infomedia-sh.aktuell März 2006

Newsletter von infomedia-sh.de

Inhalt

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belichtet - Themenschwerpunkt:
56. Internationale Filmfestspiele Berlin - Berlinale 2006
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Preisträger der Berlinale 2006
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_preise.html

Die Berlinale als politisches Festival: Rückschau auf den Wettbewerb
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_wettbewerb.html

Volkstrauertag in deutschen Filmen
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_deutsche_filme.html

Wettbewerb

Psychogramm eines religiösen Wahns: „Requiem“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_requiem.html

Der Kreis schließt sich: „Find me guilty“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_find_me_guilty.html

Gelungener Kraftakt: „Der freie Wille“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_freie_wille.html

The Special Edition: „Pat Garrett and Billy The Kid“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_garrett.html

Forum

Nabelschau im Nebel: „Lenz“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_lenz.html

Mein fremdes Land: „My Country, My Country“ und „Aus der Ferne“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_my_country.html

Ungebrochener Überlebenswille: „Conversations on a Sunday Afternoon“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_conversations.html

Panorama

Das Erbe der Diktatur: „Jeder schweigt von etwas anderem“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_jeder_schweigt.html

Sittenbild der 50er: „The Notorious Bettie Page“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_bettie_page.html

Mehr Knall als hart: „Knallhart“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_knallhart.html

Entführt von Daisy, Kater Karlo und den Hundekackern: „Bye Bye Berlusconi!“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_berlusconi.html

Der Stasi ins Glas gepinkelt: „Der Rote Kakadu“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_rote_kakadu.html

Amerikanische Dokumentarfilme im Panorama:
„Matthew Barney: No Restraint“, „Dave Chappell’s Block Party“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_panorama_us.html

Perspektive Deutsches Kino

Persönlicher Blick hinter die Doping-Kulisse:
„Katharina Bullin - Und ich dachte ich wär’ die Größte“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_bullin.html

Kunst als Krimi: „Wholetrain“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_wholetrain.html

Liebeserklärungen an einen Sport: „Warum halb vier?“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_warum_halb_vier.html

German Cinema

Mitten ins Kino-Tor: „Eine andere Liga“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_liga.html

Kinderfilmfest / 14plus

Mein Name ist Plotz! Hot-zen-plotz!: „Der Räuber Hotzenplotz“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_hotzenplotz.html

Geschichten von Sandra und Lilly: „Fyra Veckor i Juni“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_juni.html

Retrospektive

Frühes Hollywood-Plädoyer gegen die Todesstrafe: „I Want To Live!“
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/b_iwanttolive.html

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abgedreht – aktuelle Produktionen
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„Klassentreffen“ läuft in der ARD
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/klassentreffen.html

Sergei Loznitsas „Blockade“:
Nach Premiere in Rotterdam in die weite Festivalwelt
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/blockade_fesivals.html

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zugeschaut – Festivals
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Ausschreibung zur Kunstgriff Rolle – Dithmarscher Kurzfilmfest 2006
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/kunstgriffrolle.html

KurzFilmFestival Hamburg: Einsendeschluss naht
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/kurzfilmfest_hh.html

Teilnahmeaufruf für DOKU.ARTS –
Internationales Festival für Filme zur Kunst
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/dokuarts.html

Festivalkalender 2006
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/festivalkalender.html

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gefördert – Filmförderungs-News
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Kurze Kunst auf lockerer Leinwand:
Rückschau auf die Kurzfilmnacht im Kieler CinemaxX
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/kurzfilmnacht.html

Landesfilmförderung Schleswig-Holstein vergibt Fördermittel an 19 Projekte
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/kff_foerderung.html

Filmland Schleswig-Holstein: MSH entscheidet über Fördermittel
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/msh_foerderung.html

Studie belegt: Dokumentarfilm beliebter als gedacht
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/dokfilm_studie.html

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preisverdächtig – Film- und Medienwettbewerbe
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„Medienpreis Schleswig-Holstein“ –
Sieben junge Video- und Multimediaproduzenten in Neumünster ausgezeichnet
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/medienpreis_sh.html

VOTE NOW! Deutschlands bester Musik-Clip gesucht
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/oberhausen_muvi.html

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neuer dreh – Neue Medien und Medienwirtschaft in S.-H.
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ULR schreibt Pilotprojekt für Handy-TV aus
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/ulr_handy-tv.html

HAM und ULR kritisieren Referentenentwurf für einen Medienstaatsvertrag Hamburg und Schleswig-Holstein
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/ulr_ham_staatsvertrag.html

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auf die Plätze, Vorhang auf! – Kino-News
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Highlights im Kieler Traum-Kino
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/traumkino.html

Highlights im Hansafilmpalast
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/hansa.html

Highlights im Kieler KoKi
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/koki.html

„Kurzpässe“ – Die neue Kurzfilmrolle der KFA kommt im April ins Kino
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/kurzpaesse.html

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aufgemerkt – Veranstaltungs- und andere Tipps
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Buchkritik: „Mythen – Mütter – Maschinen. Das Universum des James Cameron“, herausgegeben von Eckhard Pabst
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/cameron_buch.html

Auf schmalem Grat – Copyright und Rechte: Dokville 2006
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/dokville.html

Diagonale: Lecture mit dem dänischen Autor und Dramaturgen Mogens Rukov
http://www.infomedia-sh.de/aktuell/0603/rukov.html

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Impressum

infomedia-sh.de wird herausgegeben von der Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein e.V.
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Konzeption:

Dr. Christoph Corves, Dokufaktur
http://www.dokufaktur.de
mailto:info@dokufaktur.de

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belichtet - Themenschwerpunkt:
56. Internationale Filmfestspiele Berlin - Berlinale 2006
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Preisträger der Berlinale 2006

Preise der internationalen Jury

Goldener Bär 2006
„Grbavica“ von Jasmila Zbanic

Silberner Bär - Großer Preis der Jury 2006 (ex aequo)
„En Soap / Eine Soap“ von Pernille Fischer Christensen und „Offside“ von Jafar Panahi

Silberner Bär - Beste Regie 2006
Michael Winterbottom und Mat Whitecross für den Film „The Road To Guantánamo“

Silberner Bär - Beste Darstellerin 2006
Sandra Hüller in „Requiem“ von Hans-Christian Schmid

Silberner Bär - Bester Darsteller 2006
Moritz Bleibtreu in „Elementarteilchen“ von Oskar Roehler

Silberner Bär - Für eine künstlerische Leistung 2006
Jürgen Vogel als Schauspieler, Co-Autor und Co-Produzent des Films „Der freie Wille“ von Matthias Glasner

Silberner Bär - Beste Filmmusik 2006
Peter Kam für die Musik in „Isabella“ von Pang Ho-Cheung

Alfred-Bauer-Preis 2006
„El custodio / Der Schatten“ von Rodrigo Moreno

Preis für den besten Erstlingsfilm

Auf der Berlinale 2006 wurde erstmals der Preis für den besten Erstlingsfilm vergeben. Eine dreiköpfige internationale Jury wählte aus dem Programm des Wettbewerbs, des Panoramas und der Sektion Kinderfilmfest/14plus den besten Debütfilm. Der Preis ist mit 25.000 Euro dotiert und wird von der Gesellschaft zur Wahrnehmung von Film- und Fernsehrechten (GWFF) gestiftet. Regisseur und Produzent des ausgezeichneten Films teilen sich das Preisgeld.

Der Preis für den Besten Erstlingsfilm geht an: „En Soap / Eine Soap“, Regie: Pernille Fischer Christensen, Produzent: Lars Bredo Rahbek.

Die Jury hat einstimmig entschieden, diesen Preis an einen zutiefst menschlichen Film zu geben, der uns Werte wie Nächstenliebe und Toleranz auf erfrischend unaufdringliche Art und Weise näher bringt. Er hat uns überzeugt durch seine pure und kraftvolle filmische Vision, die von herausragenden Schauspielern und einer feinfühligen Regie getragen wird.

Preise der internationalen Kurzfilmjury

Die Internationale Kurzfilmjury vergibt die Hauptpreise im Kurzfilmwettbewerb: den Goldenen Bären an den besten Film und einen Silbernen Bären als Preis der Jury. Sie setzt sich zusammen aus drei Persönlichkeiten des internationalen Films, deren Arbeit mit dem Kurzfilmgenre verbunden ist.

Auch in der Sektion Panorama vergibt diese Jury Preise. Unter den 20 bis 25 Kurzfilmen, die das Panorama jedes Jahr präsentiert, wird einer als „Bester Kurzfilm“ ausgezeichnet. Darüber hinaus vergibt die Internationale Kurzfilmjury 2006 im Panorama erstmals den DAAD Kurzfilmpreis, der mit einem dreimonatigen Stipendium und einer Projektförderung für den Regisseur bzw. die Regisseurin durch das Berliner Künstlerprogramm des DAAD verbunden ist. Der DAAD Kurzfilmpreis geht an einen künstlerisch außergewöhnlichen und in seiner Bildsprache unkonventionellen Film des Panorama Kurzfilmprogramms.

Der mit 2.000 Euro dotierte Prix UIP wird ebenfalls von der Internationalen Kurzfilmjury vergeben. Er geht an den besten europäischen Kurzfilm aus den Programmen des Wettbewerbs und des Panoramas und bedeutet die automatische Nominierung für den Europäischen Filmpreis.

Goldener Bär für den besten Kurzfilm
„Aldrig so första gängen! / Nie wie beim ersten Mal!“ von Jonas Odell

Preis der Jury – Silberner Bär (ex aequo)
„Gratte-Papier / Schreiberling“ von Guillaume Martinez und „Our Man in Nirvana“ von Jan Koester. Lobende Erwähnung: „El dia que mori / Der Tag, an dem ich starb“ von Maryam Keshavarz.

Panorama Kurzfilmpreis
„Tes cheveux noirs Ihsan / Dein dunkles Haar Ihsan“ von Tala Hadid

Prix UIP Berlin
Eine Initiative von UIP und der Europäischen Filmakademie in Kooperation mit den Internationalen Filmfestspielen Berlin. Der Gewinner wird aus den Kurzfilmen des Wettbewerbs und des Panoramas gewählt. Die Internationale Kurzfilm Jury vergibt den Prix UIP Berlin an: „El Cerco / Der Kreis“ von Ricardo Íscar und Nacho Martín.

DAAD-Kurzfilmpreis
„Barburot“ von Rony Sasson

Preise des Kinderfilmfests/14plus

Im Rahmen von Kinderfilmfest und 14plus werden mehrere Preise vergeben, sowohl an Kurz- wie an Langfilme. Drei verschiedene Jurys geben hier ihre Voten ab:

Preise der Kinderjury 2006

Gläserner Bär für den besten Spielfilm
„Drømmen“ / Der Traum“ von Niels Arden Oplev
Jurybegründung: „’I have a dream!’ – So wie Martin Luther King hat auch der Hauptdarsteller des Films den Traum, die Menschenwürde in den strengen Prinzipien der alten Zeit nicht untergehen zu lassen. Uns hat die Darstellung des Zeitenwechsels, die hervorragende Leistung der Schauspieler und die rührende Geschichte sehr bewegt.“ Lobende Erwähnung: „Ang Pagdadalaga Ni Maximo Oliveiros / Maximo Oliveros blüht auf“ von Auraeus Solito.

Gläserner Bär für den besten Kurzfilm
„Aldrig En Absoultion / Niemals eine Absolution“ von Cameron B. Alyasin
Begründung der Jury: „Dieser Film bringt uns ein wichtiges Thema nahe, vor dem leider oft die Augen verschlossen werden. Er zeigt uns eine harte Realität auf schonungslose und bewegende Weise. Die hervorragende Leistung des jungen Hauptdarstellers und die überwältigende Musik, die seinen inneren Kampf so gut widerspiegelt und uns zum Handeln auffordert, machen diesen Film zu unserem klaren Sieger.“ Lobende Erwähnung: „O Kleftis / Der Dieb“ von Irina Boiko.

Preise der Jugendjury 2006

Gläserner Bär für den besten Spielfilm
„Fyra Veckor i Juni / Vier Wochen im Juni“ von Henry Meyer
Begründung der Jury: „Die humorvolle und zugleich berührende Geschichte einer Beziehung zwischen Jung und Alt hat uns überzeugt und nachdenklich gestimmt. Das Aufeinandertreffen von Zukunft und Vergangenheit verkörpern in diesem Film zwei hervorragende Schauspieler in wundervollen Dialogen.“ Lobende Erwähnung: „Kamataki“ von Claude Gagnon.

Preise der Internationalen Jury des 29. Kinderfilmfestes

Großer Preis des Deutschen Kinderhilfswerkes
„Ang Pagdadalaga Ni Maximo Oliveros / Maximo Oliveros blüht auf“ von Auraeus Solito
Begründung der Jury: „Der Film zeigt eine herausfordernde Geschichte über Liebe und Enttäuschung, Tragik und Hoffnung. Sie wird mit einfachen Mitteln erzählt und hinterlässt dennoch einen nachhaltigen Eindruck.“ Lobende Erwähnung: „Jestem / Ich bin“ von Dorota Kedzierzawsk.

Spezialpreis des Deutschen Kinderhilfswerkes für den besten Kurzfilm
„Wei Xiao Der Yu / Der lächelnde Fisch“ von C. Jay Shih, Alan I. Tuan and Poliang Lin
Begründung der Jury: „Wenn man jemanden befreit, bekommt man auch selbst die Freiheit geschenkt. Ein scheinbar einfacher, aber wundervoll gemachter Film erinnert uns, unsere Herzen für diese Wahrheit zu öffnen. Dieser Film ist etwas Besonderes für jedes Alter.“ Lobende Erwähnung: „Vika“ von Tsivia Barkai.

Preise der ökumenischen Jury

Hauptpreis für einen Film aus dem Wettbewerb
„Grbavica“ von Jasmila Zbanic
Begründung der Jury: „Für seine einfühlende und vorurteilsfreie Erzählweise, für seine Darstellung von menschlicher Verletzbarkeit und der Kraft der Liebe, Hass und Gewalt zu überwinden, für seine sensible Darstellung der universalen Problematik der Versöhnung.“

Hauptpreis für einen Film aus dem Panorama
„Komornik / Der Gerichtsvollzieher“ von Feliks Falk
Begründung der Jury: „Für ein genaues Portrait des aktuellen politischen Wandels in Polen, das zugleich eine ethisch eindringliche Geschichte über die universale Problematik der Korruption erzählt. Für die hohe künstlerische Qualität der Darstellung von Gerechtigkeit und Menschenwürde.“

Hauptpreis für einen Film aus dem Forum
„Conversations on a Sunday afternoon“ von Khalo Matabane
Begründung der Jury: „Für eine formal gelungene und inhaltlich eindrucksvolle Dokumentation der Situation von Kriegsflüchtlingen aus aller Welt, die in Johannesburg leben.“

Preise der FIPRESCI

Preis für einen Film aus dem Wettbewerb
„Requiem“ von Hans-Christian Schmid

Preis für einen Film aus dem Panorama
„Knallhart“ von Detlev Buck

Preis für einen Film aus dem Forum
„In Between Days“ von So Yong Kim

Preis der Gilde deutscher Filmkunsttheater

„Der Freie Wille“ von Matthias Glasner

Preise der C.I.C.A.E.
(Confédération Internationale des Cinémas D’Art et Essai)

Preis der Panorama-Jury
„Kan Shang Qu Hen Mei / Little Red Flowers“ von Zhang Yuan

Preis der der Forum-Jury
„Karov la bayit / Close to Home“ von Dalia Hager und Vidi Bilu
Begründung der Jury: „Der Film erzählt von einer Seite der Realität im Zentrum eines bedeutenden politischen Konflikts, die wir noch nicht gesehen haben – junge Frauen in der Armee. Dank sehr guter Besetzung, Schauspiels und Fotografie können wir uns in die höchst unterschiedlichen weiblichen Charaktere einfühlen. Die Regisseurinnen ergreifen für keine Seite Partei, weder für die israelische noch die palästinensische, sondern haben einen menschlichen Zugang gewählt, um zu zeigen, welche Auswirkungen Angst und Hierarchien auf junge Frauen haben. Auf realistische und unsentimentale Weise beobachtet der Film die Atmosphäre in Jerusalem sehr genau, macht Freude beim Sehen und ist für ein europäisches Publikum zu empfehlen.“

Label Europa Cinemas

„Knallhart“ von Detlev Buck

Manfred-Salzgeber-Preis

Der Preis ist nach dem langjährigen Leiter des Panorama und Mitgestalter des Festivals, Manfred Salzgeber, benannt. Er geht an:
„Bubot Niyar / Paper Dolls“ von Tomer Heymann

Panorama Publikumspreis

Publikumspreis für einen Langfilm
„Bubot Niyar / Paper Dolls“ von Tomer Heymann

Publikumspreis für einen Kurzfilm
„Hayelet Bodeda / Die Stellvertreterin“ von Talya Lavie

TEDDY Awards

TEDDY für den besten Spielfilm
dotiert mit 3.000 Euro, gestiftet vom TEDDY e.V. mit Unterstützung der Berliner schwul-lesbischen Szene und ihrer diversen Spenderinnen und Spender:
„Ang Pagdadalaga Ni Maximo Oliveros / Maximo Oliveros blüht auf“ von Auraeus Solito
Begründung der Jury: „Für das amüsante und überzeugende Portrait eines außergewöhnlichen Jungen, der in einer verständnisvollen und toleranten Umgebung lebt.“

TEDDY für den besten Dokumentarfilm
dotiert mit 3.000 Euro, gestiftet vom schwul-lesbischen Förderverein elledorado e.V., Berlin:
„Au-delà de la haine / Beyond Hatred“ von Olivier Meyrou
Begründung der Jury: „Für die detailgetreue Darstellung und als tiefgründiges Beispiel menschlicher Gerechtigkeit im Angesicht antischwuler Gewalt.“

TEDDY für den besten Kurzfilm
dotiert mit 3.000 Euro, gestiftet von der Brauerei Berliner Pilsener:
„El dia que mori / Der Tag, an dem ich starb“ von Maryam Keshavarz
Begründung der Jury: „Für die komplexe und subtile Erzählweise der Geschichte eines jungen Mädchens, das zum ersten Mal Liebe und Liebeskummer erfährt.“

TEDDY Jury Award
dotiert mit 3.000 Euro, gestiftet vom Delphi Filmverleih:
„Combat“ von Patrick Carpentier
Begründung der Jury: „Für die herausragende künstlerische Qualität und die ehrliche Darstellung ungefestigten Verlangens.“

Dialogue en perspective

Initiiert wurde der Preis „Dialogue en perspective“ vom französischen Fernsehsender TV 5 zusammen mit dem Deutsch-Französischen Jugendwerk und den Internationalen Filmfestspielen Berlin. Der Preis geht an einen herausragenden Beitrag in der Sektion Perspektive Deutsches Kino. Der Preis geht an:
„Der Lebensversicherer“ von Bülent Akinci. Lobende Erwähnung: „Wholetrain“ von Florian Gaag.

