, widmet sich jetzt genau dieser „anderen Perspektive“. Statt des Blicks in universale Weiten, der in der neuen Produktion „Metavista – eine Klang(t)raumreise“ mit atemberaubend animierten Aufnahmen des Hubble Space Teleskops nebst Tiefsee-Szenerien auch vorkommt, versetzen uns die Medien-Ingenieure Bastian Barton und Petra Mohr in ganz irdische Traumlandschaften: 360-Grad-Fotos der Kieler Bildagentur AllSky.de (ein Startup ehemaliger FH-Studenten) vom deutschen Wald bis zum nordamerikanischen Wüstenpanorama projizieren sie als computer-animierte Dia-Show an die Kuppel des Mediendoms. So weit, so faszinierende Rundum-Blicke in die Natur-Sphären des blauen Planeten. Eine „Klang(t)raumreise“ wird daraus mit der „Film“-Musik des Komponisten und Gitarristen Jens Fischer. „Eine schönere Bühne als Landschaft gibt es nicht“, schwärmt der Hamburger, der sich mit Musiken für Filme, TV-Serien und -Dokus einen Namen gemacht hat. So konzentriert der Blick in den „Kosmos blauer Planet“ ist, so einfache und doch kreativ komplexe musikalische Mittel wählte Fischer für die Vertonung der Bilder, die man ebenso als bebilderte Musik hören kann. Eine live-akustische Gitarre ergänzt um einen Loop-Sampler genügt ihm für wahre Klangräusche, inspiriert sowohl vom Trance der Elektroniker wie von der Minimal Music.

Seit August 2006 „schrauben“ Fischer und Barton an „Metavista“, jenem Blick, der synästhetisch wie sinfonisch das Ohr zum Auge macht und umgekehrt. Ein „Universum an Möglichkeiten“ tat sich ihnen dabei zunächst auf. Modus laborandi war daher „die Beschränkung, durch die man auf den Punkt kommt“. Dennoch wirken schon die Shortcuts aus der berauschenden Show, die Barton und Fischer der Presse vorführen, wie eine Sinfonie der Blicke, 360 Grad nicht nur im Bild, auch im Klang, denn Fischer installiert seine Loop-Patterns quadrofonisch. Dolby Surround war gestern, „Metavista“ ist heute. Nicht nur was die Bildverarbeitung betrifft, an der Bartons sechs Rechner öfter mal eine halbe Woche „gerendert“ haben, auch klanglich werden hier ganz neue Welten entdeckt.

Dass das mitten in einem ganz gewöhnlichen Wald geschieht, der majestätisch wie sonst nur die Sterne über dem Hör-Auge des Betrachters kreist, dass von dessen Ästen im Jahreszeitraffer plötzlich die Blätter mitten ins betrachtende Ich fallen, lässt jene Faszination nachempfinden, von der die Astronauten sprachen. Eine „Sicht zwischen die Welt“, die zudem an keinen Geringeren als Kant denken lässt: „Den gestirnten Himmel über mir und das moralische Gesetz in mir“ bestaunte der Philosph seinerzeit als Quell aller Erkenntnis. Im Mediendom sitzen wir voller Rührung und erkennen – nein, sehen und hören, also fühlen, was er meinte. (jm)

Aufführungen am 15., 22. und 29. März, jeweils 19.30 Uhr im Mediendom der FH Kiel (Sokratesplatz 6, Kiel-Dietrichsdorf). Infos im Internet: www.metavista-music.de und www.mediendom.de.

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auf die plätze, vorhang auf! – Kino-News
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Highlights im Kieler Hansafilmpalast

Der Hansafilmpalast (Kiel, Hansastr. 48) zeigt im März und April (jeweils 20.30 Uhr):

Di, 20.3.:
Evita (USA 1996)
Das Musical „Evita“ erzählt die Geschichte der argentinischen Präsidentengattin Eva Peron (1919-1952). Die charismatische Evita in einer ihrer besten Rollen: Madonna) schafft den Aufstieg aus kleinen Verhältnissen und strebt über ihre Heirat mit dem General Juan Peron auch nach politischer Macht. Ihr moralischer Gegenspieler ist Che Guevara (Antonio Banderas). Alan Parker verfilmte das populäre Musical von Andrew Lloyd Webber und Tim Rice. „Don’t cry for me, Argentina”, beide-Arme-hoch-Pose ... herrlich.

Mi, 21.3. Jazz im Film:
Round Midnight (FR/USA 1986)
Saxofonist Dexter Gordon leiht seinen Atem der Figur des alternden Jazz-Musikers Turner, dem ein Bewunderer noch mal ein Comeback bescheren will. Liebeserklärung an den Jazz und die Pariser Clubszene der 50er. Zum Oscar-prämierten Soundtrack von Herbie Hancock gibt Jazz-Kenner Martin Schräder eine Einführung.

Di, 27.3.:
Dark Horse (DK/ISL 2005)
In Dagur Káris („Nói Albinói“) Komödie „Dark Horse“ stimmt mit jeder Figur irgendetwas nicht. Insbesondere natürlich mit der Hauptfigur Daniel (Jacob Cedergren). Diesen jungen Mann hat ein Richter gerade routiniert gelangweilt zu ein paar Tagessätzen gemeinnütziger Arbeit verurteilt. Denn Daniel verdient seinen Lebensunterhalt damit, Liebeserklärungen anderer Leute an Hauswände zu sprühen. Ansonsten ist er immer darauf bedacht, nichts zu besitzen, was ihm seine Schuldner wegnehmen könnten, und betankt seinen Fiat 500 tröpfchenweise mit zusammengeschnorrtem Benzin. Unbedingt ansehen!

Di, 3.4.:
Garden State (USA 2004, 104 Min.)
Nachdem Andrew Largeman (Zach Braff, „Scrubs“) jahrelang mit Hilfe von Psychopharmaka sein Kellner-/Schauspielerleben in L.A. gemeistert hat, erfährt er durch den Tod seiner Mutter einen Energieschub. Er setzt die Pillen ab, kündigt und reist in seine Heimatstadt in New Jersey. Auf der Suche nach sich selbst trifft er neben seinen alten Freunden auch die junge Sam (Natalie Portmann). Zach Braff gelingt es in seiner ersten Regiearbeit eine wunderschöne und zugleich traurig-melancholische Geschichte zu erzählen, die es schafft, die Zuschauer zu berühren. Darsteller, Inszenierung sowie der liebevoll ausgewählte Soundtrack zaubern ein Lächeln ins Gesicht.

Di, 10.4.:
Das Leben der anderen (D 2005, 132 Min.)
Kompromisslos, spannend und bewegend: Ost-Berlin 1984: Stasi-Hauptmann Wiesler (Ulrich Mühe) wird auf den Dramatiker Dreyman (Sebastian Koch) angesetzt, auf dessen Lebensgefährtin (Martina Gedeck) sein Vorgesetzter ein Auge geworfen hat. Der linientreue Wiesler spult sein Programm ab: Wohnung verwanzen, observieren, dunkle Punkte finden. Während der Überwachung des Künstlerpaares dringt Wiesler tief in „das Leben der anderen“ ein. Unmerklich verändert sich dadurch sein eigenes ... Florian Henckel v. Donnersmarck gewann mit seinem Erstling mehr als verdient den Oscar.

Di, 17.4.:
Amores Perros (MEX 2000, 148 Min.)
„Amores Perros“ lässt sich grob mit „Love’s a bitch“ übersetzen, und das wäre denn auch eine passende Zusammenfassung der in diesem bemerkenswerten Film durchgeführten Untersuchung von Leidenschaft, Verlusten und der Zerbrechlichkeit unseres Lebens. Der mexikanische Regisseur Alejandro Gonzalez Iñarritu („21 Gramm“ und „Babel“) verwendet ein komplexes Drehbuch des Schriftstellers Guillermo Arriaga, um drei Geschichten zu erzählen, die durch ein traumatisches Ereignis miteinander verknüpft sind.

Mi, 18.4.: Jazz im Film:
Step Across The Border (USA 1990)
Auf erzählerisch ungewöhnliche und visuell spannende Weise lädt uns der Dokumentarfilm auf eine Reise mit dem Multi-Instrumentalisten Fred Frith durch die USA, Japan und Europa ein. Wir treffen auf Filmemacher, Musiker und Avant-Garde-Künstler. Ein Trip in die Welt eines Musik-Besessenen. Jazz-Kenner und -Musiker Martin Schräder gibt eine multimediale Einführung.