Wolfgang-Staudte-Preis

Der Preis wird von einer dreiköpfigen Jury an einen Film des Forum verliehen. Er ist mit 10.000 Euro dotiert. Der Preis ist benannt nach dem deutschen Nachkriegsregisseur und Drehbuchautor Wolfgang Staudte. Der Preis geht an:
„Babooska“ von Tizza Covi und Rainer Frimmel
Begründung der Jury: „Für seine ehrliche, diskrete und warmherzige Art, Personen zu porträtieren, und für die Vermittlung sehr wahrer, emotionaler und lustiger Momente aus dem Alltag.“

Caligari-Filmpreis

„37 Uses For a Dead Sheep“ von Ben Hopkins
Begründung der Jury: „In seinem ersten langen Dokumentarfilm „37 Uses for a Dead Sheep“ porträtiert Ben Hopkins auf ungewöhnliche Weise die Odyssee des vergessenen Stammes der Pamirkirgisen in Zentralasien. Anhand origineller Porträts zeigt der Film die tragischen, aber auch amüsanten Facetten einer Volksgruppe, die zwischen mächtigen Nachbarn aufgerieben zu werden droht. In einem durchaus selbstironischen Spagat zwischen Dokumentation, Abenteuerfilm und Anekdotensammlung gelingt es dem Film nicht nur, die lange Migrations- und Vertreibungsgeschichte der Pamirkirgisen vor Augen zu führen, sondern auch – en passant – das Abenteuer des Filmemachens selbst zu reflektieren. Die Protagonisten werden darüber zu den Darstellern ihrer eigenen Wirklichkeit. Die Wahrhaftigkeit des Films beruht zu großen Teilen auf dem Witz, der Spielfreude und dem Humor seiner „Helden“. Mit leichter Hand jongliert Hopkins mit den Formaten von Super 8 bis Digi Beta und schafft dabei ein charmantes und hintergründiges Filmvergnügen.“

NETPAC-Preis

Das „Network for the Promotion of Asian Cinema“ (NETPAC) ist ein Zusammenschluss von Festivalorganisatoren und Filmkritikern, die sich die Förderung des asiatischen Films zum Ziel gesetzt haben. Die Jury sichtet asiatische Filme im Programm des Forum. Der Preis geht an:
„Dear Pyongyang“ von Yang Yong-hi
Begründung der Jury: „Der NETPAC-Preis 2006 geht an „Dear Pyongyang“, der ein wenig bekanntes Kapitel asiatischer Geschichte und Politik untersucht. Er wirft einen aufrichtigen und unerschrockenen Blick auf ein Familienleben mit einem Vater, der überzeugter Marxist ist. Dabei zeigt er das Dilemma, in einer marxistischen Familie aufzuwachsen, die gleichzeitig kapitalistische Werte hochhält. Der Film gibt Antwort auf die ewige Frage, warum Menschen totalitären Ideologien anhängen und wie sie damit leben. Dieser Dokumentarfilm verflechtet auf außergewöhnlich geschickte Art eine tragische private Geschichte mit der nationalen Geschichte. Er zeigt, wie Menschen um jeden Preis an ihren Vorstellungen festhalten.“

Amnesty International Filmpreis

„U Nergiz Biskivin / Narcissus Blossom“ von Masoud Arif Salih und Hussein Hassan Ali

Femina-Film-Preis

Der Verband der Filmarbeiterinnen e.V. vergibt jährlich den Femina-Film-Preis. Der Preis ehrt „hervorragende künstlerische Leistungen einer Technikerin“ in einem deutschsprachigen Spielfilm im Bereich Ausstattung, Kamera, Kostüm, Musik oder Schnitt. Der Preis geht an:
Yasmin Khalifa und Carola Gauster für ihre Arbeit als Szenenbildnerinnen im Film „Bye Bye Berlusconi!“ von Jan Henrik Stahlberg.

Leserpreis der „Berliner Zeitung“

„Kimyo na sakasu / Strange Circus“ von Sono Sion
Begründung der Jury: „Der Film zeigt in surrealen, verstörenden Bildern die Inzest-Beziehung eines Vaters zu seiner Tochter. Sono schafft es, dieses furchtbare Verbrechen filmisch so zu entwickeln, dass der Zuschauer immer wieder vor neuen Rätseln steht, die aufzulösen aber keine Erlösung bringen. Der Film endet in einer schrecklichen Katastrophe. Die Schauspieler und die Kameraführung sind von einzigartiger, künstlerischer Intensität. Farbenspiel und Ausstattung des Films sind von ungeheurer Kraft, so dass der Film nachhaltig im Gedächtnis bleibt.“

Leserjury-Preis der „Berliner Morgenpost“

Fünfundzwanzig Leser der Berliner Morgenpost bilden die Jury, die ihren Preis an einen Film im Wettbewerb vergibt. Der Preis geht an:
„A Prairie Home Companion“ von Robert Altman

Preise des Berlinale Talent Campus

Volkswagen Score Competition Award
Alasdair Reid (UK)

Berlin Today Award
„Berlin Ball“ von Anna Azevedo

Talent Movie of the Week
„High Maintenance“ von Philip Van (USA)

Goldener Ehrenbär

Mit einem Goldenen Ehrenbären würdigt die Berlinale bedeutende Persönlichkeiten des Films. Die Auszeichnung wird für ein herausragendes künstlerisches Lebenswerk verliehen und geht regelmäßig an den Ehrengast der Hommage. Es können aber auch weitere Goldene Ehrenbären unabhängig von der Hommage verliehen werden. Optisch gleicht der Ehrenbär dem Goldenen Bären, der als Hauptpreis des Festivals vergeben wird. Die Berlinale ehrt in diesem Jahr den polnischen Regisseur und Drehbuchautor Andrzej Wajda und den britischen Schauspieler Sir Ian McKellen mit einem Goldenen Ehrenbären für ihr Lebenswerk.

Berlinale Kamera

Die Berlinale Kamera ist eine Auszeichnung für Persönlichkeiten, denen sich die Berlinale auf besondere Weise verbunden fühlt. Mit dieser Ehrung sagen die Filmfestspiele Danke denjenigen, die durch ihre Arbeit zu Freunden und Förderern des Festivals geworden sind. Die Berlinale Kamera wird seit 1986 verliehen und seit dem Jahr 2004 von dem Düsseldorfer Juwelier Georg Hornemann gestiftet. Stifter von 1986 bis 2003 war der Berliner Juwelier David Goldberg. Mit einer Berlinale Kamera werden in diesem Jahr der Kameramann Michael Ballhaus, der Regisseur Jürgen Böttcher (als Maler unter dem Namen Strawalde bekannt) und der MoMa-Kurator Laurence Kardish geehrt.

(nach Pressemitteilungen der Berlinale)

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Die Berlinale als politisches Festival: Rückschau auf den Wettbewerb

56. Internationale Filmfestspiele Berlin. Was bleibt nach 10 Tagen voller Filme zurück an Eindrücken und Erinnerungen? Da war zunächst einmal schon im Vorfeld das Jubilieren über den deutschen Film, das sich dann auf der Berlinale zu bestätigen schien. Der deutsche Film war hier so präsent und so gepriesen wie seit etlichen Jahren nicht mehr. Weitaus wichtiger und nachhaltiger scheint jedoch die Tatsache, dass sich das Festival wieder stärker als ein politisches in der Medienöffentlichkeit zu etablieren vermochte. Dazu trugen neben spektakulären Filmen wie etwa „The Road to Guantánamo“ von Michael Winterbottom und „Syriana“ von Marc Evans mit George Clooney vor allem die kleinen, mehr leisen Filme wie das kleine persische Meisterwerk „Zemestan“ („It’s Winter“) von Rafi Pitts oder der bosnische Festivalgewinner „Grbavica“ von Jasmila Žbanić, aber auch Hans-Christian Schmids „Requiem“ bei. Allen ist gemeinsam, den Blick auf den Einzelnen als Opfer der gesellschaftlichen bzw. politischen Zustände zu öffnen.

Verstörend wie hoffnungslos Rafi Pitts das Schicksal seiner Protagonisten in seinem fast sprachlosen „Zemestan“ zeigt. Hart und perspektivlos scheint ihr Überlebenskampf als Arbeiter im Iran. Nur in der „Flucht“ als Fremdarbeiter ins Ausland sieht der arbeitslose Mokhtar noch eine Zukunft. Dass er dabei seine Frau Khatoun mit Kind in der Heimat zurücklassen muss, nimmt er klaglos hin. – Unglück macht stumm: Am Ende wird er ohne Trost gescheitert zurückkehren und sich das Leben nehmen. Auch der Anspruch des jungen unsteten Mechanikers Marhab, Khatouns zweitem Mann, dass sein Leben noch etwas anderes bieten müsste als die tägliche Arbeit, erfüllt sich kaum. Zu vermessen ist dieser Wunsch im trostlosen Überlebenskampf in einer öden Umwelt, die selbst dann, wenn der erbarmlose Winter nicht das Feld beherrscht, nur ein eisig kaltes Grau zu bieten hat.

Während Rafi Pitts neorealistische Geschichte von eindringlicher Symbolik zehrt und ihr Leid in ruhigen, bisweilen poetischen Bildern still auf die Leinwand bringt, setzt Michael Winterbottom in „The Road to Guantánamo“ auf die laute, unverblümte Anklage. Seine „Doku-Fiction“ erzählt von den Schicksalen dreier britischer Muslime, die unschuldig in Afghanistan gefangen genommen und ins illegale US-Gefängnis Guantánamo auf Kuba gebracht werden, wo sie zwei Jahre menschenunwürdig „behandelt“ werden. Als Opfer amerikanischer Willkür erzählen sie ihre Haftgeschichten von Rechtlosigkeit, Misshandlungen und Folter, die im Film spannend in Szene gesetzt werden. Die Verquickung von Dokumentarischem mit Fiktionalem (vor allem in den Gefechtsszenen im afghanischen Kundus, die bei manchem als Dokumentaraufnahmen „durchgehen“ mögen) stieß bei manchem Kritiker auf Unbehagen. Die überwiegende Mehrheit der Festivalbesucher hingegen konnte der Film in seiner nüchtern, realistischen Darstellung der völkerrechtswidrigen Methoden der Amerikaner in ihrem „Antiterror-Krieg“ überzeugen.

Hoch aktuell will uns auch „Syriana“ von Marc Evans die Welt, sprich: die Folgen der Globalisierung erklären. In einem spannenden, aber überkonstruierten Lehrstück über die Verquickung von Wirtschaft und Politik erfährt der Zuschauer, in welch unlösbaren Abhängigkeiten vom US-Kapital die Ölförderländer des Nahen Ostens stecken, wie kurz der Weg von Idealen zum Terrorismus sein kann und welche fatale Rolle der US-Geheimdienst auch in der Weltwirtschaft spielt. Leider versucht der Drehbuchautor Stephen Gaghan, der mit „Traffic“ einen Drehbuch-Oscar gewonnen hat, das gleiche Rezept der Handlungsverwirrung wie bei „Traffic“ noch einmal anzuwenden, was nicht gerade zur Übersichtlichkeit und zum Gesamtverständnis des Films beiträgt. Gemäß dem Motto „Warum denn einfach, wenn’s auch kompliziert geht?“ besteht der Plot aus fünf verschiedenen Stories, die so extrem ineinander geschnitten werden, das man nicht selten den Überblick verliert.

Neben „Syriana“ waren die USA im Wettbewerbsprogramm außer mit dem Biopic „Capote“ von Bennett Miller, in dem Philip Seymour Hoffman in der Titelrolle sein Meisterstück ablieferte, noch mit drei Filmen von Regie-Altmeistern vertreten. Sidney Lumet erinnerte mit dem Gerichtsfilm „Find me guilty“ erfolgreich an sein erstes Meisterwerk „Die zwölf Geschworenen“, Robert Altman brillierte mit solch einer Leichtigkeit in seiner Country-Song-Hommage „A Prairie Home Companion“, dass er von vielen als erster Anwärter auf den Goldenen Bären angesehen wurde, und Terrence Malick spaltete mit seinen vierten Film „The New World“ die Zuschauergemeinde in ihrem Urteil. Begeisterung und Ablehnung hielten sich die Waage für seinen Pocahontas-Film, der in beeindruckenden Bildern den Blick freigibt auf eine fremde Welt im Amerika vor 400 Jahren. Mag sein Film zwischen Traumzeit und Zivilisation auch nicht an die poetische Dichte und zivilisationskritische Mächtigkeit von „The Thin Red Line“ („Der schmale Grat“) heranreichen, für den er 1999 den Goldenen Bären gewann, so überragt er doch aufgrund seiner opulenten Bildästhetik und ruhigen Nachdenklichkeit viele Filme des Wettbewerbs.

Bei einigen anderen Filmen fragte man sich hingegen, warum sie ausgerechnet im Wettbewerb laufen mussten. Oskar Röhlers „Elementarteilchen“ ist so ein Film. Gerne hätte man statt dessen Detlef Bucks Neuköllnisches Sozialdrama „Knallhart“, das dem Regisseur ein erfolgreiches Comeback bescherte, im Festivalpalast gesehen. Doch „Knallhart“ musste wie so viele andere sehenswerte Filme mit dem Panorama-Platz im Zoopalast vorlieb nehmen. Dem Panorama war es nur recht. Hat es sich doch schon längst neben Wettbewerb und Forum als dritte Hauptsektion, die in ihrem Special neben ausländischen Highlights besonders mit deutschen Uraufführungen von sich reden macht (heuer noch mit: „Bye Bye Berlusconi!“, „Der Rote Kakadu“ und „Komm näher“), erfolgreich etabliert. (Helmut Schulzeck)

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Volkstrauertag in deutschen Filmen

„Komm näher“ (Vanessa Jopp, D 2005),
„Vier Fenster“ (Christian Moris Müller, D 2005),
„Requiem“ (Hans-Christian Schmid, D 2006),
„Sehnsucht” (Valeska Grisebach, D 2005)

Mit vielen Vorschusslorbeeren wurden die deutschen Filme schon vor der Berlinale bedacht, frei nach dem Motto „Wir sind wieder wer“. Nun, beim „sich selber auf die Schulter Klopfen“ gehörte die deutsche Filmbranche schon immer zu den ganz Großen, und seit Dieter Kosslick Festivaldirektor ist, spielt auch die hiesige Presse mit. So feierte dann das Wir-Gefühl auch heuer wieder ungeahnte Urstände und kritikarme Hofberichterstattung wirkte auch dann allenthalben deshalb so unverdächtig, weil selbst so verdiente Sender wie 3Sat (zusammen mit dem ZDF einer der Hauptsponsoren des Festivals) fleißige PR-Arbeit mit Presseberichterstattung verwechselten.

Mehr als 50 deutsche Filme im Festivalprogramm, darunter gleich vier im Wettbewerb, schienen zu kühnsten Hoffnungen Anlass zu geben. Und auch nach dem Festival war die Freude groß. „Preisregen für deutsche Beiträge auf der Berlinale“, jubelte z.B. www.filmportal.de und meinte damit die beiden Silbernen Bären für Sandra Hüller („Requiem“) und Moritz Bleibtreu („Elementarteilchen“) als bester Darsteller sowie den Silbernen Bären für Jürgen Vogel für seine Gesamtleistung als Darsteller, Co-Autor und Produzent von „Der freie Wille“. Weshalb Bleibtreu den Silbernen Bären erhielt, mag für immer das Geheimnis der Jury bleiben. Oskar Roehlers „Elementarteilchen“, eine eher peinliche, dennoch streckenweise amüsante Klamotte, die in ihrem teutonischen Kitsch von Weitem an einige Simmel-Verfilmungen (von Alfred Vohrer) der 70er Jahre erinnert, wird damit aber leider unverdientermaßen noch mehr hochgejubelt, als es schon durch die Tatsache bewirkt wird, dass es sich um eine Verfilmung eines Romans von Michel Houellebecq handelt.

Wenn man unvoreingenommen viele deutsche Filme im winterlichen Berlin gesehen hat, fällt einem vor allem die trübe Grundstimmung, das Largo, der Pessimismus und die stabile, statische Hoffnungslosigkeit in ihnen auf. Der deutsche Spielfilm als trauriger Chronist des hiesigen gesellschaftlichen Seelenzustandes. Alles wirkt grau. Weltuntergangsstimmung verfeinert und made in Germany. Einen Ausweg scheint es kaum zu geben.

„Komm näher“ von Vanessa Jopp ist so ein Film dieses „Trends“, der das Eintrüben der gesellschaftlichen Befindlichkeit mit Lust entwickelt. Jopp hat Glück gehabt, nämlich ausnahmslos gute Darsteller, und die holen mit ihrem improvisierten, unmittelbaren Spiel noch viel heraus aus den drei dünnen Geschichtchen, die die Drehbuchautoren Adrienne Bartoli und Stefan Schneider erst während der Dreharbeiten erdacht haben und die nun relativ forciert und konstruiert verknüpft werden in diesem mit neun Vornominierungen für den Deutschen Filmpreis bedachten Film.

Das auf Dokudrama getrimmte Episoden-Tableau – gedreht mit zwei MiniDV-Kameras – ist im winterlichen, kleinbürgerlichen Berlin angesiedelt und erzählt von vereinsamten Menschen, die sich scheinbar am Schluss aus der Einsamkeit retten können. Mathilda (Meret Becker), unausgesprochen eine sichere „Hartz-4-Aspirantin“, lebt ihren Daseinsfrust in Borderline-verdächtigem, aggressivem Verhalten aus. Als sie sich in den Polizisten Bronski (Hinnerk Schönemann) verliebt, kommt sie nur schwer mit ihren Gefühlen zurecht. Ihre Schwester Ali (Stefanie Stappenbeck), die mit David (Marek Harloff) ein Kind hat, überfordert sich und ihre Partnerschaft, als sie weiterhin eine Karriere als Architektin anstrebt, was zur totalen Krise führt. Und als David von zu Hause ausbricht, steigt er ins Taxi von Andi (Fritz Roth), der über eine Kontaktanzeige die spröde Putzfrau Johanna (Heidrun Bartolomäus) kennen gelernt hat, mit deren Tochter Mandy (Marie-Luise Schramm) er sich ahnungslos via Telefonflirt amüsiert. Fast allen Personen ist gemeinsam, dass sie nur schwer einen Weg aus ihrer Isolation finden können und eher lebensunfähig vor sich hin dümpeln. Sie strampeln sich alle ab in diesem tristen Milieu aus Alt- und Neubauwohnung, Wurstbude, Kneipe, Polizeistation und Bürgersteig. Regisseurin Jopp erzählt, dass die Figuren sich beim Drehen selbstständig gemacht hätten. Schön für die Schauspieler, die sich mal so ausspielen konnten, schlecht für den Film, der doch oft an einer kaum vorhandenen Regie leidet. Früher hätte man von Proletarierschicksalen gesprochen. Doch gibt es die heute noch? – Na, vielleicht sollten wir den Film einfach und gerechterweise unter Sozial-Misere-Klischee-Gesuhle abhaken, mit angehängtem Happy End, versteht sich. Denn Mathilda bekommt trotz ihres soziopathischen Verhaltens den Polizisten; Ali findet endlich die Kraft sich von David zu trennen, den sie uneingestanden schon lange nicht mehr liebte, und Johanna wirft zwar ungerechterweise Andi aus ihrer Wohnung, kommt aber darüber ihrer spätpubertierenden Tochter endlich wieder nahe.

Noch so einen psycho-sozialen Volkstrauertagsfilm bekam man mit „Vier Fenster“ von Christian Moris Müller zu sehen. Auffällig waren wieder die guten Darstellerleistungen. Müller geht den Weg der strengsten Stilisierung vor den so beliebten öden Real-Kulissen: Mietskaserne, Pornokinokabinen, Kneipe, Herrentoilette. Da wirkt ja schon die U-Bahn-Station, in der sich der Vater täglich herumlümmelt, wie eine Erholung. Vater, Mutter, Sohn und Tochter weiden sich an der mühsam bemäntelten Familienkatastrophe. Wieder sind alle auf der Suche nach Nähe. Doch jeder macht den anderen etwas vor. Wieder sollen Sprachlosigkeit und Floskelschablonen allgemeine Ohnmacht belegen. Nicht der geringste Ausweg scheint sich in diesem Drama anzudeuten. Jeder leidet in seiner düsteren Einbahnstraße. Dem Zuschauer bleibt bestenfalls ein Depressionsgewinn, wenn er denn überhaupt mitleiden mag.

Ganz anders „Requiem“ von Hans-Christian Schmid. Eine junge Frau – ganz großartig: Sandra Hüller in ihrer ersten Filmhauptrolle – geht vor die Hunde. Kein trauriger Zustand wird filmisch „hingepackt“, sondern eine tragische Geschichte erzählt, die den Zuschauer packt. Dabei wird Leid nicht ausgestellt, sondern entsteht durch falsche Entscheidungen oder, wenn man so will, durch Rückständigkeit der Provinz. Es geht auch nicht um die spektakuläre Darstellung einer so genannten Teufelsaustreibung, sondern um das Schicksal einer jungen Studentin im Umgang mit ihrer psychischen Krankheit, ihre fehlgedeuteten Wahnvorstellungen und um eine Darstellung der deutschen Provinz Mitte der 70er Jahre in ihrer geistigen und sozialen Enge. Eine nicht geglückte Ablösung der Tochter von der gefühlskalten Mutter und falsche Hilfe führen ins Unglück, das schließlich wie naturgegeben von dem Opfer akzeptiert wird.

Letztlich unabdingbar hilflos präsentieren sich die Figuren in „Sehnsucht“ von Valeska Grisebach. Die Regisseurin versucht, mit Laiendarstellern dem wirklichen Leben auf die Spur zu kommen. Das Alltagsdrama eines ganz normalen „Ehebruchs“ wird in wortkarger Schlichtheit erzählt, die man den Protagonisten abnimmt. Ja, so könnte es wohl zugehen, denkt man hinterher. Aber was soll dieser Film in seiner minutiös nacherzählten Ereignislosigkeit im Kino? Langmut schützt nicht immer vor Langeweile. „Sehnsucht“ scheint doch eher geschaffen fürs Nachtprogramm des „Kleinen Fernsehspiels“ vom ZDF, das ihn ja auch mitproduziert hat, und das ihn schließlich nach 24 Uhr auch „versenden“ wird. Der Enthusiasmus von etlichen Festivalbesuchern in allen Ehren. Es müssen ja nicht ewig Blockbuster sein. Deshalb mag man die akademische Freude an dem ganz anderen verstehen, ohne an ihr teilhaben zu müssen. (Helmut Schulzeck)

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Wettbewerb

Psychogramm eines religiösen Wahns

„Requiem“ (Hans-Christian Schmid, D 2006)

Nach der humoristischen Betrachtung in „Nach fünf im Urwald“ und versteckt als Erzähl-Nebenstrang in „23“ konzentriert sich Schmids auf der Berlinale als letzter von vier deutschen Wettbewerbsbeiträgen aufgeführter Film „Requiem“ wieder auf die Folgen elterlicher Übervormundung gepaart mit religiösem Eifer. Im Vorspann wird bereits darauf hingewiesen, dass der Film auf einer tatsächlichen Begebenheit Anfang der 70er Jahre beruht, die Figuren und die Geschichte aber frei erfunden sind. Damit machen sich Regisseur Hans-Christian Schmid und Autor Bernd Lange von den Fesseln der Authentizität frei, verweisen aber gleichzeitig auf die Wirklichkeitsnähe ihrer Studie.

Die 21-jährige Michaela (Sandra Hüller) bekommt die Zulassung zum Pädagogik-Studium in Tübingen. Vater Karl freut sich mit der Tochter, doch Mutter Marianne möchte die Tochter nicht aus dem Haus lassen. Die Epilepsie-Anfälle, die Michaela zusätzliche Schuljahre gekostet haben, benutzt die Mutter als Rechtfertigung, die Tochter weiter im streng katholischen Elternhaus zu halten. Doch Michaela setzt sich mit Hilfe des Vaters durch und beginnt ihr Studium. Schnell findet sie in ihrer einstigen Schulkameradin Hannah eine Freundin und in Stefan ihren ersten Geliebten. Sie genießt die Befreiung aus der kleinbürgerlichen Enge. Als sie im Studentenwohnheim einen epileptischen Anfall erleidet, kann sie Hannah ihre Krankengeschichte nicht länger verschweigen. Auf einer Pilgerfahrt erleidet sie einen weiteren Anfall, doch diesmal wird er von Visionen begleitet. Als Micheala Rat beim Dorfpfarrer sucht, rät der zu einem Psychiater und weist übersinnliche Erklärungen zurück. Michaela allerdings glaubt bereits an eine Besessenheit. Wenig später stellt der Pfarrer ihr einen jungen Kollegen vor, der sie zunächst mit einem langen, ausschließlich um eine spirituelle Lösung bemühten Gespräch beruhigen kann. Doch Michaelas psychische Verfassung verschlechtert sich zusehends. Als die Anfälle häufiger und heftiger werden, fährt Stefan Michaela statt in die Klinik zum Elternhaus. Die Eltern greifen auf die Hilfe des jungen Pfarrers zurück, der einen Exorzismus vornimmt. Hannah unternimmt einen letzten Versuch, Michaela zu überzeugen, dass Elternhaus zu verlassen. Doch Michaela glaubt fest daran, dass der Exorzismus ihre Dämone austreibt.

Ein hervorragendes Ensemble erweckt die Figuren zum Leben, schmerzhaft werden eigene Auseinandersetzungen mit den Eltern ins Gedächtnis gerufen. Burkhardt Klaußner gibt einen Vater, der aus seiner eigenen Ehe nicht fliehen kann und seiner Tochter die Flucht aus dem Elternhaus umso mehr ermöglichen möchte. Ein schönes Detail, dass er ein Hörgerät trägt, weil er vielleicht die herausgepeitschten Vorwürfe seiner Frau nicht mehr hören kann oder will. Imogen Kogge gibt eine unglaublich intensive Mutterfigur, die ihre Tochter mit einer Mischung aus Frömmigkeit, spießbürgerlicher Moral und einengender Sorge in einem unsichtbaren Gefängnis hält, aus dem es für Michaela kein Entkommen geben wird. Imogen Kogge meistert die schwere Aufgabe, die hauptsächliche Ursache für Michaelas „Dämonen“ zu personifizieren, in nur wenigen Szenen mit sparsamstem Dialog. Sie entwirft ihre Marianne Klinger trotzdem nicht als hassenswertes Zerrbild sondern als plausiblen Charakter. Sandra Hüller ist sicher die Berlinale-Entdeckung für den deutschen Film. Die Intensität mit der sie die Steigerung vom zunächst stillen Leiden und religiöser Ereiferung über die bewusste Rebellion gegen das Elternhaus bis hin zu den epileptischen Anfällen und religiösen Wahnvorstellungen spielt, ist überwältigend.

„Requiem“ ist in allen Bereichen von Erfahrung und Qualität bestimmt. Die Story hat keine Hänger, lässt allen Figuren Raum, sich in einer ausreichenden Tiefe zu entwickeln. Der Höhepunkt des Familienkonflikts ist das Weihnachtsfest, an dem die Tochter mit neuem Selbstbewusstsein ins Elternhaus zurückkehrt, nur um von ihrer abweisenden Mutter noch tiefer in den Wahn gestoßen zu werden. Da serviert Lange solche Zeilen der Mutter wie „Du bist und bleibst eine Klingler“ oder „Du läufst mir nicht wie ein Flüchtlingskind rum“ oder die Beschwichtigung des Vaters „Jetzt ist gut! Nicht an Weihnachten!“ Das sind Sätze, die manchem deutschen Zuschauer nicht so unbekannt vorkommen werden und das Verhältnis ganzer Generationen definieren. Schmid inszeniert dieses Buch meisterhaft, holt auch aus einfachen Bildern wie der auf ihrer ersten Studentenfete tanzenden Michaela viel Vorahnung heraus. Wenn er den Film mit Michaela und Hannah auf einem Hügel mit Blick auf bestelltes Land und Michaelas bekundeter Hingabe an die Teufelsaustreibung enden lässt, dann ist das stärker und poetischer, als Michaelas Tod in Bildern zu schildern.

Schmid gelingt eine glaubwürdige und mitreißende Studie über eine sensible junge Frau, die zu spät aus der beklemmenden Enge ihres Elternhauses entkommen kann. Die katholisch geprägte religiöse Fixierung seiner Heldin ist dabei wahrscheinlich kein Verweis auf die zunehmenden globalen „Glaubenskriege“. Vielmehr betrachten Schmid und Lange den Generationenkonflikt der von Angst und Sicherheitsdenken geprägten Kriegsgeneration und ihrer Kinder. „Requiem“ gemahnt aber auch daran, dass selbst Eltern und engste Freunde hilflos sind, wenn es um Heilung einer psychischen Krankheit geht. „Requiem“ ist einer von drei (ausgenommen der wenig überzeugende „Elementarteilchen“) starken deutschen Beiträgen im Wettbewerb dieser Berlinale. (dakro)

Requiem, D 2006, 93 Min., 35 mm. Buch: Bernd Lange, Regie: Hans-Christian Schmid, Darsteller: Sandra Hüller, Burkhardt Klaußner, Imogen Kogge u.a.

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Der Kreis schließt sich

„Find me guilty“ (Sidney Lumet, USA 2005)

Als Sidney Lumet 1957 in seinem ersten Kinofolm das erfolgreiche Bühnenstück „12 Angry Man“ verfilmte, schuf er einen Klassiker des Gerichtsdramas und Kammerspiels. Fast 50 (!) Jahre später kehrt er wieder in den Gerichtssaal zurück, um einen weiteren Blick (zuletzt tat er dies ausführlich 1982 in „The Verdict“) auf das Justizsystem der Amerikaner zu werfen. Der 82-jährige Lumet verfilmte einen der längsten Strafprozesse in der Geschichte der USA und erzählt diesen aus der Perspektive des wahrscheinlich zu Recht angeklagten Mitglieds einer Mafia-Familie.

Vor gut 20 Jahren erhob die Staatsanwaltschaft in 76 Vergehen Anklage gegen 20 Mitglieder der Luchese-Familie. Entscheidender Faktor für den Verlauf des Prozesse waren die Aussagen von Kronzeugen. Doch obwohl ihm wegen Drogenhandels 30 Jahre Haft drohen, lässt sich Giacomo „Jackie Dee“ DiNorscio von den Behörden nicht überreden, gegen seine Freunde auszusagen. Selbst als sein eigener Cousin einen Anschlag auf sein Leben verübt, lässt sich DiNorscio nicht beirren. Zur Überraschung des Gerichts und der Staatsanwaltschaft besteht DiNorscio darauf, sich selbst zu verteidigen. Erstaunlich schnell versteht er es, sich den Gepflogenheiten der Prozessführung anzupassen und sehr zum Unwillen der Staatsanwaltschaft einen positiven Eindruck auf die Jury zu machen. Trotz Anfeindung durch die Luchese-Familie, die sich durch seinen Habitus um ihre Aussicht auf einen erfolgreichen Prozessverlauf gebracht sieht, und Druck seitens der Staatsanwaltschaft bleibt DiNorscio auf seiner Linie der absoluten Loyalität. Nache spektatkulär langem Prozess und ebenso spektakulär kurzer Beratung erklärt die Jury alle Angelagten für unschuldig.

Es nimmt nicht Wunder, dass diese Entscheidung in den USA umstritten ist. Zu deutlich sind die Hinweise auf die Verstrickungen und Machenschaften der Luchese-Familie. Doch die Beweislage ist nicht eindeutig, den Anklägern fehlt ein glaubwürdiger Kronzeuge. Der einzige, der dafür in Frage käme, ist DiNorscio, doch der entscheidet sich wieder und wieder dafür, sich selbst und seinen Freunden seine Loyalität zu beweisen. Seine Triebfeder, so arbeitet es Lumet heraus, ist die Suche nach Anerkennung gepaart mit dem unbeirrbaren Glauben, dass ihn tatsächlich alle lieben. Offensichtlich hatte der Mann auch ein Talent, geradeheraus mit Menschen zu sprechen. Er bringt die Jury zum Lachen und die Staatsanwälte befürchten schon früh: „A laughing jury is not a hanging jury.“

Der Ton des Films ist beschwingt, Vin Diesel entwirft seine Figur als liebenswerten Brummbär, gelegentliche Ausbrüche seinerseits sind stets provoziert durch die Staatsggewalt. Auf die Seitensprung-Vorwürfe seiner Ex-Frau darf er mit einem naiven „That’s because I am a man“ antworten. Man nimmt ihm diese Naivität und die immer wieder betonte Loyalität ab. Ein kleines Aufwachen beschert ihm erst der knappe Dank seiner Wahl-Familie nach der Verkündung des Urteils. Seine unbedingte Freundschaft wird nicht mit ebensolcher vergolten. Lumet inszeniert solche Momente, wie auch andere im Film, mit meisterhafter Beiläufigkeit und überlässt es dem Zuschauer als Jury, die einzelnen Fakten zu bewerten.

Lumet schildert zum einem einen streitbaren Fall der US-Justiz, zum anderen entwirft er das Portrait eines Gangsters, der sich selber lieber als „Gagster“ sieht. Der Freispruch durch die Jury und die Symphatie, die man als Zuschauer für Jackie Dee DiNorscio empfindet, entlassen seltsam verwirrt aus dem Kinosaal. Lumet ist aber dennoch ein spannendes und diskussionswertes Gerichtsdrama gelungen, ein würdiger Gegenpart zu „12 Angry Men“. (dakro)

Find me guilty, USA 2005, 125 Min., 35 mm. Buch: Sidney Lumet, T. J. Mancini, Robert J. McCrea, Rgie: Sidney Lumet, Darsteller: Vin Diesel, Peter Dinklage, Linus Roache, Ron Silver, Annabella Sciorra u.a.

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Gelungener Kraftakt

„Der freie Wille“ (Matthias Glasner, D 2006)

Die zweite Einstellung ist schon eine Warnung. Die Kamera nur wenige Zentimeter von Jürgen Vogels Gesicht entfernt signalisiert zweierlei: In diesem Mann gärt es unter der Oberfläche; und wir gehen ganz nah ran. 163 Minuten verfolgt „Der freie Wille“ den Weg des Serienvergewaltigers Theo. Man wird Zeuge eines filmischen und insbesondere darstellerischen Kraftaktes, der auch dem Zuschauer einiges abverlangt und ihn verstört zurück lässt. Matthias Glasners Film bietet Angriffsfläche, die in den ersten Kritiken nach der Premiere auf der Berlinale auch genutzt wurde. Doch Glasner und Hauptdarsteller sowie Co-Autor und Co-Produzent Vogel haben nicht auf den Skandal spekuliert, sondern im Bemühen um einen kompromisslosen Film über zwei Menschen, die mit ihren Dämonen und dem freien Willen um ein Stück selbstbestimmtes Leben und Glück kämpfen, einen kraftvollen, überaus diskussionswerten Film geschaffen.

Schon mit den ersten Szenen stellt Glasner klar, dass er keine Entschuldigung für die Taten von Theo bieten wird. Nach einem Wutausbruch bei der Arbeit rast Theo mit dem Auto davon und verfolgt eine Fahrradfahrerin, die ihm zufällig als erste begegnet. In schmerzhaft langen Einstellungen wird die Vergewaltigung bebildert. Theo reißt die junge Frau vom Fahrrad, zerrt sie an den Haaren zum Strand und prügelt auf sie ein, bis sie sich nicht mehr gegen ihn wehrt. Die Vergewaltigung und den anschließende Fluchtversuch inszeniert Glasner (mit einer ausgesprochen mutigen Partnerin für Jürgen Vogel) in Echtzeit ohne einmal den Blick abzuwenden. Er stellt sicher, dass wir bei aller Annäherung an die Figur des Theo nicht vergessen, dass er nach dieser dritten Vergewaltigung zu Recht zu neun Jahren Maßregelvollzug verurteilt wurde und auch nach der Entlassung als „Geheilter“ eine Gefahr für seine Umgebung bleibt. Theo versucht, alles richtig zu machen. Er fügt sich in die betreute Wohngemeinschaft, ist beim Vorstellungsgespräch für einen Job als Drucker ehrlich und wagt vorsichtige Annäherungsversuche an das andere Geschlecht. Doch schon bald wird deutlich, dass auch Kickboxen und Schwitzen in der Sauna nicht die Aggression und den Trieb in Theo bändigen können. Die Rechnung „gesunder Geist in gesundem Körper“ geht nicht auf. Theo wendet sich an seinen Betreuer, der mit einer Mischung aus überforderter Hilflosigkeit und kumpelhaften Ratschlägen reagiert. Theo begegnet Nettie (Sabine Timoteo), der Tochter seines Chefs, die es mit 27 gerade geschafft hat, sich aus der emotionalen Klammer ihres Vaters zu befreien. Zwischen den beiden entwickelt sich eine zunächst widerstrebende Liason, schließlich ziehen die beiden zusammen und genießen für kurze Zeit ein Ikea-Badewannen-Glück. Doch schon der erste Eifersuchtsanfall lässt Theo die erste Frau vergewaltigen, die ihm einen scheinbaren Anlass gibt. Theo trennt sich von Nettie und verschwindet, nicht ohne ihr vorher die Wahrheit über seine Vergangenheit ins Gesicht zu bellen. Doch auch nach dieser verbalen Vergewaltigung gibt Nettie Theo nicht auf. Sie will ihn verstehen und sucht eines seiner Opfer auf. Ganz unerwartet ergibt sich aus dieser Szene eine Ahnung über die nie endende Angst und Wut der Opfer von Triebtätern. Nettie findet Theo schließlich, der als einzigen Ausweg seinen Freitod sieht.

Jürgen Vogel spielt Theo mit aller Konsequenz und schreckt dabei nicht vor Selbstentblößung zurück, wenn er vor dem Pornofilm masturbierend versucht, seinen Sexualtrieb niederzuringen. Das sehr körperliche Spiel Vogels lässt den Konflikt zwischen rationaler Willensentscheidung und pervertiertem Sexus fast sichtbar werden. Die zerbrechlich wirkende Sabine Timoteo verleiht ihrer Nettie eine innere Stärke, die sie zwar spät, dann aber konsequent aus dem Käfig des väterlichen Haushalts ausbrechen und später glaubhaft an der Liebe zu einem Sexualstraftäter festhalten lässt. Keine einfache Aufgabe, die Timoteo aber mit Bravour löst. Auch Nettie wird um ihre freie Willensentscheidung ringen müssen, wenn sie wider besseren Wissens versucht, Theo zu finden.

Wenn es auch Glasner nicht um eine Ausgewogenheit in der Darstellung eines Themas oder die Sicht der Opfer geht, so bringt er zumindest die Folgen von Theos Taten immer wieder in Erinnerung. Glasner wollte aber keinen Film über ein Thema und keinen Problemfilm machen, wie es in seinem Regiestatement heißt, sondern „eine Art Trip, bei dem wir mit zwei Menschen bis zum konsequenten Ende mitgehen. Im Guten wie im Bösen.“ „Der freie Wille“ funktioniert tatsächlich auf drei Ebenen: Als nichts beschönigende Studie eines Sexualtäters, als Liebesgeschichte gegen alle Widerstände und als Reflektion über die Möglichkeit oder Unmöglichkeit eines tatsächlich freien Willens. (dakro)

Der freie Wille, D 2006, DV/35mm, Regie & Kameraführung: Matthias Glasner, Buch: Matthias Glasner, Judith Angerbauer, Jürgen Vogel, Darsteller: Jürgen Vogel, Sabine Timoteo, Manfred Zapatka, André Hennicke

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The Special Edition

„Pat Garrett and Billy The Kid“ (Sam Peckinpah, USA 1973)

Die Berlinale beschloss das Wettbewerbsprogramm mit der HD-Projektion eines echten Klassikers des modernen Films: Sam Peckinpahs „Pat Garrett and Billy The Kid“ mit James Coburn und Kris Kristofferson in den Hauptrollen, lief außer Konkurrenz in einer überarbeiteten Special Edition.

Zwar wurde vor einigen Jahren der „Director’s Cut“ im Rahmen der Retrospektive gezeigt, doch die Special Edition ist als Überarbeitung der bisherigen Kino-Fassung gerechtfertigt und ein Vergleich der beiden Versionen interessant. Die HD-Projektion enttäuscht etwas, denn feine Texturen (Wolken, raue Wände, grobe Textilien) werden nicht deutlich genug abgebildet. Leider stammt wohl auch das Ausgangsmaterial für den Neuschnitt und die Digitalisierung des Films aus unterschiedlichen Quellen, Farb- und Kontrastunterschiede fallen ins Auge. Es handelt sich bei der Special Edition eher um eine neue Schnittfassung als um eine Restaurierung des Films. Letztere ist natürlich teuer, zumindest wenn man sie optimal durchführen will. Denn sofern irgend möglich, sollten Restaurierungen zunächst auf fotochemischer Ebene durchgeführt werden, bevor nach der Digitalisierung der Film rechnergestützt „bereinigt“ wird. Jeder Arbeitsprozess hat seine Vorteile, doch kann der Computer schwer etwas hervorzaubern, was das Filmmaterial nicht mehr hergibt.