Di, 24.4.:
Schau mich an! (F 2004, 110 Min.)
Lolita Cassard ist eine junge Frau aus Paris, die mit sich und der Welt hadert, weil sie nicht annähernd so schlank und begehrenswert aussieht wie die Models in den Hochglanzmagazinen. Dabei wäre sie gerne schön – zumindest in den Augen ihres Vaters. Doch Etienne Cassard ist ein eitler, einflussreicher, umschwärmter Schriftsteller, der die Menschen in seiner Umgebung kaum beachtet ... „Schau mich an!“ (Regie: Agnès Jaoui, die mit dem Drehbuch den europäischen Filmpreis gewann) ist eine Gesellschaftssatire, die einen Reigen pointierter Charakterstudien zu einem weisen Gesellschaftsporträt erweitert, das zugleich bitterböse und anrührend ist, mitunter aber auch komische Züge annimmt. Bravo!

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Highlights im Kieler Traum-Kino

Das Kieler Traum-Kino zeigt im März und April u.a.:

Vier Minuten
Ein packendes Schauspielerinnen-Duell liefern sich Monica Bleibtreu und Newcomerin Hannah Herzsprung im Knast.  In weiteren Rollen dabei Nadja Uhl („Sommer vorm Balkon“), Richy Müller, Jasmin Tabatabei.  Wegen der großen Nachfrage wieder im Traum-Kino.
Infos: www.traumgmbh.de/inhalt/kino/filme/vier_minuten.html.
- Do, 15.3. - Mi, 21.3., 20.00 Uhr
- Do, 22.3. - Di, 3.4., 17.45 Uhr

 Little Miss Sunshine
Gerade mit einem Drehbuch-Oscar sowie dem Oscar für den besten Nebendarsteller ausgezeichnet .
Infos: www.traumgmbh.de/inhalt/kino/filme/little_miss_sunshine.html.
- Do, 15.3. - Mi, 21.3., 17.45 Uhr
  
Adams Äpfel
 Anders Thomas Jensens tolle Satire entwickelt sich zum Kultdauerbrenner.
Infos: www.traumgmbh.de/inhalt/kino/filme/adams_aepfel.html.
- Do, 15.3. - Mi, 21.3., 22.15 Uhr

Wie im Himmel
 Noch ein skandinavischer Publikumsliebling.
Infos: www.traumgmbh.de/inhalt/kino/filme/wie_im_himmel.htm .
- Do, 15.3., Sa, 17.3. - Mi, 21.3., 19.15 Uhr
 
Robert Altman’s Last Radio Show
 Der letzte Film von Robert Altman endlich im Kino zu sehen.
Infos:  www.koolfilm.de/RadioShow/radioshow.php4 .
- Do, 12.4. - So, 15.4., 17.45, 20.00, 22.15 Uhr
-  Mo, 16.4. - Mi, 25.4., 17.45, 20.00 Uhr 
- Do, 26.4. - Mo, 30.4., 20.00 Uhr

Französische Filmwoche
Drei Filme auf Französisch mit deutschen Untertiteln .

Geheime Staatsaffären
 Der neue Chabrol mit Isabelle Huppert.
Infos:  www.traumgmbh.de/inhalt/kino/filme/geheime_staatsaffaeren.html  .
- Do, 29.3. - Sa, 31.3., 20.00 Uhr

Malen oder Lieben
Daniel Auteuil, Sabine Azema und Sergi Lopez in einem Film für Erwachsene .
Infos: www.traumgmbh.de/inhalt/kino/filme/malen_oder_lieben.html .
- Sa, 31.3. - So, 1.4., 20.00 Uhr

Die Zeit, die bleibt
Der neue Film von François Ozon („Acht Frauen“, „Swimming Pool“, „5x2“), u.a. mit einem Gastauftritt von Jeanne Moreau.
Infos: www.traumgmbh.de/inhalt/kino/filme/die_zeit_die_bleibt.html.
 - Mo, 2.4. - Mi, 4.4., 20.00 Uhr

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Highlights im KoKi Kiel

Das Kieler KoKi zeigt im März und April u.a.:

Neu in Kiel

Zum Abschied Mozart
Christian Labhart, CH 2006, 80 Min.
Zwölf Jahre haben sie zusammen die Schulbank gedrückt, die Abschlussklässler der Rudolf Steiner Schule Züricher Oberland. Es waren zwölf schöne, verrückte aber auch sehr beschützte Jahre, sagen sie; als letzte gemeinsame Tat werden sie unter Leitung von Thomas Gmelin und begleitet von einem Orchester, W. A. Mozarts „Requiem“ aufführen. Sechs Wochen lang studiert Musikpädagoge Gmelin mit den Schülern das Requiem ein, sechs Wochen lang hat Labhart einen intensiven Einblick in den Alltag einer Waldorfschule bekommen, hat Teenager und Chorleiter mit der Kamera begleitet. Die Proben verlaufen nicht immer einfach. Die Arbeit am musikalischen Ausdruck ist hart und das Ringen um eine Disziplin, wo die Einzelinteressen zu Gunsten des Gemeinsamen in den Hintergrund treten müssen, wird spürbar. Die intensive Chorarbeit ist so etwas ist wie Begleitmusik für die letzten Wochen gemeinsamen Zusammenseins vor dem Aufbruch. Nahe ist Labhart seinen Protagonisten gekommen. Hat sie nach ihren Lebensansichten, Befindlichkeiten und Zukunftsplänen befragt und stellt mit seinem Film ein Dokument vor, das feinfühlig von dem berichtet, was junge Menschen heute bewegt.
Do, 15.3. - Fr, 16.3., 19.00; Sa, 17.3. - Mo, 19.3., 16.00; Di, 20.3. - Mi, 21.3., 20.30

Dancing With Myself
Judith Keil, Antje Kruska, D 2005, 96 Min.
In ihrem aktuellen Film porträtierten die beiden Filmemacherinnen Judith Keil und Antje Kuska („Der Glanz von Berlin“) drei Menschen, die gerne tanzen – und zwar allein. Reinhard, 63, leidet seit vielen Jahren unter Schlafstörungen, „eine Lebensbremse“. Aber gelegentlich dreht er auf, tanzt stundenlang und „weiß gar nicht, wo die Kraft herkommt“. Mario besucht konventionelle Discos wie den „Speicher“ in Friedrichshain. Dort schwitzt er unter der Discokugel und kehrt nach durchtanzter Nacht in sein Wohnmobil zurück: sein Bollwerk gegen jede Form von „Spießbürgerlichkeit“. Als der 36-Jährige seinen Job verliert, versinkt er in Trübsinn. Die 18-jährige Laurin schließlich macht die Tanzfläche zu ihrem Podium: „Wenn ich tanze, weiß ich, das die Leute mich sehen.“ Je mehr sie Partys zu ihrem Lebensinhalt macht, desto schwieriger wird es tagsüber. Sie schmeißt schließlich die Schule, ohne zu wissen, was sie stattdessen tun will. – „Dancing With Myself“ ist ein schönes Beispiel, wie ein Film im Schnitt entsteht. Keil und Kruska arrangieren ihr Material so, dass die Tänzer im Fortgang der Ereignisse immer mehr Profil gewinnen. Der Zuschauer bleibt interessiert, weil er die Protagonisten von Szene zu Szene besser kennen lernt, seinen Blickwinkel gelegentlich ändert und vielleicht auch mal die Sympathien neu verteilt. Die Filmemacherinnen wahren eine wohltuende Distanz zu ihren Helden, spendieren ihnen aber eine Art Happy End – wenn auch nur auf der Tanzfläche und nicht im richtigen Leben.
Do, 15.3. - Fr, 16.3., 20.30; Di, 20.3. - Mi, 21.3., 18.30