Auch wenn das Screening augenfällig nah an der Veröffentlichung der Special Edition auf DVD liegt, ist die Wahl als Abschlussfilm eine glückliche. Sam Peckinpah ist einer der wichtigsten amerikanischen Filmemacher, in seiner Rolle als Mittler zwischen dem klassischen Hollywood-Film und „New Hollywood“ immer noch unterschätzt. Anfang der 50er Jahre begann seine Karriere beim Fernsehen, er schrieb z.B. zahlreiche Episoden der erfolgreichen Western-Serie „Gunsmoke“ („Rauchende Colts“), unter Don Siegel arbeitete Peckinpah auch als Dialogue Director. Nach mehreren produzierten Langfilm-Drehbüchern konnte Peckinpah Anfang der 60er dann selbst Regie führen. In „Ride the High Country“ etablierte Peckinpah bereits die Themen, die in vielen seiner Filme bestimmend sein sollten: Es geht ihm um Männer, die sich in einer veränderten, meist amoralischen Zeit zurechtfinden und zwischen Freundschaft, Loyalität oder Verrat entscheiden müssen. Peckinpah stand häufig unter dem Vorwurf, ein Regisseur der extremen Gewalt zu sein. Tatsächlich ist er eher ein Romantiker, der für eine von Gewalt bestimmte Welt visuell überwältigende Bilder gefunden hat, aber auf dramatischer Ebene immer um einen Humanismus ringt, der auch in den existenziellsten Situationen das Handeln seiner Helden bestimmt. Peckinpah hat aber nicht nur das Erbe Hollywoods in eine neue Zeit transferiert, sondern auch einen originären visuellen Stil kreiert, der Filmemacher von John Woo bis Quentin Tarantino beeinflusste, in seiner dramatischen Intensität aber nie erreicht wurde. Auf bisher nicht gekannte Weise setzte Peckinpah Slow Motion, Parallelmontage und Freeze Frames ein, meist um Action derart zu überhöhen, dass sie gleichzeitig intensiviert und durch die kunstvolle Montage relativiert wurde.

Auf eine Inhaltsangabe zu „Pat Garrett and Billy The Kid“ kann an dieser Stelle verzichtet werden. Dem Film wird eine Vietnam- und Nixon-Kritik nachgesagt und tatsächlich hat Peckinpah demokratische Politiker aktiv unterstützt. Die Geschichte um die beiden ehemalige Freunde und Outlaws, die sich nun als Gesetzeshüter und Gesetzesbrecher gegenüberstehen, ist aber sicher zu archaisch, um sich eins zu eins auf den Vietnam-Konflikt und die politische Situation in den USA Anfang der 70er umdeuten zu lassen.

Wie bereits bei den vorherigen Filmen „Mayor Dundee“ (1965) und Peckinpahs Meisterwerk „The Wild Bunch“ (1968) kam auch „Pat Garrett and Billy The Kid“ nicht in der Final-Cut-Version des Regisseurs in die Kinos. Anders jedoch als bei „The Wild Bunch“ (der als Director’s Cut vor einigen Jahren wiederveröffentlicht wurde) konnte Peckinpah nie einen Director’s Cut von „Pat Garrett and Billy The Kid“ vollenden. Die als erste gezeigte, unter Zeitdruck entstandene Preview-Version mit 122 Minuten Länge wurde 1993 von MGM/UA und Turner zwar als Director’s Cut auf Laserdisc veröffentlicht, doch sie entspricht mit Sicherheit nicht den Vorstellungen Peckinpahs vom fertigen Film. Die Kino-Version mit zunächst 90, später 106 Minuten Länge, ist zwar besser geschnitten, enthält aber etliche Szenen nicht, die für den Film essentiell sind. Filmrestaurator und Cutter Paul Seydor hat deshalb für die Special Edition folgerichtig die besser geschnittenen Szenen der Theatrical Version mit den fehlenden Szenen aus der Preview Version (also dem vermeintlichen Director’s Cut) kombiniert und damit eine Fassung geschaffen, die Sam Peckinpahs Vorstellung am nächsten kommen dürfte. Zu den ergänzten Szenen gehören der Prolog, der ca. 30 Jahre nach der Haupthandlung den Verrat an Pat Garrett und seine Erschießung zeigt, sowie einige Szenen zwischen Pat Garrett und seiner Frau, den Besuch auf der Chisum Ranch und eine verlängerte Fassung von Garretts Bordellbesuch. Seydour verließ sich beim Neuschnitt des Films nicht nur auf seine intime Kenntnis von Peckinpahs Leben und Werk. Regisseur Roger Spottiswood arbeitete unter Peckinpah als Cutter und stand Seydor nun bei der Überarbeitung mit Rat zur Seite. So flog auch eine Szene, in der weder Garret noch Billy eine Rolle spielen, aus der Fassung, denn diese hatte Peckinpah nach Spottiswoods Bekunden nur integriert, um sie beim Feilschen mit den Produzenten um die Lauflänge des Films problemlos opfern zu können. Bob Dylans Song „Knockin On Heaven’s Door“, läuft in der Preview Version nur als Instrumental, angeblich konnte Peckinpah die Lyrics nicht leiden. Doch schon in der Theatrical Version, und jetzt auch in der Special Edition, ist der Song mit den Lyrics zu hören. Die Szene mit dem sterbenden Slim Pickens gewinnt nochmal an Emotion. Eine gute Entscheidung, die Peckinpah wohl gegen seinen ersten Eindruck getroffen hatte. Die Special Edition endet nicht wie die Preview Version mit der Klammer der Erschießung Garretts am Anfang des Films, sondern mit einem Freeze Frame von Garretts Gesicht nachdem er seinem einzigen Freund Billy The Kid erschossen hat. Ein kleiner Junge wirft mit Steinen nach ihm und wendet sich dann von ihm ab. Einsamer ist nie ein Cowboy in den Sonnenuntergang geritten. (dakro)

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Forum

Nabelschau im Nebel

„Lenz“ (Thomas Imbach, Schweiz/D 2006)

1839 veröffentlichte Georg Büchner seine Erzählung „Lenz“, ein Psychogramm mit durchaus auch wissenschaftlichem Interesse über den Sturm und Drang-Dichter Jakob Michael Reinhold Lenz (1751-1792), dessen zunehmendes Abrutschen in den Wahn sein „Pfleger“, der Pfarrer Oberlin, in einem Tagebuch niedergelegt hatte, das Büchner als Quelle diente. Dr. Johannes F. Lehmann schreibt unter www.uni-essen.de/literaturwissenschaft-aktiv/Vorlesungen/hermeneutik/buech_lenz.htm über Büchners „Lenz“: „Die Erzählung „Lenz“ ist ein Text mit auf der Handlungsebene gleichsam abgeschnittenen Rändern, der ein intensives Konzentrat von Innenansichten liefert, die gleichwohl von Außen, mittels Bildern und Vergleichen, erzählt werden. Die immer wieder auftauchende Formel dafür lautet: Es war ihm als ob ...: „Es war ihm alles so kein, so nahe, so naß, er hätte die Erde hinter den Ofen setzen mögen“; „Es war als ginge ihm was nach“; „Es war ihm als sei er blind“; „Es war ihm als müsse er sich auflösen“ usw. Dadurch wird der Wahnsinn nicht als das Andere der Normalität, sondern als Grenzwert jeden menschlichen Erlebens gefasst.“ Und das trifft ziemlich genau den Gestus des Films, den Thomas Imbach aus dem Lenz-Stoff destilliert hat.

In einem gebirgigen nächtlichen Nebel wankt schemengleich sein Lenz (Milan Peschel) durch die Alpeneinöden bei Zermatt, im ganzen Film begleitet von Shots des Matterhorns unter verschiedensten Wetter- und also Seelenbedingungen. Lenz ist bei Imbach kein Dichter, sondern Filmemacher, der nach den Höhen und vor allem Tiefen seiner gescheiterten Beziehung zu Natalie (Barbara Maurer) und ihrem gemeinsamen Sohn Noah (Noah Gsell) in den Bergen (bei Büchner sind es die Vogesen, hier die Alpen) zu seinen inneren Bildern zurückfinden will. Lenz ist Filmemacher und hat – so Imbachs Inszenierung – die semidokumentarische DV-Kamera sozusagen immer im Gepäck. Imbach beobachtet Lenz, aber eigentlich beobachtet sich Lenz selbst mit der Kamera, seziert seinen Wahn und macht dabei auch intrinsische Aufnahmen von der zerbrochenen Familie, denn Natalie und Noah besuchen ihn in der gebirgigen Einsiedelei mitten im Touristengetümmel von Zermatt. Es scheint, als könne es nochmal klappen mit dem Familienprojekt, denn Lenz liebt Natalie immer noch, mehr noch aber seinen Sohn, den er zurückgewinnen möchte. Vergeblich, immer wieder übermannt ihn sein Wahn, Fantasien von Selbstmord, wenn er bei zahllosen Minusgraden fast nackt durch den Schnee rennt oder den Kopf bis zur körperlichen Erschöpfung ins Eiswasser taucht.

Ein Mann, ein Künstler auf Abwegen und sich derer sehr bewusst, denn selbst das ist Inszenierung des poetischen Selbst. Die Kunst, das Filmemachen selbst erscheint Lenz als der Wahn, der ihn vom Leben entfernt. Und so ist Imbachs Film nicht zuletzt einer über das mimetische Problem, dass nämlich Abbildung vom Abgebildeten, dem Leben entfernt. Imbach treibt das so weit auf die Spitze, dass er in einem eigentlich überflüssigen – denn die Bilder haben es schon gesagt – Erklärdialog Lenz darüber nachsinnen lässt, dass er keine Filme mehr „über gesellschaftliche Probleme“, sondern „nur noch über sich selbst“ machen könne. Ein Künstler (eindringlich abgründig in Szene gesetzt von dem hervorragenden Milan Peschel) so sehr gefangen in der Kunst, dass er dem Leben abhanden kommen muss.

Der von den eigenen Nebelkerzen des Lebens als regiehafter Inszenierung erzeugte Nebel verdichtet sich. Immer abwegiger, verschrobener werden Lenz’ Traumgebilde, immer deutlicher wird, dass die verwackelten DV-Dokumentarismen vom „echten“ Leben der Familie, der letzte Versuch, dies mit den Mitteln der ihn verfluchenden Kunst zurückzugewinnen, ihm unter den filmenden Händen verrinnen. Lenz verschwindet ganz im Wahn. „So lebte er hin“, der Schlusssatz aus Büchners Erzählung steht auch am Ende des Films wie ein Menetekel einer schonungsloser, als es ein immerhin ein Ergebnis erzeugender Selbstmord vermöchte, ins Nichts führenden Nabelschau.

Imbachs Adaption des Lenz-Stoffes verstört, wie Lenz ein Verstörter ist, und stellt mit dem ebenso intelligenten wie zuweilen grotesk erscheinenden Mix aus „Realität“ und „Fiktion“, aus Beichten und Erzählen das Filme oder Kunst Machen selbst in Frage. Ein Essay über den ewigen Zwist zwischen Kunst und Leben, die beide nicht ohne einander können, der bestürzend wahr überzeugt, mitten im Nebel, mitten aus dem Nabel. (jm)

Lenz, Schweiz/D 2006, 96 Min., 35 mm/DV. Buch/Regie: Thomas Imbach , Darsteller: Milan Peschel, Barbara Maurer, Noah Gsell u.a.

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Mein fremdes Land

„My Country, My Country“ (Laura Poitras, USA 2006) und
„Aus der Ferne“ (Thomas Arslan, D 2006)

Zwei islamische Länder, zwei Reflexe auf politisch aufgeregte und persönlich erinnerte, unaufgeregte Landschaften und Menschen. Das Forum der Berlinale bietet immer wieder Blicke auf fremde Länder, die den eigenen, europäisch-abendländisch geprägten Horizont erweitern.

Unter dem Titel „My Country, My Country“, der an den patriotischen und oft missbrauchten Spruch „It may be wrong, but it’s my country“ erinnert, berichtet Laura Poitras über den irakischen Arzt Dr. Riyadh, der in den Auseinandersetzungen um die ersten freien Wahlen im Irak zwischen die Fronten aus religiöser Überzeugung und der Demokratie nach westlichem Vorbild gerät. Riyadh ist frommer Sunnit und gehört somit einer Glaubensgemeinschaft an, die auch im „befreiten“ Irak unter der Knute der Mehrheit der Shiiten steht. Neben seinem unermüdlichen Engagement als Mediziner kandidiert er auch für die Islamic Party der Sunniten – ein nicht nur wegen der absehbaren Mehrheitsverhältnisse schwieriges Unterfangen. Gleich zu Beginn der Dokumentation erfahren Riyadh und die Zuschauer von Attentaten, die die rivalisierenden Glaubensgruppen auf politische Vertreter der jeweils anderen Couleur verüben. Und von den übernervösen Reaktionen der amerikanischen Besatzer, bei denen die MG manchmal einen lockereren Abzug hat als der abwägende Verstand. Die Demokratie in einem Land zu installieren, das nach der Befreiung von seinem Diktator in ein beinahe noch größeres Chaos gestürzt wurde, ist eben nicht leicht.

Zumal wenn Riyadhs Familie die Sache „revolutionärer“ sieht als ihr Oberhaupt. Für seine Töchter etwa, die als Frauen das erste Mal Wahlrecht haben, ist klar, dass sie nicht wählen, denn dies ist von vornherein eine Wahl, bei der nur die Shiiten gewinnen können. Mehr und mehr wird Riyadh zwischen den familiären, politischen und nicht zuletzt den Fronten in seinem eigenen Kopf und gläubigen Herzen zerrieben. Am Ende erreicht seine Islamic Party nur wenige Prozentpunkte. Zurück bleibt ein enttäuschter, aber aufrechter Kämpfer für eine Demokratie, die sich nur mühsam in die Traditionen seines Landes einfügt.

Selten hat man so einen intimen Blick auf den Irak in seinem schmerzvollen Prozess um Selbstfindung gesehen. Noch mehr davon wäre sicherlich nützlich für uns Europäer, die bei dem Krieg nur Zaungäste waren, es bei dem Versuch der Demokratisierung des Irak immer noch sind und die auch jetzt kaum verstehen können, wie der Glaube Berge versetzt und daran doch wie Sisyphos scheitert.

Ähnlich intim schaut Thomas Arslan auf das Land seiner türkischen Väter. In seinem ersten abendfüllenden Dokumentarfilm „Aus der Ferne“ begibt er sich auf eine Reise vom europäisch geprägten Westen der Türkei bis in die abgelegenen Provinzen an der Grenze zum Irak. Dass das „eigene“ Land ein fremdes ist, muss dabei auch er erfahren. Die Fremde im eigenen Land schärft jedoch den dokumentarischen Blick. Selten ist Arslan, der auch die Kamera führte, in die Szenen von Märkten und Menschen involviert. Er ist Beobachter, abgetrennt von den eigenen Wurzeln und dabei ebenso diese wiedererkennend wie sie abständig bestaunend. Aus diesem ambivalenten Verhältnis gewinnt der durchweg ruhig erzählte, sich auf wenige Kommentare beschränkende Film seine Dynamik. Arslans Blick auf sein Land ist der eines forschenden Fremden, mit allem Schmerz, der sich dabei über eine verlorene Heimat auftut. Das Elternhaus nahe dem Atatürk-Mausoleum in Ankara, der Fleischmarkt mit dem Rohen des Lebendigen ... als würde jemand auf ein längst vergangenes Leben zurückschauen, auch durchaus misstrauisch den eigenen filmischen Emotionen gegenüber.

Ein Film der in seinem Findungsprozess anstrengend und manchmal auch langweilig träge ist, aber auch erhellend. Europa ist nicht weit – das Abendland, das wie vor Jahrhunderten vom fremden Morgenland so manches lernen könnte. (gls)

My Country, My Country, USA 2006, 90 Min., HD-DV. Regie: Laura Poitras.
Aus der Ferne, D 2006, 89 Min., 35 mm. Regie: Thomas Arslan.

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Ungebrochener Überlebenswille

„Conversations on a Sunday Afternoon“ (Khalo Matabane, Südafrika 2005)

Geht man durch die Straßen von Kapstadt oder Johannesburg, trifft man Menschen aus aller Herren Länder. Hoffnungshafen am Kap. Südafrika als Einwanderungsland, als Fluchtpunkt für all die verwundeten Existenzen, die einen Ort für ihre Zukunft suchen, an dem man weiterleben kann in einer Freiheit, wie es sie in Afrika wohl selten gibt.

Khalo Matabane, ein junger Dokumentarfilmer aus Südafrika, der schon zahlreiche Filme realisierte, lässt diese Menschen erzählen von ihren Schicksalen in von Krieg, Hunger und geistiger Not verwüsteten Ländern. Sie kommen aus Sierra Leone, Uganda, Bosnien, Nordkorea, Kongo, Palästina und aus vielen anderen Ländern der Welt. Mit einer beweglichen Digital-Handkamera hat er sich auf die Suche nach ihnen gemacht und sie an jeder Straßenecke in Johannesburg gefunden.

Als Rahmen für „Conversations on a Sunday Afternoon“ suchte er sich eine erfundene Geschichte über Keniloe (Tony Kgoroge) und Fatima (Fatima Hersi). Keniloe, ein junger Dichter in Johannesburg, versucht die Welt zu verstehen. Eines Sonntags lernt er in einem Park in Hillbrow Fatima kennen, die aus Somalia geflüchtet ist und ihm den tragischen Grund für ihre Flucht nach Südafrika erzählt. Fast ihre gesamte Familie wurde im Bürgerkrieg in ihrem Heimatland getötet. Keniloe beschließt, Fatimas Erfahrungen als Ausgangspunkt für ein Buch nutzen, das er über Flüchtlingsschicksale schreiben möchte. Als er darüber mit Fatima sprechen möchte, ist sie plötzlich verschwunden. Keniloe sucht nach ihr und lernt so eine Vielzahl anderer Flüchtlinge bzw. Emigranten in Johannesburgs Innenstadt kennen. Alle haben sie eine berührende Geschichte, die meist von Vertreibung oder Flucht im Krieg geprägt ist.

Matabane mischt inszenierte Teile (sie stehen vor allem am Beginn und am Ende seines Films), die in ihrer theatralischen Künstlichkeit etwas strapaziert wirken, mit in ihrer Bildtechnik z.T. fast amateurhaft anmutenden Interviews (wie kleine Homevideos), die er quasi „freihändig“ auf der Straße improvisiert hat. Dabei lebt der Film von der zwanglosen, frischen Ummittelbarkeit, mit der seine Interviewpartner Keniloe vertrauen, und erreicht dadurch eine Authentizität, die den Zuschauer gefangen hält. Ohne große Umstände pickt Keniloe seine „Erzähler“ im Straßenleben auf, und im Nu sind wir bei deren Erinnerungen, die die Menschen immer noch traumatisieren.

Da ist die palästinensische Familie, die vor 35 Jahren aus Nahost floh und inzwischen Johannesburg als ihre zweite Heimat angenommen hat, die Frau aus Uganda, die nach 20 Jahren in Südafrika sich immer noch als Exilantin fühlt, die Frau aus Korea, die durchzuatmen scheint in ihrer neuen Heimat. Wir hören vom Kriegsschicksal einer jungen Bosnierin, beobachten aber auch gespannt einen ehemaligen Gardisten des kongolesischen Präsidenten, bei dessen „blutigen“ Erzählungen man hin und her schwankt, ob man ihn als Opfer oder Täter sehen soll.

Höhepunkt des Films ist ein Besuch von Keniloe in einem Abschiebelager für so genannte illegale Emigranten, die, wenn man etwas über die Ausländerpolitik Südafrikas weiß, oft nur dann unbarmherzig außer Landes gebracht werden, wenn sie es versäumen, ihre Aufenthaltsvisa termingerecht zu verlängern. Bitter beklagen die afrikanischen Männer auch ihr ökonomisches Schicksal und können nicht verstehen, warum sie abgeschoben werden sollen. Doch ihre Widerstandskraft scheint ungebrochen, wenn sie lachend und spottend hinter Gittern singen: „Wir kommen wieder, was ihr hier macht, ist reine Zeitverschwendung, bis bald.“ Ein hinreißender Überlebenswille, der tief berührt. (Helmut Schulzeck)

Conversations on a Sunday Afternoon, Südafrika 2005, 80 Min., HDCAM (gedreht auf Digital Video). Buch, Regie: Khalo Matabane, Kamera: Matthys Mocke, Mitwirkende: Tony Kgoroge, Fatima Hersi.

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Panorama

Das Erbe der Diktatur

„Jeder schweigt von etwas anderem“ (Marc Bauder, Dörte Franke, D 2006)

Marc Bauder und Dörte Franke untersuchen in iherm dritten gemeinsamen Dokumentarfilm, co-produziert vom „Kleinen Fernshspiel“ des ZDF, die Spätfolgen der Inhaftierung von Dissidenten in der DDR. Beleuchtet werden weniger die Umstände der Verhaftung oder die Bedingungen der Haft, sondern die Folgen für das Familienleben nach der Entlassung und dem „Freikauf“ durch die BRD. Jede Familie zieht ihre eigenen Konsequenzen aus der Vergangenheit, doch der gemeinsame Nenner ist das Schweigen aus unterschiedlichen Motiven.

Drei Familien werden befragt, die Filmemacher beschränken sich dabei auf aktuelle Interviews und Alltagsbeobachtungen ihrer Protagonisten. Es wird kein Archivmaterial benutzt, lediglich kommt hier und da ein Foto ins Bild, wenn die Befragten in ihren Fotobänden blättern oder die Kamera über die Bilderrahmen an der Wand fährt. Alle Aufmerksamkeit liegt bei den ehemals Inhaftierten, ihren Kindern und Eltern und ihrem jetzigen Leben.

Anne wurde zu 20 Monaten Haft wegen Verbreitung von „Hetzliteratur“ verurteilt. Ihr knapp ein Jahr alter Sohn kam zu den Großeltern. Nach der Entlassung 1983 kaufte sie die BRD frei. Heute herrscht ein ausgesprochenes Einverständnis in der Familie, dass über die Zeit der Haft nicht gesprochen wird. Der Sohn meldet sich kaum noch bei den Großeltern, Anne selbst hat ein anderes Ventil gefunden. Sie arbeitet als Führerin u.a. durch das Ministerium der Staatssicherheit. Besuchern erklärt sie im Arbeitszimmer Mielkes, dass sie immer noch nicht stark genug ist, um Markus Wolff unter die Augen zu treten. Den „Zersetzungsmaßnahmeplan“ aus ihren eigenen Stasi-Akten benutzt sie als Beispiel für die Arbeitsweise der IM. Als sie in ihren Akten entdeckte, dass der Vater ihrer besten Freundin nicht nur die Jugendfreundinnen, sondern auch die eigene Tochter und die Mutter bespitztelte, fordert sie ihre Freundin auf, ihre eigenen Aketn einzusehen. „Als ich ihr das nächste Mal begegnete, wechselte sie die Straßenseite. Da dachte ich, so war es doch schon einmal ...“

Utz wurde mit 25 Jahren zu zwei Jahren Haft verurteilt. Er war in der Schule als Freigeist auffällig geworden, doch erst neun Jahre später schlägt die Stasi zu. Seine beiden Töchter kamen erst in der BRD zur Welt. Während Utz Schulkindern seine Geschichte erzählt, haben die Töchter die Vergangenheit ihres Vaters ausgeblendet. Sie wollten keine alten Wunden aufreißen. Doch als eine seiner Töchter in einem Gedicht ihres Vaters liest, dass er das Schweigen seiner Töchter als einen Versuch des Trostes versteht, bricht sie in Tränen aus.

Tine und Matthias wurden als junges Paar gemeinsam verhaftet. Auch ihre Kinder kommen erst in der Freiheit zur Welt. Matthias arbeitet die Haftzeit in Texten auf, beide konfrontieren die Verhörer und Vollzugsbeamten von damals, sie arbeiten aktiv an der Bewältigung ihrer Traumata. Die Kinder gestehen offen, dass sie sich nicht für die Vergangenheit ihrer Eltern interessieren, ihnen die Schriften ihres Vaters zu düster sind.

Es ist Bauder und Franke anzurechnen, dass sie das sensible Thema nicht mit Emotionen beladen, die nur von den eigentlichen Beobachtungen ablenken: den Spätfolgen der DDR-Diktatur in den heutigen Familienstrukturen. Dabei heben sie sich in ihrer Distanz zu den Protagonisten wohltuend von Produktionen ab, die draufhalten, wenn die Tränen vor Wut oder Trauer fließen. Bei Bauder und Franke folgt in diesen Momenten der Schnitt. Das zeugt auch von gebührendem Respekt vor der Anstrengung, das Schweigen vor der Kamera, die wie ein Katalysator wirkt, doch zu brechen. (dakro)

Jeder schweigt von etwas anderem, D 2006, 72 Min., Digi Beta. Buch, Regie: Marc Bauder, Dörte Franke.

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Sittenbild der 50er

„The Notorious Bettie Page“ (Mary Harron, USA 2005)

Bettie Page ist eine wahre Pop-Ikone. Der Look, den das Pin-Up-Modell in den 50ern kreierte, ist bis heute fester Bestandteil der Populärkultur: Dunkelbraunes, langes, lockiges Haar, vorne Pony-Schnitt, dunkle Augenbrauen, rot geschminkter Mund. Von Madonna bis Nina Hagen greifen Pop-Stars und Sternchen gerne in die Stil-Schatzkiste der einstigen Pin-Up-Queen, deren naiv-erotischer Charme in zahllosen Fotos und 16mm-Filmchen die Jahrzehnte überdauert. Der ersten dramatischen Aufarbeitung ihrer Lebensgeschichte in Mary Harrons Film „The Notorious Bettie Page“ schlug deshalb gebührendes Interesse entgegen.

Harron arbeitet die Lebensgeschichte der Anfang der 20er in Nashville, Tennessee geborenen Bettie Page recht unspektakulär auf. Nach früh gescheiterter Ehe zieht die gläubig erzogene, regelmäßige Kirchengängerin Bettie nach New York, um dort auf die Schauspielschule zu gehen. Die Karriere als Fotomodell beginnt eher zufällig, doch nachdem Irving Klaw und seine Halbschwester Paula Bettie „entdecken“ beginnt ihre Karriere als „dunkle Göttin des Pin-Up“. Das Geschäft mit Fetisch-Fotos läuft gut, die Klaws können expandieren, sehen sich aber alsbald mit den Behörden konfrontiert, die eine Verbreitung von pornografischem Material über US Mail verbieten. 1955 kommt es zu einer Anhörung vor dem US Senat, zu der auch Bettie geladen wird.

Harron inszeniert Gretchen Mol als Bettie Page in einer Mischung aus selbstverständlicher Frömmigkeit und naivem Spaß am Posieren für „seriöse Kunden“. Die Regisseurin versucht keine psychologische Studie, sondern liefert eher eine beschauliche Geschichtsstunde zum Thema moralische Bigotterie der amerikanischen Gesellschaft in den 50ern. Die gehobene Mittelschicht ist es, die für den Boom im Sex-Business sorgt. Wie Paula Klaw, glaubwürdig gespielt von Lily Taylor, immer wieder betont, haben die hart arbeitenden Rechtsanwälte, Richter und Mediziner ein Recht darauf, sich von den Strapazen auf ihre Weise zu erholen. Und Bettie liefert das Anschauungsmaterial dafür. Andererseits sind es aber genau diese Vertreter der gehobenen Mittelschicht, die auf Druck einer entsetzten und überforderten puritanischen Öffentlichkeit die Hersteller dieser vermeintlichen Pornografie verurteilen. Bettie sieht zunächst nichts Anstößiges in ihrer Arbeit als Modell, doch möchte sie eigentlich den Durchbruch als ernsthafte Schauspielerin. Der bleibt ihr versagt. Und spätestens nachdem ihr ein Schauspielkollege seine Verachtung angesichts ihrer Fotos entgegenhält, gerät Betties Weltbild ins Wanken. In der Schlussszene lässt Harron Bettie in die Arme der Kirche zurückkehren.

Harrons Film bleibt merkwürdig oberflächlich. Selbst wenn sie kein Psychogramm inszenieren wollte und Lebensstationen wie die mehrfache orale Vergewaltigung Betties nicht als einschneidendes Erlebnis dramatisiert wird, fehlt es der Betrachtung des Sittenkodexes der 50er an Schärfe oder Witz. Die Figur der Bettie macht keine wirklich Entwicklung durch. Auf die Frage, ob das Intention sei, antwortete Harron nach der Premiere auf der Berlinale, das entspreche der tatsächlichen Bettie Page, die Harron im Rahmen der Produktion des Filmes kennen lernte. Doch Harron klammert in ihrem Film Betties Kampf gegen den Alkohol, ihre Gefängniskarriere und die erst daran anschließende Hinwendung zum Christentum aus. Vielleicht weil dies nicht in ihr Konzept einer recht harmlosen Bebilderung einer ungewöhnlichen Modellkarriere in den 50ern passte. Die gesellschaftlichen Widersprüche der 50er lassen sich über die Figur der Bettie vermitteln, die Folgen allerdings klammert Harron in „The Notorious Bettie Page“ leider aus. (dakro)

The Notorious Bettie Page, USA 2005, 91 Min., 35 mm. Buch: Mary Harron, Guinevere Turner, Regie: Mary Harron, Darsteller: Gretchen Mol, Lili Taylor u.a.

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Mehr Knall als hart

„Knallhart“ (Detlev Buck, D 2006)

Dumm gelaufen: Miriams (Jenny Elvers-Elbertzhagen) reicher Lover ist ihrer überdrüssig und setzt sie vor die Tür seiner Zehlendorfer Villa, mit ihr ihren Sohn Michael (David Kross). Die allein erziehende Mutter muss nach Neukölln umziehen, ein hartes Pflaster weniger für sie, die sich bald mit neuen (allerdings finanziell weniger potenten) Lovern umgibt, als für Michael, der von der Gang seines Mitschülers Erol (Oktay Özdemir) nach den üblichen Regeln des Ghettos „abgezogen“ wird. Da hilft Michael nur eines, sich einen Beschützer zu suchen. Den findet er im Drogenbaron Hamal (wunderbar diabolisch: Erhan Emre), der Michaels „unschuldiges Gesicht“ für Drogen-Kurierdienste einsetzt. Wobei Michael nicht nur ganz gutes Geld, sondern sich auch die gehörige „Street Credibility“ verdient. Bis sein mit 80.000 Euro Drogengeld gefüllter Kurierrucksack nach einem Handgemenge mit Erol auf dem Dach eines S-Bahn-Wagens landet und für immer verschwindet. Hamal fordert Rache und die soll, zum Zeichen seiner unbedingten Loyalität zu seinem „Arbeitgeber“, Michael üben, indem er den von Hamals Schergen „zugeführten“ hilflosen Erol quasi hinrichtet. Doch der Mord ist zu viel für Michael, er wacht auf und wendet sich an die Polizei ...

Ende nicht gut, aber doch alles gut. Auch ein Film mit so vielen (kinematografischen wie witzigen) Knalleffekten braucht ein Ende nach dem Motto „und die Moral von der Geschicht’ ...“ Und genau das ist seine größte Schwäche – wie schon die der Romanvorlage von Georg Tessnow. Allzu schematisch werden die Klischees moderner Großstadtghettos mit einer ob Perspektivlosigkeit verrohten Jugend durchdekliniert. Von einem der knallharten Ghettofilme aus Hollywood unterscheidet sich „Knallhart“ dabei lediglich durch den immer wieder durchbrechenden (Galgen-) Humor Buckscher Inszenierungskunst. Fast comichaft urkomische Nebenfiguren wie etwa der Hehler namens Captain Nemo (eine kabarettistische Glanzleistung in nur zwei Minuten liefert Roland Florstedt) geben dem Film jene Leichtigkeit, für die Detlev Buck berühmt ist. Doch es bleiben komödiantische Momente, die wie Sperrfeuer gegen den sozialaufklärerischen Anspruch des Plots wirken, querständig, den Fluss der Handlung knallig beschleunigend, aber ihre Härte gleichzeitig hemmend.

So kommt Romantik auf, die Härte der Straße hat auch ihren versöhnlichen Witz, klar, nur: Ist das in Wirklichkeit auch so? Nun ist Buck womöglich nicht angetreten, um Wirklichkeiten der härteren Gangart „dokumentierend“ abzubilden, gleichwohl kommt der Film mit dem Gestus daher – und wird in dem ganzen Talkshowrummel rund um die Berlinale auch stets so zitiert, ein ernstes Thema auch durchaus sozialkritisch zu behandeln. Und da passt der Straßenklang des Knalls eben nicht zur humoresken Härte.

Misslungen ist Bucks Film dennoch nicht. Buck weiß den Spannungsbogen über 98 Minuten zu halten, gerade indem er ihn durch witzige Episoden unterbricht. Liebevoll und detailgetreu zeichnet er die groteske Schrägheit der Figuren, unterstützt von fast immer hervorragenden Schauspielern. Sogar Jenny Elvers-Elbertzhagen, schauspielerisch sonst wirklich keine Leuchte, gewinnt ihrer Rolle hier eine Differenziertheit ab, die zwischen dem – selbst noch kindlichen – Girlie-Püppchen und der zur kaum bewältigbaren Verantwortung gezwungenen allein erziehenden Mutter überzeugt. Wo der Plot in seinen knalligen Überzeichnungen sich selbst die Härte der Realität nimmt, vermögen die Schauspieler geglückt gegenzusteuern.

Und schließlich – das ist ja auch nicht schlecht im Kino – 98 atemberaubende Minuten, wovon nicht eine langweilig ist. (jm)

Knallhart, D 2006, 98 Min., 35 mm. Buch: Zoran Drvenkar, Georg Tessnow (nach dessen Roman), Regie: Detlev Buck ,  Darsteller: Jenny Elvers-Elbertzhagen, David Kross, Erhan Emre, Oktay Özdemir u.a. Preise auf der Berlinale: Preis der FIPRESCI für einen Film aus dem Panorama, Preis des Label European Cinemas.

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Entführt von Daisy, Kater Karlo und den Hundekackern

„Bye Bye Berlusconi!“ (Jan Henrik Stahlberg, D 2006)

Der Einfall, einen Film über eine Entführung von Silvio Berlusconi zu machen, nimmt sich bei der ersten Betrachtung ganz spaßig und spannend aus. Allerdings fallen einem in zweiten Moment all die quälenden Stolpersteinmöglichkeiten ein, die eine solche Satire eher zu einem zweifelhaften Vergnügen werden lassen können. Und außerdem eine politische Satire, die so nah dran ist an aktuellen Geschehnissen? – Schwierig, schwierig!

Jan Henrik Stahlberg, hierzulande vor allem bekannt geworden durch seine Hauptrolle in „Muxmäuschenstill“, zu dem er auch das Drehbuch schrieb, hat sich dennoch nicht abhalten lassen, einen Film mit dieser Story zu realisieren. Um es vorwegzunehmen, Stahlberg scheitert. Seine Story ist letztlich zu dünn, hätte im Grunde genommen allerhöchstens gut 45 Minuten füllen können. Ihr Humor verliert sich in einer verkomplizierten dramaturgischen Struktur, und fast alle Personen werden viel zu eindimensional gezeichnet, so dass der ermüdete Zuschauer schon bald sein Interesse an ihnen verliert. Das einzige deftige Pfund, mit dem der Film wirklich wuchern kann, ist sein Berlusconi-Darsteller. Der römische Schuhverkäufer Maurizio Antonini sieht dem italienischen Regierungschef nicht nur täuschend ähnlich, sondern verfügt auch souverän über dessen gesamten Mimik-, Gestik- und Rhetorikfundus. Und dennoch: das reicht nicht, um die „Komödie“ zu retten.

Die Geschichte spielt im Frühjahr 2005. Ein junges, engagiertes Drehteam aus Genua plant einen ernsthaften politischen Film über die Entführung Silvio Berlusconis. Ziel der Entführer soll es sein, Berlusconi verdientermaßen endlich den gerechten, unabhängigen aber harten Prozess zu machen, dem er sich im wirklichen Leben seit Jahren erfolgreich entzieht.

Um das Wagnis eines kritischen Films über den Medienzaren zu verkleinern, entschließt man sich nach langwierigen Diskussionen, die Geschichte in Entenhausen anzusiedeln, Berlusconi den Namen „Topolino“ (der in Italien für Micky Mouse steht) zu geben. Als dortiger Bürgermeister verfügt er über ein Melonen-Imperium inklusive eines angegliederten Melonen-TV-Senders. Sein Reichtum speist sich aus seiner Zusammenarbeit mit der Mafia, Bilanzfälschung und Steuerhinterziehung. „Topolino“ wird nun im Untergrund via Internet ein quasi Volkstribunal-ähnlicher Prozess gemacht, nachdem er zuvor von „Daisy“, „Kater Karlo“ und den „Hundekackern“ entführt wurde.

Den Rahmen für diese Verfilmung des Films im Film bietet die dokumentarisch aufgemachte Schilderung der Dreharbeiten, die wie die Entführer im Film immer wieder von der Staatsmacht, aber in diesem Fall den wirklichen staatlichen Organen Berlusconis, bedroht scheinen. Ein Klima der Angst und Subversion überzieht die Dreharbeiten und soll den grotesken, bisweilen klamaukartigen Humor der Farce im Film brechen, die Realität in den Film zurückholen.

Doch verkommt „Bye Bye Berlusconi!“ nach dem anfänglichen endlosen Palaver über das richtige Drehbuch im folgenden immer mehr zur eher blutlos verfilmten Thesenrevue, die nur noch durch den Berlusconi-Darsteller Antonini, einige sehr witzige TV-Werbe-Parodien des Melonen-Senders und wenige zündende Gags am Leben erhalten werden kann. Die Autoren des Films (Lucia Chiarla und Jan Henrik Stahlberg) halten sich zu Gute, dass der Film sich in den juristischen Details des Prozesses streng an die Realität halte. Sämtliche Vorwürfe gegen die kriminellen Machenschaften „Topolinos“ seien reale Anschuldigungen gegen Berlusconi. Doch gerade hier wird dem Film seine bisweilen papierene Textlastigkeit zum Verhängnis. Berlusconis bzw. „Topolinos“ Vergehen werden nur behauptet anstatt filmisch belegt, entwickelt oder dargestellt. Die beiden Ebenen, auf denen der Film spielt, vermischen sich zudem im Laufe der Zeit immer mehr und erschweren bisweilen die Orientierung. Am Ende müssen nicht nur die Dreharbeiten des Films im Film abgebrochen werden, sondern alles scheint sich in einer heillosen, verwirrenden Flucht aufzulösen. Was bleibt ist die schiere Ohnmacht der italienschen Gesellschaft gegenüber Berlusconi, der sich wenigstens Jan Henrik Stahlberg und sein Team nicht gebeugt haben. (Helmut Schulzeck)

Bye Bye Berlusconi!, D 2006, 85 Min., 35 mm. Regie: Jan Henrik Stahlberg, Buch: Lucia Chiarla, Jan Henrik Stahlberg, Darsteller: Maurizio Antonini, Lucia Chiarla, Franco Leo, Pietro Bontempo, Jan Henrik Stahlberg u.a.