American Hardcore
Paul Rachman, USA 2005, 100 Min., OmU. Mit Ian MacKaye, Keith Morris
Paul Rachmann und Steven Blush rollen die Geschichte dieser musikalischen Subkultur aus den Jahren 1980 bis 1986 auf. Dutzende ehemaliger Bandmitglieder erzählen enthusiastisch von der Radikalität jener Zeit. „Man sang nicht, man schrie. Diese Musik schlug ein wie ein Komet. Sie richtete sich gegen die neue Angepasstheit, Bravheit und das Karrieredenken. Die Musiker, die hier aus alten Chaostagen plaudern, handelten damals betont antikommerziell, sie traten in kleinen Sälen auf, verdienten wenig. Rachman filmt die ehemaligen Punker in ihren jetzigen etablierten Umgebungen. Mal sitzen sie an einem Swimmingpool, mal auf einem Kinderspielplatz, vor einer Platten- oder Krawattensammlung oder versinken in dicken Polstern und präsentieren ihre tätowierten Arme. Auch in dieser Szene hatte der Protest kurzen Atem. – „American Hardcore“, als wilde Collage aus Interviews, Doku-Materialien, Video-Clips und Konzertmitschnitten, demonstriert in Reinform, welche Dynamik in den 80ern vorherrschte, wie viele Energien verschleudert wurden und wie krass sich diese Ära von den Zweifeln und der Introvertierheit der 90er Jahre abhob.
Fr, 23.3., 22.30; Sa, 24.3., 23.00; Fr, 30.3. - Sa, 31.3., 22.30

Schnitzelparadies / Het Schnitzelparadijs
Martin Koolhoven, NL 2005, 82 Min., OmU. Mit Mounir Valentyn, Yahya Gaier
Nordip, der vielversprechende Spross marokkanischer Einwanderer, hat sein Einserabitur frisch in der Tasche. Er weiß zwar noch nicht, was er mit seinem Leben anfangen will, aber nach dem Wunsch seines Vaters Medizin studieren möchte er auf keinen Fall. Erstmal übernimmt er einen Job als Tellerwäscher im „Blauen Geier“ und erzählt den Eltern, er arbeite in der Bibliothek. Dort überwacht der meist alkoholisierte Küchenchef sein schmuddeliges Reich, in dem schräge Typen aus aller Herren Länder nicht nur die berühmten Schnitzel, sondern auch sich gegenseitig in die Pfanne hauen. Der Schlauberger Nordip, ganz unten in der Küchenhierarchie, muss einiges einstecken. Aber weil er ein Auge auf Kellnerin Agnes, die schöne Nichte der Besitzer, geworfen hat, lässt er sich nicht einschüchtern. „Schnitzelparadies“ ist eine rasante Immigrantenkomödie in der Tradition des ebenfalls niederländischen „Shouf Shouf Habibi“ oder des schwedischen „Jalla Jalla“.
Fr, 30.3. - Sa, 31.3., 20.30; So, 1.4. - Sa, 7.4., 20.45; So, 8.4., 19.00; Mo, 9.4. - Di, 10.4., 20.30

Congo River
Thierry Michel, Belg./F 2006, 116 Min., Franz. OmU
Eine filmische Reise von der Mündung bis zur Quelle des Kongo, des breitesten Flussgebietes der Welt. Große, von Schleppern gezogene Pontons, die, beladen mit alten und jungen Menschen, Zelten und Feuerstellen, Ziegen, wie schwimmende Dörfer wirken, sind das einzige Transportmittel in einem Land, in dem mit den staatlichen Einrichtungen auch das Verkehrssystem zusammengebrochen ist. Wasserfälle, Stromschnellen und das Profitstreben der Reedereien gefährden die Reisenden ebenso wie der Krieg um Rohstoffe, der den Kongo vor allem im Osten immer noch im Griff hat. Man durchlebt die ganze Vielfalt der Flusslandschaft: Von der Tsetse-Fliege bis zu den Gewitterausbrüchen, von den patriotischen Gesängen der Soldaten in ihren Einbäumen bis zum nicht fertig gebauten, wieder vom Wald überwucherten Schloss des Ex-Diktators Mobutu, kontrastiert immer wieder mit überwältigenden Naturbeobachtungen. Wir begegnen der Mythologie des Flusses ebenso wie David Livingstone und Sir Henry Morton Stanley, den Königen der Kolonialzeit und den afrikanischen Führern Lumumba, Mobuto und Kabila. Ganz allmählich entsteht ein Bild des Kongo, bei dem die Schiffbrüche eine Ahnung vom Ausmaß der menschlichen Tragödien vermitteln, die sich dort abspielen. Doch wenn die Reisenden auf Männer treffen, die im Schweiße ihres Angesichts Gleise reparieren, keimt Hoffnung auf und ein Gefühl für die Kraft eines Volkes, das seine Zukunft wieder in die eigenen Hände nimmt.
Do, 29.3. - Mi, 4.4., 18.30

Zarah Leander zum 100. Geburtstag

Am 15. 3. 1907 wurde Zarah Leander als Sara Stina Hedberg im schwedischen Karlstad geboren. Nach Erfolgen in Skandinavien reüssiert sie schnell in Deutschland als Typ der leidensreichen femme fatale, „die stolz erhobenen Hauptes und ohne an Charme einzubüßen den Widrigkeiten des Lebens zu trotzen vermag“ (Sanders-Brahms), gut in die Rollenvorstellungen des Nazi-Kinos passte und einer der ganz großen Ufa-Stars wurde, bis sie 1943 ihren Vertrag brach und nach Schweden zurückkehrte. Als Vorfilm zeigen wir eine kurze Dokumentation über Zarah Leander.

Premiere
Geza von Bolvary. Ö 1937. Mit Zarah Leander, Karl Matell, Attila Hörbiger, Theo Lingen
Ein zwielichtiger Finanzier, der Geld in ein Revuetheater investiert hat, wird während der Premiere in seiner Loge erschossen. Der Schuss kam von der Bühne – und Kommissar Helder macht sich mit Hilfe des Inspizienten noch während der Show an die Ermittlung des Täters. Besonders verdächtig ist die Hauptdarstellerin Carmen. Pünktlich zum Vorstellungsende löst Helder den Fall. Der Film knüpfte mit zahlreichen Gesangseinlagen an Leanders enormen Bühnenerfolg an.
Do, 22.3. - Fr, 23.3., 18.30

Schleswig-Holstein-Premiere in Anwesenheit der Filmemacherinnen

Der Wirt, die Kneipe und das Fest
Gisela Tuchtenhagen, Margot Neubert-Maric, 76 Min., gefördert von der Kulturellen Filmförderung S.-H., der MSH und der Filmförderung Hamburg
Die Kneipe „Hahnbeerkrog“, ihr bodenständiger Wirt Friedemann Braun und seine Stammgäste, die „Hahnbeer-Männer“, sind Zentrum des Films. Schon Urgroßväter, Großväter und Väter hatten ihre Stammplätze, wo heute die Söhne über Heide, das Leben und den Rest der Welt nachdenken und vor allem reden – in breitestem Plattdeutsch, das sicherheitshalber untertitelt ist. Einmal im Jahr kommt die Routine durcheinander, dann wird in Heide das traditionelle Hahnebeerfest ausgerichtet, ausschließlich von den Männern, natürlich unter „Aufsicht” der Frauen. Die „fünfte Jahreszeit” zieht sich von Silvester bis zum großen Festtag Ende Februar. Das ursprünglich bäuerliche Fest wurde 1841 erneuert und gilt seitdem der Pflege des Familien- und Gemeinschaftssinnes und dem Erhalt des Plattdeutschen. Mal ausgelassen, mal anrührend-intim illustriert der sympathische Film die Bedeutung von Gemeinschaft und regionaler Zugehörigkeit: ein wirklicher Heimatfilm.
So, 25.3., 17.00

Mit Centre Culturel Français – Lesung und Film: zu Gast Pierre Péju

CCF, Bureau du Livre der Französischen Botschaft und KoKi präsentieren einen Literatur- und Filmabend: Pierre Péju, geboren 1949 in Lyon, ist Dozent für Philosophie, Essayist und Autor mehrerer Biografien. „Die kleine Karthäuserin“ ist sein erster Roman, der auf deutsch erscheint. In Frankreich war das Buch einer der größten Erfolge der letzten Jahre. Für eine einmalige Vorstellung konnten wir die Verfilmung aus Frankreich holen:

La petite chartreuse
Jean-Pierre Denis, F 2005, 90 Min., OmeU. Mit Olivier Gourmet, Marie-José Groze
Ein eigenbrötlerischer Buchhändler verletzt ein kleines Mädchen schwer, das direkt vor seinen Wagen läuft. Weil deren alleinerziehende Mutter völlig überfordert ist, übernimmt er, von vagen Schuldgefühlen bedrängt, Verantwortung für das Kind. In der großartigen Bergwelt der französischen Alpen angesiedeltes Drama.
Mo, 19.3., 19.00 (Lesung, 20.30: Film)