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Der Stasi ins Glas gepinkelt

„Der Rote Kakadu“ (Dominik Graf, D 2006)

Warum sehen in deutschen Ausstattungsfilmen, die ein historisches Thema bedienen, die „Massenszenen“ bloß immer so nach Museum aus? Auch in Dominik Grafs neuem Film „Der Rote Kakadu“, der im Dresdner Sommer 1961 vor dem Mauerbau spielt, ist das nicht anders. In den Verkehrs- bzw. Straßenszenen meint man förmlich die Aufnahmeleiter hinter den Original-Kulissen wirken zu sehen. Einfach prima, wie da die historischen Fahrzeuge aus den Automuseen über das Set brummen, sogar ein gelber Doppeldeckerbus anno 1961 ist dabei, und die Passanten bewegen sich so schön gleichförmig, einstudiert „ungezwungen“ über die Bürgersteige. Realität wie aus der Puppenstube oder einer Modelleisenbahnlandschaft, nostalgisch, detail-verliebt und künstlich.

Ansonsten ist Grafs Spielfilm durchaus unterhaltend und interessant. Auch wenn er und seine Drehbuchautoren Karin Åström und Michael Klier sich für ihren „DDR-Film“ fast zu viel vorgenommen haben, Systemkritik, Kunstpolitik, Stasi, Familie, Dreiecksbeziehung, Schwarzmarkt, Intrigen, Verrat, „Republikflucht“, was gar nicht alles befriedigend abgearbeitet werden kann.

Jugendnöte in der DDR zwischen Rock’n’Roll und „dekadenter“ Lyrik. Die Atmosphäre in Dresden kommt zu Beginn des Films gar nicht so ungemütlich daher, auch wenn Stasi-Trupps ein flott nach westlicher Plattenmusik tanzendes Jugendvölkchen im Park brutal auseinanderprügeln. Man hat ja noch seine schützenden Refugien, wie das legendäre Tanzlokal „Der Rote Kakadu“ oder das familiäre Nest von Tante Hedy (Ingeborg Westphal). Neffe Siggi (Max Riemelt) wohnt bei ihr, will Kulissenmaler werden, ist am Theater beschäftigt und lernt als Zeuge des Stasi-Einsatzes im Park die junge Dichterin Luise (Jessica Schwarz) und kurz darauf auch ihren Ehemann Wolle (Ronald Zehrfeld) kennen. Auf Luises Spuren gelangt der verliebte Siggi in den „Roten Kakadu“, in dem sich die rebellische Jugend so austobt, als ob ihr die gleichzeitig anwesende Stasi gar nichts anhaben könnte. Ja es kommt hier, wenn man so will, zum friedlichen Wettstreit der Generationen und der Kulturen. Auf der einen Seite Westmusik, auf deren anderen Polka und Balalaika. Die Genossen der Staatssicherheit reagieren vorerst noch scheinbar friedlich auf die Provokationen der Jugend.

Siggi möchte an der Theaterhochschule in Leipzig Bühnenbau studieren, braucht dazu aber das Placet des neuen Theaterdramaturgs, eines Stasi-Majors (Devid Striesow), der ihn sogleich als Spitzel anwerben möchte. Dagegen steht nicht nur die Freundschaft mit dem standfesten Wolle, der nicht kuscht, sondern den Stasi-Bonzen schon mal buchstäblich ins Glas pinkelt. Als Siggi dann auch noch schwärmerisch verliebt ohne Luises Wissen und an der staatlichen Zensur vorbei ihre Gedichte als Privatdruck herausbringt, ist nicht nur der Beziehungskonflikt zwischen dem Freundestrio perfekt, sondern schlagen auch die Staatsorgane unbarmherzig zu. Wolle landet im Gefängnis und Luise wird verhaftet. Siggi kann im letzten Moment, kurz vor dem 13. August, in den Westen fliehen. Die Zeiten des subversiven „Roten Kakadus“ sind vorbei. Die Stasi kann sogar erfolgreich die Legende vom Verräter Siggi unter den Jugendlichen lancieren.

Die Freundes- und Liebesbeziehungen zwischen den drei Hauptprotagonisten bleiben letztlich unentschieden. Halb zieht es sie, halb können sie nicht. Luise liebt Wolle, mit dem sie von Kindesbeinen an zusammen ist, toleriert sogar seine Seitensprünge, ermutigt aber auch Siggi in seiner Verliebtheit und flirtet heftig mit diesem, ohne sich von ihrem Mann tatsächlich trennen zu wollen. Der geistige Partner für Luise ist Siggi, der ihre Gedichte versteht und sie in ihrer Existenz als Künstlerin fördern möchte. Der Proletarier Wolle hingegen zeigt wenig Interesse und Verständnis, eher Eifersucht für die Begabung und Ideale seiner Frau.

Leider scheint Graf die eigentliche Geschichte nicht genug zu sein. Immer wieder erinnert er in einer Art Countdown an die historischen Ereignisse vor dem Mauerbau. So als ob er der plot-immanenten, ständig an die historischen Geschehnisse gemahnenden Dramatik und dem geschichtlichen Wissen seiner Zuschauer nicht trauen würde. Der Film braucht diese Historiker-Sichtweise mitnichten, weil seine Geschichte funktioniert und interessiert. (Helmut Schulzeck)

Der Rote Kakadu, D 2006, 129 Min., 35mm, Regie: Dominik Graf, Buch: Karin Åström und Michael Klier, Darsteller: Max Riemelt, Jessica Schwarz, Ronald Zehrfeld, Devid Striesow u.a.

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Amerikanische Dokumentarfilme im Panorama

„Matthew Barney: No Restraint“ (Alison Chernick, USA 2005),
„Dave Chappell’s Block Party“ (Michel Gondry, USA 2005)

Mit sieben Dokumentarfilmen gegenüber drei Spielfilmen setzte die Sektion Panorama dieses Jahr einen Schwerpunkt auf Dokumentarisches bei der Auswahl aus amerikanischen Einreichungen. Praktisch alle Dokumentationen setzen sich mit Kunst und Kultur im weiteren Sinne auseinander, allein vier lassen sich als Künstlerportraits kategorisieren.

Katharina Otto-Bernstein entwirft in „Absolute Wilson“ ein Portrait des Theatermachers und Installationskünstlers Robert Wilson, das zum ersten Mal auch die persönlichen Seiten des Ausnahmekünstlers unter die Lupe nimmt. Ein Tribute Konzert, das zu Ehren von Leonard Cohen im vergangenen Jahr in Sidney veranstaltet wurde, nimmt Lian Lunson in „I’m You Man“ zum Anlass, nicht nur die Auftritte von Nick Cave, Jarvis Cocker, Rufus Wainwright und anderen zu dokumentieren, sondern in Backstage Interviews dem Poeten und Songwriter Cohen seltene Kommentare zu seiner Biografie zu entlocken. Lisa Aides und Lesli Klainberg beschäftigen sich in „Fabulous! The Story of Queer Cinema“ mit der kulturhistorischen Entwicklung des schwul-lesbischen Films und insbesondere der Darstellung homosexuellen Lebens darin. Die Dokumentation deckt dabei von der experimentellen Avantgarde der 40er bis zum „New Queer Cinema“ gut 60 Jahre Filmgeschichte ab. Barbara Hammer hingegen macht sich in „Love Other“ mit Hilfe einer Collage aus Fotos, Dokumenten und Spielszenen auf die Spuren der surrealistischen Künstlerinnen und lesbischen Widerstandskämpferinnen Claude Cahun und deren Geliebter Marcel Moore. Die einzige Ausnahme im Reigen der kunstorientierten Dokumentarfilme bildet „Wal-Mart: The High Cost of Low Price“. Robert Greenwald geht im Stil eines Michael Moore den erzkapitalistischen und menschenverachtenden Praktiken der global operierenden Supermarktkette nach.

Nach einer TV-Dokumentation über Jeff Koons widmet sich Alison Chernick in ihrem zweiten Dokumentarfilm wieder einem Gegenwartskünstler. Es war der vielseitige Performance-, Konzept- und Medienkünstler Matthew Barney selbst, der ihr sein Storyboard zu einem geplanten Film zeigte und ihr damit die Anregung zur Dokumentation des kompletten (Film-) Projektes „Drawing Restraint 9“ gab. Barney, bekannt vor allem durch seinen bildstarken Filmzyklus „Cremaster Cycle“ und in diesem Jahr auch Mitglied der Berlinale-Wettbewerbsury, erhielt von einem japanischen Kunstmuseum die Einladung zu einer Ausstellung und einem neuen Projekt. Chernick begeleitet Barney und dessen Lebensgefährtin sowie Mitstreiterin Björk bei seiner Fahrt auf einem japanischen Walfangtrawler. Barney gießt während der Fahrt aus 45.000 Pfund Petroleumgelee eine Skulptur, die von den Walfängern zerlegt wird, während Barney den Prozess filmt. Für den Ausstellungsbesucher wird dieser Film, der aus etlichen weiteren, visuell starken Episoden besteht und eine ungewöhnliche Liebesgeschichte erzählt, das letztendliche Exposé sein. Chernick gewährt durch ihre Dokumentation Einblicke in den Schaffensprozess Barneys. Ihr Protagonist gibt erstaunlich unprätentiös Auskunft über seine Motivation und die Konzepte hinter seinen Arbeiten. Für ein besseres Verständnis holt Chernick in der Mitte des Films ein wenig aus, fasst die wichtigsten biografischen Stationen Barneys zusammen und befragt Eltern, Galeristen und Kritiker. Als Jugendlicher, so der Vater, hatte Barney den Berufswunsch Schönheitschirurg gewählt, schon damals wollte er „characters and faces“ erschaffen. Der während seiner akademischen Karriere auch als Football-Profi erfolgreiche Barney setzte in seinen Arbeiten eine Philosophie des „personal best“ fort. Seine körperbetonten Arbeiten der Serie „Drawing Restraint“ basieren auf einem Konzept des bewusst gesetzten, meist körperlichen Widerstandes, seiner Überwindung und damit dem „removing restraint from the body“, so Barney.

Chernick gelingt nicht nur ein Portrait, sondern auch die Dokumentation eines außergewöhnlichen Kunstprojektes, seines Schöpfers, aber auch der einbezogenen Umwelt. Sie hat immer einen Blick für die mittelbare Umgebung, kleine Ausschnitte aus dem japanischen Arbeitsleben mit den für uns ungewöhnlichen Ritualen. Zwei Interview-Kommentare beschreiben sehr treffend die Sichtweise der Japaner auf das Projekt. Ein Vertreter der Walfang-Reederei gibt unumwunden zu, das Konzept des Künstlers nicht verstanden zu haben, aber trotzdem gespannt auf das Ergebnis zu sein. Und ein Besucher der späteren Ausstellung bescheinigt Barney einen ungewöhnlich klischeefreien Blick auf die japanische Kulturgeschichte und die Tradition des Walfanges. Die Problematik des japanischen Walfanges habe sie bewusst ausgeklammert, gab Alison Chernick auf der Premiere während der Berlinale bekannt. Das wäre ein anderer Film geworden.

Michel Gondry war auf der diesjährigen Berlinale mit gleich zwei Filmen vertreten: Sein dritter Spielfilm „The Science of Sleep“ lief im Wettbewerb. Mit „Dave Chappell’s Block Party“ liefert der für seinen ausgefallenen visuellen Stil und Filmwelten mit eigenwilligen, aber logischen Gesetzmäßigkeiten bekannte Filmemacher eine unvermutet gradlinige Dokumentation ab. Stand-Up-Comedian Dave Chappell, hierzulande durch die auf MTV ausgestrahlte „Chappell Show“ bekannt, schmiss anlässlich einer Vertragsverlängerung seiner TV-Show eine kleine „Nachbarschaftsparty“ inklusive Live-Konzert in seinem Wohnviertel in Brooklyn. Gondry begleitet Chappell bei den organisatorischen Vorbereitungen, den Proben mit den Musikern und bei seinem Besuch in seiner Heimatstadt Cleveland, Ohio. Dort nämlich lädt Chappell seine ehemaligen Nachbarn und die örtliche Marschkapelle samt Cheerleadern zum Konzert. Gondry nimmt sich als Filmemacher zurück und überlässt das Feld ganz seinem gutgelaunten Protagonisten, für den bereits die Vorbereitungen zum Konzert ein einziges Freudenfest sind. Der Gute-Laune-Funke springt dann auch alsbald über und wenn das Freiluft-Konzert vor gut tausend Besuchern beginnt, dann ist man auch als Kinobesucher mittendrin. Auch hier kann Gondry die Stimmung vermitteln, Schnitt und Auswahl der Songs sowie komödiantischen Einlagen sind hervorragend gelungen. Höhepunkt des Konzertes mit u.a. Erykah Badu und Mos Def ist das Reunion Konzert der Fugees.

Der Film funktioniert als Dave Chappell Special, weniger als Portrait eines jungen Entertainers, was sicher auch nicht beabsichtigt war. Wenn Dave Chappell mit einer Mischung aus Respekt und Schelmerei auf die Menschen in seiner Umgebung zugeht, wahrt auch der Film in seinen kleinen Ausflügen in die Nachbarschaft eine respektvolle Distanz. Der Film entlässt den geneigten Zuschauer mit rein positiver Energie und den Autor mit der Idee, doch vielleicht mal wieder eine Party mit Live-Musik zu organisieren. (dakro)

Matthew Barney: No Restraint, USA 2005, DV, Regie: Alison Chernick, mit Matthew Barney, Björk. Dave Chappell’s Block Party, USA 2005, 16mm/35mm Blow Up, Regie: Michel Gondry, mit Dave Chapell, Erykah Badu, Laureen Hill, Jean Wyclif u.a.

Perspektive Deutsches Kino

Persönlicher Blick hinter die Doping-Kulisse

„Katharina Bullin - Und ich dachte ich wär’ die Größte“
(Marcus Welsch, D 2005)

„Das war wie beim Militär“, „ich war ein Versuchskaninchen“, erinnert sich Katharina Bullin an den Drill im Trainingslager. 1980 gewann sie mit der DDR-Volleyball-Nationalmannschaft eine Silbermedaille bei den Olympischen Spielen in Moskau und galt in der DDR als Ausnahmesportlerin – nicht ohne „leistungssteigernde Hilfsmittel“, wie sie aber erst später erfuhr. Denn zum Staatsplan 14.25 gehörte nicht nur die Verabreichung von Anabolika an DDR-AthletInnen, sondern auch es diesen zu verheimlichen. Harmlos seien die Mittelchen, die sie nehmen musste, wurde Katharina Bullin immer wieder gesagt, heute ist sie eine Sportinvalidin „mit ständigem Schmerzpotenzial“.

Zwar erzählt Marcus Welschs Dokumentarfilm Bullins Doping-Geschichte sehr genau und lässt so auch Rückschlüsse auf die kriminellen Machenschaften von Trainern und Sportärzten in der DDR zu, doch wie Welsch auch im Interview nach der Filmvorführung sagt, wollte er „keinen Anklagefilm machen“ über eines der noch immer wenig aufgearbeiteten Kapitel der DDR-Geschichte. Was ihn interessierte, war eher die Person Katharina Bullin, ihr Weg aus der DDR-Sportelite durch das tiefe Tal von Depression und Alkoholismus hin zu einer heute aktiven Auseinandersetzung mit ihrer durch das Doping verursachten Krankheit. Sichtbar wird so eine Person, die zwar mit Leib und Seele Sportlerin war und auch noch immer „sportverrückt“ ist, aber dies eben nur auch. Bullin wurde zum Opfer eine industrialisierten Erzeugung von Sport-Helden, die als „Diplomaten im Trainingsanzug“ beweisen sollten, dass der Sozialismus das bessere, weil leistungsstärkere System ist. Aber sie wurde auch zum Opfer ihres eigenen (Größen-) Wahns, „immer kämpfen zu müssen“. „Kollateralnutzen“ solches selbstzerstörerischen Kampfeswillens ist freilich, dass sie heute mit ebensolcher Energie gegen die Spätfolgen des Dopings ankämpft. Eine unbeugsame Frau, die durch die Anabolika aussieht wie ein Mann, sitzt da vor der Kamera und spricht freimütig über ihre „Unbefangenheit damals“ und auch die tiefen Fälle danach. Eine starke Frau, nicht der Muskeln wegen, sondern wegen ihres Willens sich ihrer Geschichte zu stellen.

Und eine Sympathin. So bestürzend Bullin etwa davon erzählt, wie sie trotz eines Knochenbruchs im Fuß vermittels eines Spezialgipses weiter zu Höchstleistungen angespornt und ausgenutzt wurde, so komödiantisch weiß sie zu von einer Autopanne zu berichten, bei der sie und eine Trainingskollegin, beide gehandicapt durch Sportverletzungen, einen Trabbi wieder flott machten.

Geschichte als persönliche, den Zuschauer auch in einem Dokumentarfilm berührende zu erzählen ist eines der großen Potenziale des Mediums Film. Marcus Welsch vertraut diesem Potenzial der Bilder und sein Verzicht auf das sicher zu große Unternehmen, die Doping-Geschichte der DDR aufzuarbeiten, erweist sich als besondere Stärke des Films. Nicht nur, weil Katharina Bullin ihren Ärzten von damals nicht mehr begegnen will, zu groß sind die auch seelischen Verletzungen, hat Welsch auf ein „journalistisches“ Verfahren verzichtet, auch die andere Seite zu hören. Die Doping-Ärzte vor die Kamera zu bringen, das wäre in der Tat „eine andere Geschichte“ geworden. Hier erzählt er die eine und einzigartige der Katharina Bullin, auch wenn die exemplarisch sein mag für viele andere Opfer eines menschenverachtenden Systems, jugendlichen sportlichen Elan mit buchstäblich allen Mitteln für die Staatsräson einzuspannen. (jm)

Katharina Bullin - Und ich dachte ich wär’ die Größte, D 2005, 79 Min., Regie: Marcus Welsch

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Kunst als Krimi

„Wholetrain“ (Florian Gaag, D 2005)

Ein „Jungsfilm“, in dem dieselben nicht wie in den nachrevolutionär züchtig, kleinbürgerlich, pseudo-wild geworden, popgearteten 70ern mit Märklin-Eisenbahnen spielen, sondern echte Züge bemalen und ganz in echt und „voll geflasht“ ums Leben kommen. Autor und Regisseur Florian Gaag gehörte selbst jahrelang der Münchner Graffiti-Szene an, bevor er das Medium wechselte, Film studierte und nun mit seinem Spielfilmdebüt trefflich die Leinwand besprüht – inklusive kongenialem Hiphop-Soundtrack, für den er auch verantwortlich zeichnet.

Kein Wunder also, dass Gaags Spielfilm in vielem wie ein Dokudrama wirkt: Einblicke ins innerste Innere der Sprayer-Szene, ihrer Antriebe, ihrer Ästhetik, ihrer süchtigen, nicht davon lassen könnenden Lebensentwürfe mit den „Big Caps“ der Sprühüberdosis. Kunst kommt vom Rand, vor allem wenn sie innovativ und ein „Battle“, ein Wettstreit um die Meriten der Besten unter den Besten ist. Fast wie ein Sport, aber so notwendig ihre Urheber verzehrend, wie wahre Kunst eben ist und immer war. David (Mike Adler) ist der Mastermind der Sprayer-Posse „KBS“, ein Pädagoge des Graffitis als ernst zu nehmende Kunst, der seinen „Schüler“ Achim (Jacob Matschenz) mutprobend, wie taffe Jungs das tun, in die Posse integrieren will. Großes Projekt: Nicht nur einen U-Bahn-Wagen besprühen, sondern einen ganzen Zug, einen „Wholetrain“. Dafür bedarf es einiger kriminalisierter künstlerischer Energie und der ganzen pubertierenden Manneskraft. Zumal die Rivalen der anderen Sprayer-Gang schon mal mit kräftigem Sprühstrich vorgelegt haben. Das Duell mit der „Can“ ist vorprogrammiert und wird von Gaag mit wackelnder Doku-Cam inszeniert. Problem: David ist bei der Soko Grafitti längst aktenkundig und auf Bewährung. Noch ein Spray und er wandert in den Jugendknast. Ein Kick, der die Kunst noch einmal beflügelt. Wie Tino (Florian Renner), den Kindsvater wider Willen und Davids Busenfreund. Sein unbändiger Sprüh-Wille kostet ihn am Ende das Leben, auf der Flucht vor den „Bullen“ rennt er vor ein Auto. Was die Sprayer stoppt, nur David nicht, der seinem verunglückten Freund Epitaphe auf die Fassaden sprüht ...

Gaags Film ist gleichzeitig hochgespannter und atemlos gefilmter Krimi wie ein ganz und gar parteiisches Plädoyer für eine Kunst, die unmittelbar nach dem (eigenen) Leben trachtet und in den bürgergesellschaftlichen Gerichtsakten dennoch nur als „Sachbeschädigung“ Niederschlag findet. Der ewige Kampf mit ihren Widersachern, beamteten „Schadensbekämpfern“, gibt der Kunst erst den eigentlichen Kick. Wenn Davids Bewährungshelfer ihm empfiehlt, seine Arbeiten einem Kunstprofessor vorzustellen, und der dann mit dem ganzen „uncoolen“ Vokabular etablierter Kunstkritik jene lobt, während David ihm angewidert den Rücken kehrt, wird deutlich, dass solche Kunst nicht für den Sarg des Museums taugt und nicht ohne die Gefahr des Krimis auskommen kann. Ein Film über die Vergänglichkeit von Kunst auf verbotenen Leinwänden und über die Kunst an sich als nicht ewige, sondern dem Leben und darin Ableben verhaftete. Groß! (jm)

Wholetrain, D 2005, 83 Min., 35 mm. Buch, Regie, Musik: Florian Gaag, Darsteller: Mike Adler, Florian Renner, Elyas M’Barek, Jacob Matschenz u.a.

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Liebeserklärungen an einen Sport

„Warum halb vier?“ (Lars Pape, D 2006)

Angenehm unangestrengt trotz anstehender Weltmeisterschaft im eigenen Land geht Lars Papes Dokumentation „Warum nach halb vier?“ dem Faszinosum Fußball nach. Im Mittelpunkt stehen nicht Stars und Spiele, sondern die Fans und ihre Geschichten.

Manni und Heinz kickten einst in gegnerischen Jugendmannschaften, jetzt als Rentner blicken sie auf eine jahrzehntenlange Freundschaft zurück, die auch die Trennung von Ehepartnern überdauerte. Schauspieler Joachim Król sinniert über die Bedeutung des Fußball-Sports als Wochenend-Lichtblick für die Bergbau-Kumpels und erklärt die Stadien treffend zu den „Opernhäusern des Ruhrpotts“. Seinen Vater erlebte Król nur einmal weinend: sein Verein war abgestiegen. Lars Pape sammelt die Geschichten der Tribünenplätze, sucht nach dem emotionalen Kern des Sports und findet ihn bei den Fans. Auch Public-Relations-gewöhnte Spitzensportler und Macher wie Völler und Bobic geben vor Papes Kamera nicht nur Erfolgs-Anekdoten zum Besten, sondern schildern auch die emotionalen Talfahrten des Sports und die vernichtende oder antreibende Kraft des Publikums. Nebenbei klärt uns Pape noch über die „Ultras“ auf und stellt den rein weiblichen Fan-Club „Girls United“ vor.

Wie wichtig die Unterstützung der Fans ist und dass sie dem Sport zu seiner Attraktivität auch in Zeiten der Mega-Events verhelfen, visualisiert Pape mit einem gar nicht so kleinen Experiment: Vor leerem Rasen probt ein Fan-Block die Kampfgesänge und Movements, die im vollen Stadion begeistern.

Pape gelingt, mit „Warum halb vier?“ die Seele des Fußball-Sports in den kleinen Portraits und Interviews herauszuarbeiten. Bleibt zu hoffen, dass er Teil des Medienangebots zur diesjährigen Weltmeisterschaft wird, um uns an die Wurzeln des Sports zu erinnern. (dakro)

Warum halb vier?, D 2006, DV. Regie: Lars Pape, Buch: Lars Pape, Axel Pape, mit: Joachim Król, Manni und Heinz, Rudi Völler u.a.

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German Cinema

Mitten ins Kino-Tor

„Eine andere Liga“ (Buket Alakus, D 2005)

„Na, geht doch“ – sagt sich nicht nur die 20-jährige Hayat (Karoline Herfurth), als sie nach einer Brustkrebs-Operation erstmals wieder auf dem Fußballplatz steht und ein Tor schießt. „Na, geht doch“ oder besser „Tor! Tor! Tor!“ möchte auch der Zuschauer rufen. Denn genau diese kleinen Geschichten wollen wir im Kino sehen, die kleinen Dramen, die so authentisch, aber auch so humorvoll erzählt sind, dass man glatt vergisst, dass das Tor, auf das Regisseurin und Autorin Buket Alakus ebenso kämpferisch wie spielfreudig zielt, „nur“ auf der Leinwand steht.

Damit aber auch genug der Metaphorik rund ums runde Leder, denn „Eine andere Liga“ spielt sich zwar rund um den Bolzplatz des „FC Schanze“ im nämlichen Hamburger Viertel ab, ist aber kein Fußballfilm. Vielmehr gibt es im wirklichen Leben genau diese jubelnden Höhen und schründigen Abstürze wie im Fußball. Jäh enden Hayats Fußballträume in der aufstrebenden Mädchenmannschaft des „SC Elbe“, als bei ihr Brustkrebs diagnostiziert wird. Auch für Hayats Vater (Thierry van Werveke), den sie zärtlich „Baba Can“ nennt, ist das ein harter Schlag, denn schon seine türkische Frau, die er immer noch abgöttisch liebt, starb an Krebs, als Hayat noch ein Kind war. Seither ist der Frührentner um seine „kleine Prinzessin“ umso besorgter, verbietet ihr nach der Brust-OP jede Anstrengung und meldet sie heimlich bei ihrem Fußballverein ab. Doch Hayat ist ein Dickkopf und spielt bald bei den bunt zusammengewürfelten Kickermädchen von „FC Schanze“ mit. Und verliebt sich in deren Trainer Toni (Ken Duken), der auch ein Auge auf sie geworfen hat. Wenn denn ganz normales Verliebtsein nach einer Brustkrebs-Operation möglich wäre. Tief sitzen Hayats Ängste vor Liebe und Sex, vor der möglichen Zurückweisung, wenn ihr „Handicap“ entdeckt würde, und nicht zuletzt vor dem Tod. Wie viel Zeit bleibt ihr noch, wenn der Krebs zurückkehren sollte? Wird sie dann ihr von vorne anfangen Müssen „wie ein Marathonläufer, dem man am Ende der Strecke sagt, du musst sie nochmal laufen“, noch beenden können? Doch das Fußballspiel und Toni, der hartnäckig „am Ball“ und auf ihrer Liebesfährte bleibt, lässt sie letztlich sich und ihren Körper wieder akzeptieren. Und so ist das Tor, mit dem sie am Ende den „FC Schanze“ in „eine andere Liga“ des wiedergewonnenen Lebens schießt, auch ein symbolisches.

Fußballende Mädchen, Krebs bei jungen Frauen, eigentlich Themen für zwei Filme. Buket Alakus verwebt jedoch beide Erzählstränge so innig miteinander, dass keiner ohne den anderen bestehen könnte. Fußball wird damit zu mehr als bloß einem Filmstoff, der im WM-Jahr womöglich angesagt wäre, er wird zur Überlebensstrategie, und die Krebsthematik verliert ihre tragödienhafte Schwere, mit der wir sie sonst auf der Leinwand behandelt finden. Ganz nebenbei erfahren wir auch noch etwas über die Underdogs aus dem Hamburger Schanzenviertel, was in anderen Filmen sonst nur zur sozialromantischen Tragikomödie reicht. Alakus betrachtet ihre Figuren nicht vom äußeren Schein der Klischees aus, die sich zwar unvermeidlich einstellen, mit denen sie aber (selbst-) ironisch dribbelt, sondern von innen. Mitten im größten Tumult klinken sich die Figuren zuweilen aus, gleiten hinüber in das leise Echo aus Seele und Gefühlen, das die äußeren Ereignisse auslösen. So erscheinen die Figuren fast durchweg als „räsonierende“, reflektierende in einem inneren Monolog. Wie schwer der in Filmbildern zu erzählen ist, lässt sich vielfach leidvoll im Kinosessel erfahren, hier gelingt er trotz starker bildnerischer Mittel wie ungewöhnlichen Perspektiven und Kadrierungen (Kamera: Bella Halben) ohne jedes nervige Pathos und zauberhaft leichtfüßig.

Wie die vielen kleinen Mini-Geschichten, die Alakus um die Handlung gruppiert. Fast schon liebevoller Slapstick ein Paar, dass sich im Waschsalon, wo Hayat die Trikots ihrer Frauschaft wäscht, „wiedervereinigt“. Nicht minder traurig-komisch zeichnet Alakus die Figur des „Baba Can“, der so gutmütig unpraktisch wie liebesverzweifelt ist, in letzterem ein Parallelreflex auf das, was Hayat durchleidet. Überhaupt die Darsteller: Karoline Herfurth gibt eine Hayat, die gerade durch die Herausforderung der Krankheit vom Mädchen zur Frau reift. Thierry van Werveke leuchtet das Vater-Tochter-Liebes- und auch Abhängigkeitsverhältnis mit sympathisch linkischer Kumpelhaftigkeit als ein ganz besonderes aus. Ken Dukens Toni entwickelt sich vom Platzhirsch zum romantischen Romeo (grandios komisch und gleichzeitig wunderbar poetisch die Szene, wo er mit T-Shirt-Aufschriften vor dem Fenster von Hayats Arbeitsplatz als Goldschiedelehrling um ihre Gunst buhlt). Und die Kickerinnen des „FC Schanze“ sind allesamt charaktervolle Prototypen von der bärbeißigen Rapperin bis zur tantigen „Muddi“ mit fülligem Körpercharme.

Überzeichnungen, Klischeekisten, Klamotten und andere verblasene Ball-Artistiken hätten nahegelegen und wir wissen, wie viele ähnlich „szenige“ Filme in diese Falle tappten (auf der Berlinale nicht zuletzt Detlev Bucks „Knallhart“). Gleichwohl, Buket Alakus gebraucht solche Versatzstücke nur ironisch zitierend und verwandelt sie in den zärtlich mäanderenden und oft bildhaft symbolischen Fluss einer Geschichte mit Tiefgang und – ja – Leidenschaft. Einmal mehr fragt man sich, warum solche Film- und Erzählkunst nur im Nachtprogramm von ARTE und dem Kleinen Fernsehspiel des ZDF, die den Film koproduzierten, läuft, und nicht (oder nur viel zu kurz) im Kino. Diese „andere Liga“ hätte der Film in jedem Fall verdient, denn er flankt mitten ins Tor der ganz großen Leinwand. (jm)

Eine andere Liga, D 2005, 110 Min., 35 mm. Buch: Buket Alakus, Jan Berger, Regie: Buket Alakus, Kamera: Bella Halben, Darsteller: Karoline Herfurth, Thierry van Werveke, Ken Duken u.a. Gefördert durch FilmFörderung Hamburg, Kuratorium junger deutscher Film, Nordmedia Fonds.

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Kinderfilmfest / 14plus

Mein Name ist Plotz! Hot-zen-plotz!

„Der Räuber Hotzenplotz“ (Gernot Roll, D 2006)

Wenn Kameraspezialisten sich an Filmregie machen, sind schöne Bilder garantiert, so auch in diesem Remake von „Der Räuber Hotzenplotz“. Gernot Roll hat für namhafte Kino- und Fernsehfilme hinter der Kamera gestanden (u.a. „Der bewegte Mann“, „Jenseits der Stille“, „Das Mädchen Rosemarie“, „Nirgendwo in Afrika“, „Die Manns – Ein Jahrhundertroman“, „Speer und er“) und dafür renommierte Preise erhalten, so, um nur einige zu nennen, sechsmal den Adolf-Grimme-Preis, dreimal den Deutschen und einmal den Bayerischen Filmpreis. Seine bisherigen Regiewerke machen sich weniger rühmlich aus: Hierzu zählte 1997 „Ballermann 6“ ... In „Der Räuber Hotzenplotz“ führt Roll Kamera und Regie. Schon in der ersten Filmminute sieht man die rotesten aller Äpfel, die grünsten aller Wiesen, die strahlendste Sonne am blauesten Himmel – das kann ja nur ein wonniger Film werden. Und als der furchterregende Räuber alsbald der lieben Oma so mitten am hellichten Sonnentag ihre Kaffeemühle raubt, kann einem schon das Herz aufgehen: Hier befinden wir uns in der besten aller Welten, wo kein Problem ungelöst bleibt und auch die Schurken ihre liebenswerte Seite haben.

Die 93 Filmminuten werden für Kinder ab fünf Jahren empfohlen – und auch die Eltern werden sich vor lauter Spaß, Spannung und Slapstick nicht langweilen. Die Kurzweil ist vor allem der herrlichen Besetzung zu verdanken: Armin Rohde entfaltet mit düsterem Outfit und verfaulten Zähnen seinen Schurken-Charme. Fürsorglich, aber rollengemäß ängstlich und kurzsichtig agiert Christiane Hörbiger als Großmutter. Den neunmalklugen Kasperl mit der rotesten aller Zipfelmützen gibt der naseweise Martin Stührk, und Seppel ist der unschlagbar niedliche Manuel Steitz. Der böse Zauberer Petrosilius Zwackelmann wird dargestellt von Rufus Beck. Den ewig bemitleidenswerten Wachtmeister Dimpfelmoser hätte man nicht besser besetzen können als mit dem zu voller Form auflaufenden Piet Klocke, der für keine Geringere als Katharina Thalbach als Hellseherin Portiunkula Schlotterbeck zarte Gefühle hegt. Und alle Zuschauer sind im wahrsten Sinne des Wortes bezaubert, wenn eine weißgoldene Lichtgestalt das Kommando übernimmt: Fee Amaryllis bzw. Barbara Schöneberger.

Sie alle agieren an pittoresken Drehorten: Seßlach/Bayern und Prag. Schauspieler und Requisiten erinnern famos an die legendären Zeichnungen von F. J. Tripp aus den Preußlerschen Buchvorlagen. Und auch wenn Dimpfelmosers Pickelhaube an die gute alte Kaiserzeit gemahnt, stört ein anachronistisch motorisierter Traktor nicht weiter.

Ottfried Preußlers Kinderbuchklassiker „Der Räuber Hotzenplotz“ erschien 1962 und der Folgeband „Neues vom Räuber Hotzenplotz“ 1969. Rolls Film nach dem Drehbuch von Ulrich Limmer verarbeitet den Inhalt beider Bände und ist so „nahe dran“, dass sogar der inzwischen über 80jährige Autor seinen Segen gegeben hat.

Die berühmte Verfilmung von Gustav Ehmck mit Gert Fröbe in der Titelrolle, Lina Carstens als Großmutter und Josef Meinrad als Zauberer Zwackelmann entstand 1974. So manchem Fan dieses Hotzenplotz-Filmklassikers werden die pralle Farbgewaltigkeit und Action-Dichte im neuen Werk vielleicht zu viel werden. Aber für sich genommen ist dieser „Räuber Hotzenplotz“ ein pralles Vergnügen für die ganze Familie jenseits jeglicher Spaßgesellschaft. Es seien „Gute-Laune-Dreharbeiten“ gewesen, meint Regisseur Gernot Roll. Man mag es ihm aufs Wort glauben und sich ab 23. März 2006 im Kino davon überzeugen. (gls)

Der Räuber Hotzenplotz, D 2006, 93 Min., 35 mm. Buch: Ulrich Limmer nach den Büchern von Ottfried Preußler, Regie, Kamera: Gernot Roll, Darsteller: Armin Rohde, Rufus Beck, Katharina Thalbach, Piet Klocke u.a.

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Geschichten von Sandra und Lilly

„Fyra Veckor i Juni / Vier Wochen im Juni“ (Henry Meyer, Schweden 2005)

Das Schöne an Jugendfilm-Reihen wie 14plus ist, dass die darin laufenden Filme oftmals solche sind, die den Blick öffnen für eine offen-positive Perspektive, ohne dass die geschilderten komplexen Verflechtungen und Probleme hinweggefegt werden. Sie sind oft hoffnungsvoller als die reinen „Erwachsenenfilme“ und decken dabei ein Altersspektrum ab, das Jugendliche wie auch Erwachsene umfasst.

Die siebenköpfige Jugendjury hat sich auf der Berlinale 2006 unter neun Filmen für ein Werk aus Schweden als Sieger und Träger des Gläsernen Bären entschieden: Henry Meyers „Vier Wochen im Juni“. „Die humorvolle und zugleich berührende Geschichte einer Beziehung zwischen Jung und Alt hat uns überzeugt und nachdenklich gestimmt. Das Aufeinandertreffen von Zukunft und Vergangenheit verkörpern in diesem Film zwei hervorragende Schauspieler in wundervollen Dialogen.“

Jung und Alt, das sind in diesem Film Sandra und Lilly. Sandra, kaum 20, hat sich durch einen gewalttätigen Racheakt an ihrem Ex-Freund eine Jugendstrafe eingehandelt, muss deshalb bei den „Ameisen“ („Myrorna“) in einer gesichtslosen Hafenstadt im nördlicheren Schweden Kleider sortieren und wird in eine Mini-Wohnung in einem Sozialmietwohnungskomplex einquartiert. Dass dieser gerade mit viel Krach und anderen für die verbliebenen Bewohner störenden Einschränkungen saniert wird, nervt Sandra genauso wie die alte Dame, die zwei Stockwerke über ihr wohnt. Letzteres nur aus Altersstarrsinn: Lilly will partout nicht aus der Wohnung weg, obwohl ihr Kreislauf nicht mehr der verlässlichste ist und ihre Tochter Rebekka ihr lieber heute als morgen einen Platz im Altersheim besorgen würde. Obwohl sie sich anfangs keineswegs freundlich begegnen, wächst die Sympathie zwischen den Frauen, die beide ihre Erfahrungen mit den schweren Seiten von Leben und Liebe gemacht haben. Und beide haben ihre Geheimnisse ...

Der Film enthält viele Problemmarken: Sandras Heimkind-Biografie, Lillys Lebenslüge, das komplizierte Verhältnis zur eigenen Tochter, die Ausbeutung der Schwarzarbeiter aus Polen, sexuelle Belästigung am Arbeitsplatz, sogar eine Vergewaltigung. Andererseits fasst er viel Hoffnung für eine wenn auch ungewisse Zukunft. Und zeigt Sinn für Humor.

Henry Meyer, der 1947 geborene Regisseur, hat ein wundervolles Drehbuch verfasst, das nicht redselig daher kommt, auch wenn viel erzählt wird, das zwei Sprachen einplant, das Schwedische und auch das Englische, das Sandra und der junge Marek, der sich in sie verliebt, miteinander sprechen. Unangestrengt gelingt es Meyer, die Problematik von Vertreibung und Migration, ob aus politischen oder wirtschaftlichen Gründen, mitschwingen zu lassen.

Sandra und Lilly – man kann ins Schwärmen geraten dank der großartigen Verkörperung durch Tuva Novotny und Ghita Nørby. Die 26-jährige Tuva Notvotny sieht mit Unmengen von Lidschatten, Topps und String-Tangas tatsächlich einige Jahre jünger aus, während es Ghita Nørby, eine Grande Dame des nordischen Films, zwar zu einer verhuschten Erscheinung als Lilly unfrisiert im Morgenmantel, aber kaum zu einer 80-jährig aussehenden 80-Jährigen bringt. In etwa so alt müsste Lilly sein, deren Geschichte man nebenbei erfährt: Sie wurde von ihren deutsch-jüdischen Eltern als Kind nach Dänemark zu Pflegeeltern geschickt und so vor dem sicheren Tod gerettet. Allenfalls hier klingt Melodramatik an, indem der Film ausgerechnet die Inbegriffe schlimmer Jugendschicksale parallel setzt: das Heimkind Sandra und Lilly, die dem Nazi-Terror knapp entging.