Goethe und der Film – mit der Goethe-Gesellschaft Kiel

Die Leiden des jungen Werthers
Egon Günther, DDR 1975, 100 Min. Mit Hans-Jürgen Wolf, Katharina Thalbach
Die Geschichte des sentimentalen Werther, der an der hoffnungslosen Liebe zu der bereits verlobten Lotte zerbricht und Selbstmord begeht. – Schon zu Beginn des Films fragt Werthers Freund Wilhelm, geschah es aus unerfüllter Liebe oder war es „das Ganze“? Mit dieser Erweiterung der Ursachen öffnet Egon Günther seine Interpretation des Stoffes für seine Kritik an den gesellschaftlichen Verhältnissen. So ist die traurige Liebesgeschichte nur der private Baustein in der Krise eines kranken Gemüts, das an der Angepasstheit und der Erstarrung in Konventionen verzweifelt. Werther, den nörgelnden, fordernden Schwärmer, wird denn auch nach seinem Tod niemand vermissen: Man ist einen Störfaktor losgeworden.
Di, 27.3., 20.30

Götz von Berlichingen zubenannt mit der eisernen Hand
Hubert Moest, D 1925. Mit Eugen Klöpfer, Paul Hartmann. Am Klavier: W. Loll
Götz von Berlichingen liegt in Urfehde mit dem Bischof von Bamberg. Der mehrfache Seitenwechsel seines Vasallen Weislingen hat schließlich zur Folge, dass Götz vom Kaiser mit dem Bann belegt wird und sich an die Spitze eines bäuerlichen Heeres wählen lässt. Doch seinem Aufbegehren sind Grenzen gesetzt: Freiheit gibt es für Götz nur droben, „die Welt ist ein Gefängnis“. Moests monumentale Verfilmung von Goethes Sturm-und-Drang-Drama ist heute vergessen, war zu ihrer Entstehungszeit aber ein von Kritik und Publikum bejubeltes Großereignis. Manche sprachen gar von der Entdeckung einer neuen Poetik des Historienfilms.
So, 8.4., 20.30

Die Wahlverwandtschaften
Siegfried Kühne, DDR 1974, 100 Min. Mit Christine Schorn, Horst Schulze
Auf dem Schloss des Barons Eduard und seiner Gattin Charlotte finden sich der Hauptmann, ein Freund des Barons, und Ottilie, Charlottes Nichte, ein. Bald schon empfinden Eduard zu Ottilie und Charlotte zu dem Hauptmann starke Anziehung zueinander. Chemischen Elementen gleich, sucht sich jede Figur die Bindung, zu der es die stärkste Affinität besitzt. Ernsthaft um Werkgerechtigkeit bemühter DEFA-Film nach Goethes Roman, der durch Verkürzungen und Straffungen jedoch den Konflikt vom Zusammenprall von Sitten- und Naturgesetz auf ein Infragestellen der bürgerlichen Ehe verkürzt.
Di, 17.4., 20.30

Hitler & Co. – Witzfiguren?

Mein Führer – Die wirklich wahrste Wahrheit über Adolf Hitler
Dani Levy, D 2006, 90 Min. Mit Helge Schneider, Ulrich Mühe, Sylvester Groth
Dezember 1945. Berlin liegt in Trümmern und auch Hitler mag nicht mehr. Depressionen peinigen ihn und Resignation. So engagiert Goebbels Prof. Grünbaum, Hitlers ehemaligen Rhetorik-Lehrer, der inzwischen im KZ Sachsenhausen interniert ist. So macht sich Grünbaum daran, im schwächelnden Führer wieder den Hass und die Freude an der Manipulation zu wecken – und gleichzeitig Bedingungen zu stellen, die seiner Familie und seinen Mitgefangenen in Sachsenhausen Sicherheit garantieren sollen ... Dani Levy (Regie und Buch) lässt den Diktator (nahezu unkenntlich unter seiner Maske: Helge Schneider) auf allen Vieren über den Boden kriechen und wie einen Hund bellen, lässt ihn nach einem Faustschlag zu Boden gehen und duckmäuserisch durch die Reichskanzlei schleichen. Und auf der Suche nach ein wenig Wärme und Gesellschaft kuschelt er sich schließlich ins Notbett im Keller, wo die Familie Grünbaum einquartiert ist. Eine geschmacklose Verniedlichung des schrecklichen Diktators oder das geniale Gegenstück zu Hirschbiegels „Untergang“, der Dank seines Authentizitätsbonus zum Pflichtfilm aller Schulklassen avancierte? – Darüber wollen wir am 22. März mit dem Publikum diskutieren. Zu Gast sind u.a.: Prof. Dr. Jan-Oliver Decker, Pastor Joachim Liß-Walter.
Do, 22.3. - Fr, 23.3., 20.30; Sa, 24.3. - Di, 27.3., 18.30; Mi, 28.3., 20.30

delicatessen – Kino Kultur digital

Ballets Russes
Dayna Goldfine, Dan Geller, USA 2005, 118 Min., dt. Fs.
Paris 1909: In der Kulturmetropole revolutioniert eine experimentierfreudige Künstlergeneration Bildende Kunst, Literatur und Theater. Sergei Diaghilev gründet aus einer Gruppe russischer Exilanten das Ballet Russe und startet eine Ära großartiger Ballettkunst. Porträtiert wird eine Gruppe außergewöhnlicher Tänzer, Choreographen, Komponisten und Designer, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts das Ballett zu dem gemacht haben, was es heute ist: eine Kunstform. Die Dokumentation umfasst über 50 Jahre von den unvergessenen Erfolgen in den 30er und 40er Jahren bis zum künstlerischen und wirtschaftlichen Niedergang, der schließlich 1962 zur Auflösung des letzten Balletts, Serge Denhams Ballet Russe de Monte Carlo, führte. Ein berührender Film, der seine Kraft aus den Erinnerungen der überlebenden Tänzer schöpft. Es erzählen u.a. Stars wie Dame Alicia Markova, Mia Slavenska, Frederic Fanklin und Tania Riabouchinska in bewegenden Interviews von unvergessenen Erfolgen und außergewöhnlichen Erlebnissen. Und in alten Fotos und Filmaufnahmen wird die Faszination Tanz spürbar und eine vergangene Epoche wieder zum Leben erweckt. „Ballets Russes“ wurde mit großem Publikumserfolg in den Official Selections beim Sundance und Toronto Film Festival gezeigt.
Do, 5.4. - Sa, 7.4., 18.30

Der Unbequeme – Der Dichter Günter Grass
Sigrun Matthiesen, Nadja Frenz, D 2007, 87 Min.
Die Filmemacherinnen haben den Dichter und Nobelpreisträger Günter Grass über zwei Jahre mit der Kamera begleitet. In dieser Zeit arbeitete der Schriftsteller an seinem autobiografischen Buch „Beim Häuten der Zwiebel“, das den Autorinnen als „roter Faden“ ihres Dokumentarfilms diente. Doch nicht nur sein aktuelles Buch ist Thema des Films: Nadja Frenz und Sigrun Matthiesen sind mit ihm auf Reisen gegangen, haben ihn in seinem Alltag, als Schriftsteller und engagierter Bürger bei SPD-Wahlkampfveranstaltungen, ausgewählten Lesungen und Begegnungen mit langjährigen Weggefährten, begleitet. Schriftstellerkollegen wie Amos Oz, Salman Rushdie und Hans Magnus Enzensberger kommen ebenso zu Wort wie Gerhard Schröder. Dabei wird deutlich, was den Künstler Grass Zeit seines Lebens an- und umgetrieben hat: Die offene Wunde, als Jugendlicher „ein kleiner glühender Nazi“ gewesen zu sein, ist nicht erst bei seinem jüngsten Buch die Schreibmotivation, sondern Motor seines gesamten künstlerischen wie politischen Arbeitens. Von Grass selbst vorgetragene Gedichte und exklusive Aufnahmen, die den bildenden Künstler Grass bei der Arbeit zeigen, schaffen ein spannendes Gegengewicht zu den Gesprächspassagen.
Do, 19.4. - So, 22.4., 18.30

Anarchy Can Be Fun – Cartoons aus dem Archiv von Dennis Nyback

Anarchie – für die einen steht hinter diesem Begriff ein ernsthaftes politisches Konzept, das die Notwendigkeit von Regeln des sozialen Zusammenlebens negiert, für die anderen meint er schlicht Chaos. Animationsfilme sind anarchistisch – zumindest könnten sie es sein, insofern das animierte Bild befreit von jeglicher Kontrolle durch die Realität ist. Gleichwohl waren nur wenige der Major-Studios in Hollywood anarchistisch im engeren Sinne. Allen voran steht hier Max Fleischer: Sein Studio beschäftigte keine Drehbuchautoren, nicht einmal Storyboard-Zeichner. Die Animateure erarbeiteten frei kurze Handlungen und ließen sich dabei von Jazz-Riffs inspirieren. So bilden Produktionen dieses Studios letztlich das Gegenstück zu Disney, dem kontrolliertesten und folglich am wenigsten „anarchistischen“ Cartoon-Fabrikanten. Der New Yorker Filmsammler Dennis Nyback öffnet für uns seinen Raritätenkoffer und hat einen Abend mit anarchistischen Cartoons zusammengestellt. Im Programm u.a.: „A Wild Hare“ (1940), „Betty Boop’s Ups and Downs“ (1932), „The Black Duck“ (1929), „A Froggy Evening“ (1954).
Mi, 11.4., 20.30

Zur Ausstellung „Tschetschenies Kinder – Tschetscheniens Zukunft“

Coca – Die Taube aus Tschetschenien
Eric Bergkraut, CH 2005, 86 Min., OmU
„Coca“ nannten ihre Eltern Sainap Gaschaiewa – die Taube. Seit 1994 dokumentiert sie, was in ihrer Heimat täglich geschieht: Verschleppung, Folter, Mord. Die Weltöffentlichkeit schweigt, sei es aus Unwissen, Hilflosigkeit oder Opportunismus. Sainap Gaschaiewa hat hunderte Video-Kassetten, die sie nach Westeuropa schaffen will, damit es zu einem Tribunal kommt und die Schuldigen bestraft werden. – Der Filmemacher porträtiert ihre Arbeit in der vormals sowjetischen Teilrepublik Tschetschenien. Auf die einseitig 1991 erklärte Unabhängigkeit reagierte Moskau 1994 mit der Besetzung des Landes, worauf ein beiderseits mit allerhand unsauberen Methoden geführter Bürgerkrieg anhob. Dieser Film zeigt seine Gesichter. Der Film ist begleitend zur Ausstellung: Tschetscheniens Kinder – Tschetscheniens Zukunft. Anschließend Diskussion mit Barbara Gladysch, Isa Atabaicv, Ruslan Misarbicv und Flüchtlingsrat S.-H.
Mi, 25.4., 18.30

Weiße Raben – Alptraum Tschetschenien
Johann Feindt, Tamara Trampe, D 2005, 92 Min.
Petja und Kiril melden sich – gerade 18 Jahre alt – freiwillig zum Einsatz an der tschetschenischen Front. Die Krankenschwester Katja arbeitet in einem Lazarett im Kriegsgebiet. Keiner von ihnen kehrt zurück, wie er ging. An Leib und Seele verkrüppelt, allein gelassen mit ihren Erfahrungen von Verstümmelungen, Folter und Tod. – Über einen Zeitraum von drei Jahren beobachten Johann Feindt und Tamara Trampe wie die Heimgekehrten versuchen, sich in einer Gesellschaft wieder zurechtzufinden, die den Krieg verdrängt. Einzig im Komitee der Soldatenmütter Russlands finden sie und die hilflosen Eltern noch Ansprechpartner und Gleichgesinnte. Seit zehn Jahren herrscht Krieg in Tschetschenien. Der Krieg hat zuletzt ein neues Etikett bekommen: Kampf gegen den Terrorismus. Das klingt gerecht und kommt international besser an. Wir zeigen den Film in Kooperation mit der „Zentrale Beratungs- u. Betreuungsstelle für Ausländerinnen + Ausländer“.
Mo, 30.4., 18.30

Ver-Fälschungen

Dass Filme die reale Welt nicht abbilden, sondern Welten mit eigenen Gesetzmäßigkeiten konstruieren, ist zwar eigentlich ein Gemeinplatz; gleichwohl gelingt es den laufenden Bildern immer wieder, Gewissheiten zumindest zu erschüttern – man denke etwa an die filmisch lancierten Thesen über nie erfolgte Mondlandungen oder über die gezielte Sprengung des World Trade Center am 11. September 2001. Für jede These findet sich schließlich ein Bild, das sie stützt. Umgekehrt werden Filme ihrerseits verfälscht und manipuliert – sei es, weil sie irgendwem unbequem erscheinen, sei es aus einer besonderen künstlerischen Absicht heraus. In den folgenden Wochen zeigt das Kommunale Kino in einer kleinen Reihe Filme, die selbst verfälscht wurden oder die ein Gerücht so wirksam etabliert haben, dass die Zuschauer an die Wahrhaftigkeit des Gesehenen glaubten.

Casablanca
Michael Curtiz, USA 1942, (OmU: 102 Min.) (dt. Fs 1952: 82 Min.)
Die Handlung ist bekannt – Anfang der 40er Jahre treffen in der marokkanischen Stadt Casablanca diverse Figuren aufeinander: Glücksritter, Diebe, Flüchtlinge, Kollaborateure, Nazis und Widerstandskämpfer. Und zwischen all jenen steht Rick Blaine, der sein Café Americaine betreibt, hie und da dem Glück der hier Gestrandeten etwas nachhilft und vor allem seine große Liebe Ilsa vergessen will, die sich seinerzeit für einen anderen entschied: Victor Laszlo, den ungarischen Widerstandskämpfer. – Oder ist „Casablanca“ die Geschichte des norwegischen Atomphysikers, dem Spione und Agenten auf der Spur sind? Als der Film 1952 erstmals in die deutschen Kinos kam, fehlten gut 20 Minuten, und alle Hinweise auf die Nationalsozialisten und Hitler-Deutschland waren aus den Dialogen getilgt. So wandelte sich die Handlung um lebensrettende Transitvisa vor dem Hintergrund des Zweiten Weltkrieges in eine schlichte Agentengeschichte. – Das Kommunale Kino zeigt beide Fassungen: Die intendierte, originale Fassung mit deutschen Untertiteln und die heute ins Archiv weggeschlossene, vergessene Falsch-Synchronisation von 1952.
OmU: Mo, 9.4. - Mi, 11.4., 18.30; Mo, 16.4., 20.30.
dt. Fs. 1952: So, 15.4. - Mo, 16.4., 18.30

Die Delegation
Rainer Erler, BRD 1970, 100 Min. Mit Walter Kohut, Hans Häckermann
Der Fernsehjournalist Will Roszinski, ein unbestechlicher, kritischer Geist, ein Rationalist durch und durch, stirbt bei einem Autounfall bei Los Angeles zu einem Zeitpunkt, als er bereits von seinem TV-Sender suspendiert war und auf eigene Faust recherchierte. Eigentlich wollte er eine bissige, entlarvende Reportage über Ufos produzieren – besser gesagt über die Pseudo-Wissenschaftler, selbsternannten Fachleute und die ungezählten „Zeugen“ von Ufo-Landungen. Nach kurzer Zeit jedoch verdichten sich die Hinweise auf die Wahrhaftigkeit der Phänomene. Und am Ende scheint Roszinski tatsächlich vor der größten Sensation der Menschheit zu stehen. So entschließt sich die TV-Anstalt, das Material so zu senden, wie Roszinski es hinterlassen hat ... Heute sind „Doku-Fake“ oder „Mockumentary“ gängige Begriffe, 1970 jedoch betrat Rainer Erler mit seiner im Stil eines moderierten Magazins inszenierter Spielfilm ästhetisches Neuland (in der Rolle des Moderators ist der 1995 verstorbene schleswig-holsteinische Schauspieler und Theatermacher Hans Häckermann zu sehen). Und das Rezept ging auf: „Die Delegation“ löste bei ihrer Erstausstrahlung Verwirrung und sogar Verstörung aus – ein Großteil der Zuschauer glaubte, sie sähen eine authentische Reportage. – Wir zeigen den Film mit freundlicher Genehmigung von Rainer Erler als DVD-Projektion.
Mo, 23.4., 18.30; Di, 24.4., 20.30

Alien Autopsy
Jonny Campbell, D/GB/USA 2006, 95 Min. Mit Declan Donnelly, Ant McPartlin
Ray, der vom Handel mit illegalen Filmkopien lebt, wittert das große Geld, als ihm ein ehemaliger Militärkameramann Filmmaterial von einer Autopsie eines Außerirdischen anbietet (ja genau: jene Aliens, die 1947 bei Roswell abgestürzt sind). Ray und sein Kumpel Gary nehmen einen Kredit bei Drogenbaron Voros auf und erwerben das streng geheime Dokument – das allerdings nichts enthält. Da mit Voros aber nicht zu spaßen ist und er darauf brennt, den Film bzw. sein Geld (wieder)zusehen, stehen Ray und Gary vor einem echten Problem. Kurz und gut – sie beschließen, die ominöse Autopsie nachzustellen ... Campbells Satire beruht auf einem wahren Fall: 1995 trat Filmproduzent Ray Santilli mit einem Alien-„Dokument“ an die Öffentlichkeit; entlarvt wurde der Schwindel durch ein Spiraltelefonkabel im Bildhintergrund – die gab es 1947 noch nicht ...
Do, 12.4. - Fr, 13.4., 20.30; Sa, 14.4. + Mi, 18.4., 18.30

Daniel Johnston

The Devil and Daniel Johnston
Jeff Feuerzeig, USA 2005, 110 Min., OmeU
Der Musiker und Grafiker Daniel Johnston (Jahrgang 1961) begann seine Karriere in der Wohnstube am Cassettengerät. Seine ersten Aufnahmen verschenkte er an Freunde und Bekannte, 1982 begann ein örtlicher Plattenladen, seine Tapes zu verkaufen. MTV horchte auf und sendete ein Porträt, womit er einige Bekanntheit in der Independent-Szene erhielt. In das Bewusstsein einer größeren Öffentlichkeit trat er, als Curt Cobain 1992 bei der Verleihung der MTV-Awards mit einem Daniel Johnston-T-Shirt auf die Bühne kam. Daniel Johnston ist manisch-depressiv. Seine Songs und seine Bilder sprechen von der Zerrissenheit, seine Aussetzer machen jede kontinuierliche Entwicklung einer „normalen“ Erfolgskarriere zunichte (so zog er beispielsweise einmal den Zündschlüssel des Privatflugzeuges seines Vaters – in der Luft – und leitete so den Absturz ein; beide überlebten). Jeff Feuerzeig nähert sich dem eigenwilligen, schwierigen und faszinierenden Künstler mit diesem ergreifenden Dokumentarfilm. Dazu verwendete er Archivaufnahmen aus Johnstons Bild- und Tonarchiv und befragte Kollegen, Freunde und Familienangehörige. – Im Anschluss an den Film zeigen wir den Kurzfilm „Wolkenjäger“ des Kieler Filmemachers Daniel Krönke (D 2005, 20 Min.), die Geschichte vom Fahrradkurier Marc und seiner großen Liebe Julia, der er nicht anders als durch den Sucher seiner Kamera wirklich nahe sein kann. Krönke unterlegt Sequenzen seines traurigen Liebesfilms Daniel Johnstons Song „Dream Scream“.
Do, 26.4., 20.30

Globalisierung – Wohlstand für die Welt?

Enron – The Smartest Guys in the Room
Alex Gibney, USA 2005, 109 Min., OmU
Während die verantwortlichen Manager sich persönlich bereichern, verlieren 20.000 Menschen ihren Job: Innenansichten des Großkonzern ENRON, der für den größten Finanzskandal der US-Wirtschaftsgeschichte steht. Groß geworden ist Enron mit der Strategie, Energie zum Spekulationsobjekt zu machen. Durch waghalsige Risiken bei Termingeschäften wurde die Aktie zu Beginn mit Glück und Geschick zum Börsenstar. Den tragischen Fall des Energieriesen leitete Zeit der Wechsel zum (legalen) Buchhaltungssystem „mark-to-market“ ein. Das erlaubte der Firma, zukünftige, erwartete Gewinne in der aktuellen Bilanz als real einzustufen. Der Regisseur nähert sich dem Thema mit Porträts der Hauptverantwortlichen, Soundtrack-Stücken, Collagen und Original-Fernsehausschnitten, um die Materie zu erklären. Dazu kommen ehemalige Mitarbeiter zu Wort. „Enron“ porträtiert ein Paradebeispiel für eine gescheiterte Deregulierung und eine käufliche Wirtschaftspolitik, die blindlings dem Markt und seinen Goldgräbern vertraut. Im Anschluss an den Film am 2.5. findet ein Gespräch mit ATTAC Kiel statt.
Do, 26.4., 18.30; Mo, 30.4., 20.00

Psychoanalyse und Film

Der Wald vor lauter Bäumen
Maren Ade, D 2003, 81 Min. Mit Eva Löbau, Daniela Holtz, Jan Neumann
Melanie Pröschle kommt aus der Ausbildung an ihre erste Schule; frischen Wind will die neue Kollegin in den Unterricht bringen. Zugegebener Weise stellt sie sich nicht besonders geschickt an; ihr fehlt einfach das Gespür für Situationen, Subtilität scheint ein Fremdwort für sie zu sein ... Es dauert eine Weile, bis Melanie Pröschle – und auch der Zuschauer – merkt, dass sie an ihrer Umwelt scheitert. – Anschl. Gespräch mit Gisela Bergman-Mausfeld und Mechthild Klingenburg-Vogel.
Mo, 23.4., 20.30

Filme von Maria Reinhardt und Christoph Dobbitsch

Das Kommunale Kino hat mit Maria Reinhardt und Christoph Dobbitsch zwei junge Filmemacher aus Kiel eingeladen, die sich mit ihren ersten Filmen bereits eine große Fangemeinde aufgebaut haben.
„Die Tür“ (Maria Reinhardt, D 2002. Mit Matthes Schachtner): Eine Autotür attackiert einen jungen Mann.
„Frau Kubinsky“ (Maria Reinhardt, D 2005. Mit Traute Steffen, Nora Koenig, Nickel Bösenberg): In einer Kleinstadt häufen sich mysteriöse Unglücksfälle. Eine alte Frau, vorgeblich im Rollstuhl, meint ihre Ursache zu kennen und nimmt den Kampf dagegen auf.
„BedHead“ (Christoph Dobbitsch, D 2006, 30 Min., Kamera: Torben Sachert. Mit Florian Sellke, Martin Friedrichs, Carolin Greiner): Wenn die besten Jahre vorbei sind, kann man eigentlich genauso gut im Bett bleiben – für immer. Genau das denkt sich auch ein junger Mann ... und eckt damit gewaltig an. „Fliegenfänger“ (Christoph Dobbitsch, D 2006, 14 Min., Kamera: Torben Sachert. Mit Jan-Philip Frank, Jana-Vanessa Nielsen, Anna Koßmann) Allein in seinem Zimmer liest ein junger Mann den abschlägigen Brief seiner großen Liebe. Als er kurz darauf verzweifelt aus dem Fenster springt, landet im selben Moment eine Fliege in einer Fliegenfalle – und ihre letzten Sekunden verschränken sich ...
Mi, 25.4., 20.30

Rosa Linse – Mit HAKI e.V. – 2. Lesbisch-Schwules Filmwochenende
(Fr, 27.4. - So, 29.4.)

Nach dem großen Erfolg im letzten Jahr startet die Rosa Linse wieder mit einem Lesbisch-Schwulen Filmwochenende in den Frühling.

Zur Eröffnung zeigen wir als Kieler Premiere mit „Sonja“ einen einfühlsamen Film über zwei beste Freundinnen und ihre tastenden, auch schmerzhaften Annäherungen an die erste Liebe – in Anwesenheit von Regisseurin Kirsi Liimatainen und den Hauptdarstellerinnen Sabrina Kruschwitz und Julia Kaufmann. Anschließend bitten wir zum geselligen Beisammensein und regen Austausch bein einem Empfang.

Ebenfalls neu: „Looking for Cheyenne“ von Valérie Minetto: Eine frisch von der Liebsten getrennte und arbeitslose Journalistin aus Paris versucht sich aus Geldnot im einfachsten Landleben und aus Liebeskummer in allerlei Beziehungen. Zärtlich, erotisch, politisch und mit einem Hauch absurder Komik überzeugte der Film im letzten Jahr beim „Queer Filmfestival verzaubert“.

Dass auch Kiel nicht ohne ist, beweisen die Best-Ofs aus dem 2005 eingestellten QUEERFUNK des Offenen Kanals Kiel, zu sehen am Sa, 28.4., 18.30 Uhr.

Am Samstag stimmen wir ein zur Walpurnisnacht-Party im Roten Salon mit François Ozons Music-Mystery-Thriller „Acht Frauen“.

Außerdem zeigen wir noch einmal zwei Wunschfilme: „Paris was a Woman“ illustriert die Bedeutung der vielen lesbischen Frauen für die Weltkulturmetropole zu Beginn des 20. Jhdts. Und der bezaubernde „Goldfish Memory“ mit seinen Einblicken in lesbische und schwule Liebesverwicklungen in Dublin entlässt uns – hoffentlich wohlgemut – wieder in den Kieler Alltag und den Frühling ...

Zu Gast: Kirsi Liimatainen, Sabrina Kruschwitz, Julia Kaufmann
Sonja
Kirsi Marie Liimatainen, D 2006, 73 Min. Mit Sabrina Kruschwitz, Julia Kaufmann, Nadja Engel
Sonja und Julia sind beste Freundinnen. Sie reden miteinander über alles, was sie bewegt, über ihre Vorstellungen und Träume, ihre Erfahrungen mit Jungs und darüber, wie das wohl sein wird, wenn man erwachsen ist. Hätten die beiden einander nicht, wäre ihr Alltag noch trister. Sonja wohnt mit ihrer überforderten Mutter in einer Plattenbausiedlung, der Vater interessiert sich nicht für die Familie, die Jungs machen platte Annäherungsversuche – und ihr Freund möchte endlich mit ihr schlafen. Aber Sonja hat andere Vorstellungen von ihrem Leben, von Glück und erster Liebe, doch sie beginnt erst im Verlaufe des Sommers, ihre Gefühle für Julia zu verstehen ... Kirsi Liimatainen (Buch und Regie) über ihren Film: „Der Ursprung für diese Geschichte liegt in meiner eignen Jugend. Wir waren 16 und unsere Seelen und unsere Herzen waren voll von glücklichen Farben, Hoffnung, Neugier und unruhigen Träumen ... wie die dünnen, sich bewegenden Schwingen des Schmetterlings ... Egal in welchem Land oder Jahr man geboren ist, die Jugend ist immer das Gleiche für uns alle: zerbrechlich und einmalig – jeder Tag kann wie ein Jahr sein.” „Sonja“ wurde ausgezeichnet mit dem FINDLING-Preis 2006 des Filmkunstfestes Schwerin – aus der Jury-Begründung: „Sonja ist ein stiller Film, der durch seine Poesie und Sensibilität besticht. Es ist die feinfühlige Charakterstudie einer junge Frau, die sich abzugrenzen versteht und ihre Ansprüche an die Welt angemessen formuliert.” Kirsi Liimatainen erzählt die Geschichte zweier junger Mädchen an der Schwelle zum Erwachsenwerden. Realistisch zeigt sie ihren Alltag, poetisch und sensibel beschreibt sie ihre Sehnsüchte und Wünsche.
Fr, 27.4., 20.00

Oublier Cheyenne – Looking for Cheyenne
Valérie Minetto, F 2005, 90 Min., OmU
Die draufgängerische Journalistin Cheyenne hat vor siebzehn Tagen ihre Freundin, die Lehrerin Sonia, verlassen. Weil sie keine Arbeit findet und das Geld zuende geht, ist sie von Paris weg gezogen, um unter einfachsten Verhältnissen auf dem Land zu leben. Das bedeutet: Kein Strom, kein fließend Wasser, Kerzen zur Nacht und ein Fahrrad als Transportmittel. Sonia dagegen liebt ihren Beruf und hält gar nichts von solch radikalem Aussteigerleben. Aus Kummer lässt sich Sonia mit dem jungen Freigeist Pierre ein. Hingerissen von der blonden Schönheit, ist der umstürzlerische Beau weder eifersüchtig noch stört es ihn, dass Sonia lesbisch ist. Im emotionalen Wirrwar mischen ferner mit: eine auf Raubzug befindliche Schönheit, eine ebenso niedliche wie rebellische Studentin, eine zynische ländliche Totalverweigerin und ein freundlicher Russe. Das Regiedebüt von Valérie Minetto erzählt mit komischen, dramatischen und manchmal fantastischen Elementen eine wunderbar altmodische Liebesgeschichte aus dem Heute einer sich im Umbruch befindenden Gesellschaft. „Mit seinen zärtlichen wie erotischen Tönen, politischem Statement und einem Hauch absurder Komik gelang Valérie Minetto ein besonderer Liebesfilm, der auf clevere und charmante Art die Herausforderungen aufzeigt, denen eine Beziehung vor dem Hintergrund unterschiedlicher Lebensansprüche ausgesetzt ist.” (Internationales Queer Filmfestival verzaubert)
Sa, 28.4., 20.30

Acht Frauen
François Ozon, F 2002, 106 Min. Mit Fanny Ardant, Emmanuelle Béart, Danielle Darrieux, Catherine Deneuve, Isabelle Huppert, Virginie Ledoyen, Firmine Richard und Ludivine Sagnier
Eine eingeschneite Villa, acht Frauen ... und ein toter Mann. Man könnte aber auch sagen: ein Regisseur und die nahezu unlösbare Aufgabe, acht Diven des cinéma français von einem gemeinsamen Filmprojekt zu überzeugen. François Ozon hat diese Herausforderung glänzend gemeistert, denn „Acht Frauen“ ist ein Ensemble-Film par excellence, dessen Hauptdarstellerinnen mit geradezu ansteckender Freude an der Schau-Spielerei bei der Sache sind. Sie küssen und schlagen sich, verführen und verdächtigen einander, mal bitterböse, mal melancholisch, doch stets mit Leidenschaft. Und nicht zuletzt ist "Acht Frauen" auch eine Liebeserklärung an das französische Chanson. Wie aus Dornröschenschlaf erwachen Titel, die einst im Original bspw. von Dalida, Françoise Hardy oder Sylvie Vartan gesungen wurden, in den Interpretationen der acht Aktricen zu neuem Leben. Ausgezeichnet u.a. mit einem Silbernen Bären für die acht Hauptdarstellerinnen. Nach einem Theaterstück von Robert Thomas. Anschließend Walpurgisnacht-Party im Roten Salon! (Dort ermäßigter Eintritt bei Vorlage der Kinokarte.)
Sa, 28.4., 22.30

Paris was a Woman
Greta Schiller, GB/USA/D 1996
Djuna Barnes, Gertrude Stein, Janet Flanner, Sylvia Beach, Natalie Barney – wer kennt sie nicht! Mit spannendem und selten zu sehendem Archivmaterial zeigt Greta Schiller das Paris der 20er und 30er Jahre und eine legendäre Gruppe von Frauen, die sich gerne aus der ganzen Welt in das freigeistige Ambiente des Kulturmilieus locken ließen, wo sie als Schriftstellerinnen, Malerinnen, Fotografinnen und Journalistinnen dazu beitrugen, Paris zur kulturellen Welthauptstadt zu machen. Hier konnten sie leben und lieben, wie sie wollten, und die Meisten liebten Frauen.
So, 29.4., 18.30

Goldfish Memory
Liz Gill, Irl. 2003, 85 Min. Mit Sean Campion, Fiona O’Shaugnessy
In der schicken Lounge am Hafen von Dublin suchen die Stammgäste die große Liebe. Unter den Glubschaugen der Goldfische, die in ihrem Glas auf dem Tresen kreisen und die, so heißt es, ein Erinnerungsvermögen von nur 3 Sekunden haben. Der flatterhafte Uni-Prof, die lesbische Fernsehmoderatorin, der schwule Fahrradkurier, wären sie nicht vielleicht glücklicher mit einem Goldfisch-Gedächtnis, wenn sie sich immer neu verlieben könnten, ohne Herz- und Trennungsschmerz?
So, 29.4., 20.30

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Highlights im KoKi Lübeck

Das Kommunale Kino Lübeck (Mengstr. 35, 23552 Lübeck) zeigt im März und April:

Do, 15.3. + Do, 22.3. – 18 h – delicatessen Kino Kultur digital
Zum 100. Geburtstag von Zarah Leander
Premiere
Géza von Bolváry, Österreich 1937, 77 Min., s/w, mit einer Einführung von Paul Sailer

Do, 15.3. - Sa, 17.3. – 20 h
Sie sind ein schöner Mann (Je vous trouve très beau)
Isabelle Mergault, Frankreich 2005, 97 Min., OmU

So, 18.3. – 19 h – Film und Psychoanalyse – Moderation Dr. Hanna Petersen
Caché
Michael Haneke, Frankreich / Österreich / Deutschland / Italien 2005, 115 Min., OmU

Mo, 19.3. – 17 h + Di, 20.3. - Mi, 21.3. – 20 h – young (e) motion
Als das Meer verschwand (In my Father’s Den)
Brad McGann, Neuseeland 2004, 128 Min., OmU

Mo, 19.3. – 19 h – Festival des polnischen Films
Jeder von uns ist ein Jesus Christus (Wszyscy jestemy Chrystusami)
Marek Koterski, Polen 2006, 97 Min., OmeU

Do, 22.3. + Sa, 24.3. - So, 25.3. – 20 h
Junebug
Phil Morrison, USA 2004, 106 Min., OmU

Fr, 23.3. – 19 h – In Kooperation mit der Deutsch-Indischen Gesellschaft
Film und Konzert: Der Dhrupad-Sänger Ashish Sankrityayan zeigt seinen Dokumentarfilm zur Dagar-Dhrupad-Tradition mit anschließendem Live-Konzert
Dhrupad: The Call of the Deep
Ashish Sankrityayan, Indien, 73 Min., OmeU

Di, 27.3. – 20 h – In Kooperation mit dem Theater Lübeck
Mi, 28.3. – 20 h
Halleluja! Der Herr ist verrückt
Alfredo Knuchel, Schweiz 2004, 87 Min., OmU

Do, 29.3. – 18 h – delicatessen Kino Kultur digital
Die Bewohner der Eremitage (The Hermitage Dwellers)
Allona van der Horst, Niederlande 2003, 73 Min., OmU

Do, 29.3. – Film und Live-Konzert – In Kooperation mit dem Treibsandkollektiv Eintritt: 10 EUR
Der Mann ohne Vergangenheit (Mies vailla menneisyyttä )
Aki Kaurismäki, Finnland/Deutschland/Frankreich 2002, 97 Min., OmU
Anschl. Marko Haavisto Duo live in Concert

Fr, 30.3. - Mo, 2.4. – 20 h
Last Days
Gus Van Sant, USA 2005, 96 Min., OmU

So, 1.4. – 16 h – Klassik im Kino
Giuseppe Verdi: Falstaff
Götz Friedrich, Deutschland, 1979, 129 Min., OmU
Inszenierung: Götz Friedrich, Musikalische Leitung: Sir Georg Solti, Wiener Philharmoniker, Solisten: Gabriel Bacquier (Falstaff), Karan Armstrong (Alice Ford), Richard Stilwell (Ford)

Mo, 2.4. – 18 h – young (e) motion
Di, 3.4. - Mi, 4.4. – 20 h
Mondscheinkinder
Manuela Stacke, Deutschland 2006, 87 Min.

Do, 5.4. + Do, 12.4. – 17.30 h – delicatessen Kino Kultur digital
Ballets russes
Dayna Goldfine & Dan Geller, USA 2005, 118 Min.

Do, 5.4. - So, 8.4. – 20 h
Stellas Versuchung (Asylum)
David Mackenzie, England / Irland 2005, 100 Min., DF

Mo, 9.4. – 20 h
Di, 10.4. – 20 h – In Kooperation mit Ukukhanya
Mi, 11.4. – 20 h
Bamako
Abderrahmane Sissako, Mali / Frankreich 2006, 115 Min., OmU

Do, 12.4. – 20 h
Fr, 13.4. – 20 h – In Kooperation mit der Deutsch-Iberoamerikanischen Gesellschaft
Sa, 14.4. - So, 15.4. – 20 h
Play
Alicia Scherson, Chile 2005, 105 Min., OmU

Mo, 16.4. – 18 h – young (e) motion
Di, 17.4. - Mi, 18.4. – 20 h
Das Fräulein
Andrea Staka, Schweiz / Deutschland 2006, 81 Min., OmU

Do, 19.4. – 20 h – delicatessen Kino Kultur digital
Do, 26.4. – 18 h – delicatessen Kino Kultur digital
Der Unbequeme – Der Dichter Günter Grass
Sigrun Matthiesen & Nadja Frenz, Deutschland 2006, 87 Min.

Fr, 20.4. – 20 h
Flüchtlinge – Eine Frage der Zeit
Themen-Abend mit Filmen zur Situation der Flüchtlinge im Nachkriegsdeutschland. Referent: Heiner Roß (Hamburg), Mitbegründer der Kinos ARSENAL (Berlin) und METROPOLIS (Hamburg)

Sa, 21.4. - So, 22.4. – 20 h
Alice in den Städten
Wim Wenders, Deutschland 1973, 112 Min., s/w

Mo, 23.4. – 19 h – Festival des polnischen Films
Dein Name ist Justine (Masz na imie Justine)
Franco de Peña, Polen 2006, 97 Min., OmeU

Di, 24.4. - Mi, 25.4. – 20 h
Im Lauf der Zeit
Wim Wenders, Deutschland 1975, 175 Min., s/w

Do, 26.4. - So, 29.4. – 20 h
Schnitzelparadies
Martin Koolhoven, Niederlande 2005, 85 Min., OmU

Mo, 30.4. – 18 h – young (e) motion
Pingpong
Matthias Luthardt, Deutschland 2006, 89 Min.

Kinderkino im Kommunalen Kino

Fr, 16.3. – 16 Uhr – ab 6
Ikingut – Die Kraft der Freundschaft (Ikingut)
Island/ Norwegen/ Dänemark, 2000, 85 Min., DF, R: Gisli Snaer Erlingsson

Fr, 23.3. – 16 Uhr
Das magische Schwert - Die Legende von Camelot (The Magic Sword: Quest for Camelot)
USA, 1998, 85 Min., Zeichentrickfilm, DF, R: Frederik du Chau

Fr, 30.3. – 16 Uhr
Die geheimnisvolle Minusch (Minoes)
Niederlande, 2001, 86 Min., DF, R: Vincent Bal

Fr, 6.4. – 16 Uhr – empfohlen ab 6
Küken für Kairo
Arend Agthe, Deutschland 1985, 68 Min.

Fr, 13.4. – 16 Uhr – empfohlen ab 6
Mongolian Ping Pong
Lü Cao Di, VR China 2005, 105 Min.

Fr, 20.4. – 16 Uhr – empfohlen ab 8
Das Geheimnis des blauen Schmetterlings
Léa Pool, Kanada/GB 2003, 94 Min.

Fr, 27.4. – 16 Uhr – empfohlen ab 5
Tobias Totz und sein Löwe
Piet de Rycker, Thilo Graf Rotzkirch, Deutschland 1999, 72 Min.

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aufgemerkt – Veranstaltungs- und andere Tipps
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Touch & Try Event am 20. April im Holsteiner in Kiel

Adobe, Canon und Wacom präsentieren am 20. April von 11 bis 17 Uhr die neuesten Produkte für Web, Print, Publishing, Foto und Bildbearbeitung im Holsteiner in Kiel.

Die Veranstaltung ist jedem Kreativen frei zugänglich. In drei kostenlosen Vorträgen á 45 Minuten und an Demostationen, die von Adobe, Canon und Wacom personell besetzt sind, werden die Besucher über die neuesten Entwicklungen, Möglichkeiten und das Zusammenspiel der neuen Hard- und Software-Produkte informiert.

Die genaue Anschrift des Veranstaltungsortes ist: Holsteiner (beim Holstein-Stadion), Westring 501, 24106 Kiel.

Organisator ist die ComLine GmbH, Harrislee. Weitere Informationen folgen in der April-Ausgabe des Infomedia-Newsletters.

(nach einer Pressemitteilung der ComLine GmbH)