„Fyra Veckor i Juni“ lief in Schweden im August 2005 an, wurde vom Publikum allerdings nur mittelmäßig angenommen. Ghita Nørby („Babettes Fest“ 1987, „Hamsun“ 1996) erhielt Ende Januar 2006 den schwedischen Filmpreis „Guldbagge“ als beste Nebendarstellerin. Und Tuva Novotny, die als Schauspielerin international tätig ist – sie war auf der Berlinale 2006 ebenfalls in der Sektion Panorama im neuseeländischen Spielfilm „No. 2“ zu sehen – ist gerade nach Kopenhagen gezogen, um sich zumindest dem schwedischen Starrummel zu entziehen.

Ob es der schwedische Film in die deutschen Kinos schafft? Vielleicht, wo doch Kino-Kassenschlager wie „Wie im Himmel“ (Kaj Pollack, 2004) auch hierzulande erfolgreich waren und nach „Populärmusik aus Vittula“ (Reza Bagher, 2004) sogar noch „Zurück nach Dalarna“ (Maria Blom 2004) im deutschen Verleih folgte. Doch „Vier Wochen im Juni“ ist weder schwülstiges Gefühlskino, noch nordisch-skurril – das macht ihn im Verleih vielleicht weniger gut absetzbar, aber unbedingt sehenswert. (gls)

Fyra Veckor i Juni, Schweden 2005, 116 Min, 35 mm. Buch, Regie: Henry Meyer, Darsteller: Tuva Novotny, Ghita Nørby, Lukasz Garlicki, Jessica Zandén, Sissela Kyle.

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Retrospektive

Frühes Hollywood-Plädoyer gegen die Todesstrafe

„I Want To Live!“ (Robert Wise, 1958)

Eine Wiederentdeckung wert waren viele der Filme aus der Retrospektive zum Thema „Traumfrauen“. Mit „I Want To Live!“, von Regisseur Robert Wise („West Side Story“) 1958 basierend auf einem tatsächlichen Justizfall inszeniert, hat die Retrospektive einen Hollywood-Film ins Programm genommen, dessen Thema nach wie vor brennend aktuell ist: die Todesstrafe.

Susan Hayward spielt Barbara Graham, die 1953 wegen Raubmordes an einer alten Dame von einem Gericht zur Todesstrafe verurteilt und in der Gaskammer hingerichtet wurde. Die bereits wegen Kuppelei vorbestrafte Barbara Graham kann, als es zur Anklage kommt, kein Alibi vorweisen, obwohl sie an der Tat nicht beteiligt war. In ihrer Verzweiflung will sie sich ein Alibi erkaufen, gerät jedoch durch den Verrat einer Mitinsassin an einen verdeckten Ermittler. Nach der Verurteilung schöpft ihr Anwalt alle Rechtswege aus, um eine Aussetzung der Strafe zu erreichen. Vergeblich.

Für die Darstellung der Zeit nach der Urteilsverkündung, insbesondere den letzten Tagen und Stunden vor der Urteilsvollstreckung nimmt sich der Film gut 40 Minuten Zeit. Die Vorbereitung der Hinrichtung werden sehr detailliert geschildert. Wise lässt Susan Hayward sehr viel Raum, der Figur der Barbara zwischen Todesangst und Hoffnung, Aufsässigkeit und Resignation Tiefe zu verleihen. Zuvor hatte die Hayward schon den Lebenslauf Barbara Grahams vom sorglosen Partygirl über die Klein-Gangsterin zur desillusionierten Ehefrau und alleinerziehenden Mutter glaubhaft verkörpert. Dabei strahlt die Hayward stets eine immense Vitalität und einen Bad-Girl-Sexappeal aus.

Die Zweifelhaftigkeit des Urteils, die detaillierte Darstellung der Hinrichtung und vielschichtige und glaubhafte Darstellung Barbara Grahams, für den Susan Hayward 1959 den Oskar erhielt, machen aus „I Want To Live!“ ein starkes Plädoyer gegen die Todesstrafe. Auch heute funktioniert der Film noch als solches, wie auch als Noir-Crime-Story.

Das i-Tüpfelchen des Films ist seine Musik. Für den Jazz-Soundtrack, der im Film sowohl als Score und als szenisch motivierte Musik eingesetzt wird, zeichnete Gerry Mulligan verantwortlich. (dakro)

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abgedreht – aktuelle Produktionen
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„Klassentreffen“ läuft in der ARD

Der nach einem Drehbuch des Lübecker Autors Arne Sommer unter der Regie von Marc Hertel gederehte Film „Klassentreffen“ (D 2004) ist ein weiteres Mal in der ARD zu sehen, am 19. März 2006, 23.30 Uhr.

(nach einer Produktionsnotiz von Arne Sommer, www. arnesommer.de)

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Sergei Loznitsas „Blockade“:
Nach Premiere in Rotterdam in die weite Festivalwelt

Nach dem erfolgreichen Screening beim Filmfestival in Rotterdam kann sich Sergei Loznitsas Film „Blockade“ (gefördert von der Kulturellen Filmförderung S.-H.) über zahlreiche weitere Festival-Einladungen freuen:

- Nyon Doc. Film Festival
- Gyor Int. Film Festival
- München Doc. Film Festival
- Sheffield Doc. Film Festival
- Gent Int. Film Festival
- Vila de Condo Int. Film Festival
- Jerusalem Int. Film Festival
- New York Undeground Film Festival
- Chicago Int. Film Festival
- Los Angeles Int. Film Festival

Und auch die internationale Presse wusste Loznitsas Found-Footage-Doku über die Belagerung Leningrads durch deutsche Truppen im Zweiten Weltkrieg zu würdigen. Beiträge erschienen neben einigen russischen Zeitungen auch in der BBC.

Derweil befindet sich der aus Litauen stammende Filmemacher in St. Petersburg, um seinen nächsten Film abzuschließen.

(nach Produktionsnotizen von Sergei Loznitsa)

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zugeschaut – Festivals
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Ausschreibung zur Kunstgriff Rolle – Dithmarscher Kurzfilmfest 2006

Der KUNSTGRIFF und die KUNSTGRIFF ROLLE, das Dithmarscher Kurzfilmfest, jähren sich zum vierten Mal und die Veranstalter freuen sich auf aktuelle Einreichungen.

Am 27. August 2006 findet in Heide/Holstein zwischen Hamburg und Sylt das 4. Dithmarscher Kurzfilmfest KUNSTGRIFF ROLLE statt. Das Filmfest ist gleichzeitig die offizielle Abschlussveranstaltung des Dithmascher Kulturprojektes KUNSTGRIFF, in dem sich zwei Wochen lang Künstlerinnen und Künstler verschiedenster Sparten präsentieren. Im Rahmen des Filmfests werden ein jeweils mit 200 Euro dotierter Nachwuchspreis und ein Publikumspreis vergeben. Präsentiert wird das Fest von der YUCCA Filmproduktion Heide, dem FilmClub Heide e.V. und dem Kreis Dithmarschen. Gefördert wird das Projekt durch den Ministerpräsidenten des Landes Schleswig-Holstein. Gezeigt wird eine attraktive Auswahl aktueller Kurzfilmproduktionen. Der unverwechselbare Charakter des Festivals besteht aus der außergewöhnlichen Mischung hochprofessioneller Filmkunst, mutiger Filmhochschularbeiten und unkonventioneller Schülerfilme. Ob Animationen, Spielfilme oder Kurzdokumentationen, Komödien, Satiren oder Nachdenkliches, alle Genres sind erlaubt und gewollt.

Ab sofort können Kurzfilmproduktionen aller Genres bis zu einer Länge von maximal 20 Minuten zur Sichtung eingereicht werden. Die Veranstalter freuen sich insbesondere auch über die Einreichungen von jungen Filmemachern oder Erstlingswerken.

Anmeldeschluss ist der 31. Mai 2006.

Teilnehmen können Produktionen mit Vorführkopien in den Formaten 35 mm, DVD oder Mini DV. Der formlosen Anmeldung müssen folgende Unterlagen beigefügt sein:

- VHS oder DVD Sichtungskopie
- Kurzbiografie, Filmografie
- Inhaltsangabe in 2 Sätzen
- Pressefoto
- Technische Angaben zur Vorführkopie

Anmeldungen bitte an; YUCCA Filmproduktion, Martina Fluck, Österweide 21, 25746 Heide, Tel.: 0160-4392130. www.kunstgriff-dithmarschen.de.

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KurzFilmFestival Hamburg: Einsendeschluss naht

Der Einsendeschluss naht! Noch bis zum 1. April können Dreiminüter zum Thema „Zittern“ beim Internationalen KurzFilmFestival Hamburg eingereicht werden.

Der „Flotte Dreier“ ist der Wettbewerb für Filme mit maximal drei Minuten Länge. 1.000 Euro winken als Siegerprämie, die wie immer in dieser Kategorie vom Publikum vergeben wird.

Das diesjährige Thema „Zittern“ weckt ambivalente Assoziationen – sei es das Zittern um die Lieblingsmannschaft bei der Fußball-WM, Zittern wegen fallender Aktienkurse an der Börse, Zittern aufgrund großer Gefühle, Angst vor einer Prüfung ... Egal, warum man geschüttelt wird oder gerührt ist: es ist ein potentielles Thema. Also Kamera raus und loslegen! Erlaubt ist, was bebt, zittert, vibriert, bibbert, schwankt, flirrt, flattert, fröstelt, schnattert, schauert; von Geschichten und Krimis bis zu Collagen, Trickfilmen und Animationen.

Einsendeschluss: 1. April 2006

Anmeldeformulare gibt's unter www.shortfilm.com.

(nach einer Pressemitteilung des KurzFilmFestivals Hamburg)

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Teilnahmeaufruf für DOKU.ARTS –
Internationales Festival für Filme zur Kunst

DOKU.ARTS – Internationales Festival für Filme zur Kunst findet zum ersten Mal vom 15. bis 17. September 2006 in Berlin statt.

DOKU.ARTS versteht sich als internationale Plattform für Filme zur Kunst, die alle Bereiche der Künste abdeckt: u.a. Musik, Literatur, Theater, Tanz, Kino, Fotografie, Architektur und Bildende Kunst. Das Genre „Filme zur Kunst“ soll aus seiner Nische geholt und seine Vielfalt, Kreativität und Qualität aufgezeigt werden. Im Zentrum des Festivals stehen Dokumentarfilme, ergänzt durch Mischformen zwischen fiktivem und dokumentarischem Genre. Darüber hinaus werden Filme zu sehen sein, die sich an den Grenzen zwischen den Künsten bewegen. DOKU.ARTS bringt Filme aus allen Bereichen der Künste zusammen und ist damit einmalig in Europa.

In der sich verändernden Medienlandschaft wird immer häufiger nur in Form von Magazinen, kurzen Reportagen oder Serien, meist in journalistischer Weise, über künstlerische Themen berichtet. Trotz der fortschreitenden Formatierung gibt es weltweit eine enorme Vielfalt an langen Filmen, die eine eigene künstlerische Qualität aufweisen und die durchaus ein breites Publikum finden. „My Architect“ von Nathaniel Kahn, „Rivers and Tides - Andy Goldsworthy Working with Time“ von Thomas Riedelsheimer und „Rhythm Is It!“ von Thomas Grube und Enrique Sanchez Lansch sind nur einige der Filme, die in den letzten Jahren mit großem Erfolg im Kino liefen.

Auf Initiative von Andreas Lewin (Filmemacher und Schauspieler, Stipendiat der Akademie der Künste 2002) hat die Akademie der Künste als Veranstalter und Träger für DOKU.ARTS – Internationales Festival für Filme zur Kunst gewonnen.

Partner für das Festival sind das Museum für Gegenwart – Hamburger Bahnhof, Berlin, das EDN – European Documentary Network, Kopenhagen und das IMZ – Internationales Musik + Medien Zentrum, Wien.

Kooperationspartner sind die Botschaft von Kanada, die Botschaft der Regierung von Quebec, das Festival International Film sur l’art Montréal und die Akademie Schloss Solitude, Stuttgart.

Teilnahmebedingungen

Teilnehmen können Filme aller Längen in den Formaten 16 mm, 35 mm und Betacam SP, DigiBeta, HD, die in den letzten zwei Jahren fertiggestellt wurden. Filme können bis zum 15. Juni 2006 eingereicht werden. Die Teilnahmebedingungen, Regularien und Festivalinformationen enthält das Einreichungsformular, das unter www.doku-arts.de/pgsd/filmanmeldung.html zum Download bereit steht. Für Rückfragen wenden Sie sich bitte an den künstlerischen Leiter des Festivals, Andreas Lewin: lewin@doku-arts.de, Tel.: 030-20057-1674.

Unter www.doku-arts.de erhalten Sie darüber hinaus weitere erste grundsätzliche Informationen zum Festival, die in den nächsten Wochen und Monaten kontinuierlich ergänzt und erweitert werden.

(nach einer Pressemitteilung von DOKU.ARTS)

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Festivalkalender 2006

Berlin: 17. bis 19. März 2006. 2. BerlinerFilmFenster-grenzenlos. Zur Teilnahme berechtigt sind Kurzfilme (bis 20 Min. Länge): Amateurfilme, Low-Budget-Filme, die nicht in kommerzieller Absicht entstanden, Filme von Filmstudenten, die unter dem Motto „Videofilmer – Chronisten unserer Zeit“ die gesellschaftlichen Umwälzungen, die Auswirkungen auf jeden persönlich oder das Leben in ihren Ländern anschaulich darstellen. Filme, deren Originalsprache nicht Deutsch ist, müssen deutsche oder englische Untertitel haben. Zusätzliche Informationen (nach Möglichkeit): Eine Zusammenfassung des Films (mindestens 30 Wörter), die im offiziellen Katalog verwendet werden darf, sowie weitere Informationen zur Produktion, Filmrezension und Verweis auf Festivalteilnahme (falls vorhanden). Filmografie des Regisseurs/der Regisseurin. Mindestens zwei PR-Fotos. Preise werden nach bestätigtem Finanzplan per Internet bekannt gegeben. Es ist geplant, je einen Preis für den Besten Amateurfilm, Besten Low-Budget Film, Besten Film von Filmstudenten zu vergeben. Alle Preise werden nur an anwesende Autoren oder deren Beauftragte vergeben. Anwesende Autoren, deren Film im Wettbewerbsprogramm läuft, erhalten ein „Kleines Fenster“. Kontakt: Beate Müller, Pistoriusstr. 31, 13086 Berlin, helfried.mahn@t-online.de, www.ars-cinema.de.

Graz, Österreich: 20. bis 26. März 2006. Diagonale - Festival des österreichischen Films und Dok-Markt Graz. Koproduktionstreffen für den kreativen Dokumentarfilm in Österreich, Deutschland, der Schweiz und Südtirol. Tel.: 00431-585232420, Fax: 00431-585232422, jrwieser@to.or.at, www.diagonale.at.

New York, USA: 22. März bis 2. April 2006. New Directors’ New Films Festival (Nachwuchsregisseure). Kein Wettbewerb. Es können lange Filme und Kurzfilme eingereicht werden. Regularien und Anmeldung über German Films, Tel.: 089-59978716, www.german-films.de.

Landshut: 23. bis 26. März 2006. Kurzfilmfestival. Wettbewerb (alle Formate und Genres mit einer Länge bis zu 30 Minuten). Dynamo Kurzfilm, Michael Orth, Tel.: 089-62303416, m.orth@dynamo-kurzfilm.de, www.landshuter-kurzfilmfestival.de.

Augsburg: 29. März bis 2. April 2006. 19. Tage des unabhängigen Films. Die Filmtage sind ein internationales Forum für unabhängige Dokumentar- und Spielfilmkunst. Die internationale Sektion „Perspektiven“ zeigt Neuheiten aus aller Welt, darunter zahlreiche Premieren und Erstlingswerke. Filmbüro Augsburg, Schroeckstr. 8, 86152 Augsburg, filmbuero@t-online.de, www.filmtage-Augsburg.de.

Cannes, Frankreich: April 2006. MIP-TV - Int. Fernsehprogramm-Markt. Organisation: MIDEM, Tel.: 00331-41904580, Fax: 00331-41904570. Media Desk, Tel.: 040-3906585, Fax: 040-3908632, info@mediadesk.de, www.miptv.com.

Frankfurt/Main: April 2006. Nippon Connection-Japanisches Filmfestival. Schwerpunkt des Festivals ist die Präsentation neuer unabhängiger Filmproduktionen aus Japan. Veranstalter: Deutsches Filmmuseum u.a., lukas@nipponconnection.de, www.nipponconnection.de.

Istanbul, Türkei: 1. bis 16. April 2006. 25. Internationales Filmfestival Istanbul. Das Festival ist von der internationalen Produzentenvereinigung FIAPF als Wettbewerbsfestival für Filme zum Thema Kunst anerkannt. Die Veranstaltung ist für ausländische Teilnehmer unter kommerziellen Gesichtspunkten interessant, da mehr als 20 türkische Fernsehsender sowie Verleiher hier auf der Suche nach internationalen Arthouse-Filmen sind. Neben dem internationalen Wettbewerb für Langspielfilme und Adaptionen zum Thema Kunst (Literatur, Theater, Musik, Tanz, Kino, Bildhauerei) können deutsche Lang-, Kurz-, und Dokumentarfilme an verschiedenen Nebensektionen außerhalb des Wettbewerbs teilnehmen. Für den internationalen Wettbewerb sind Langspielfilme im 35 mm-Format (Lichtton) mit einer Mindestlänge von 1.600 Metern zugelassen. Die Filme dürfen vor dem 1.1.2004 noch nicht gestartet und noch nicht in der Türkei ausgestrahlt worden sein. Englische, französische oder türkische Untertitel sind erwünscht. Der Sieger des Wettbewerbs wird von der Jury des Festivals mit der „Goldenen Tulpe“ ausgezeichnet. An einen außergewöhnlichen Beitrag wird der „Sonderpreis der Jury“ vergeben. Istanbul Foundation for Culture and Arts, Istiklal Caddesi Luvr Apt. No. 146, Beyoglu, 34435 Istanbul, Turkey, press.pr@istfest.org, www.istfest.org.

Cannes, Frankreich: 3. bis 7. April 2006. MILIA - Multimediamesse. Unabhängige europäische Produzenten können den von MEDIA unterstützten Gemeinschaftsstand als Service-Einrichtung nutzen. Media Desk, Tel.: 040-3906585 oder direkt beim Marketplace, Tel.: 003135-6950196, Fax: 003135-6950449, marketplace@bit.nl, www.marketplace-events.com.

Lecce, Italien: 5. bis 10. April 2006. Lecce Film Festival. Wettbewerb für Spielfilme, außerdem Preise für Drehbuch, Bildgestaltung, Schauspieler. Tel.: 00390832-252344, Fax: 00390832-279963, artpromo@inwind.it, www.europeancinefestival.org.

Wiesbaden: 5. bis 11. April 2006. go East – 6. Festival des mittel- und osteuropäischen Films. Das vom Deutschen Filminstitut - DIF veranstaltete Festival für mittel- und osteuropäischen Film präsentiert nun schon traditionell jedes Frühjahr in Wiesbaden rund hundert ausgesuchte aktuelle, aber auch historische Filmproduktionen aus den Ländern, die einst hinter dem Eisernen Vorhang lagen. Das Festival goEast, von Anfang an als Forum für Dialog und Reflektion gedacht, bietet neben zahlreichen Filmvorführungen, Lesungen, Podiumsdiskussionen zu politischen Themen, ein filmwissenschaftliches Symposium, Ausstellungen und Filmgespräche. Deutsches Filminstitut (DIF), Schaumainkai 41, 60596 Frankfurt, info@filmfestival-goEast.de, www.filmfestival-goEast.de.

Ravensburg: 7. bis 8. April 2006. Int. TV-Spot und Werbeflimfestival „Spotlight 2006“. Wettbewerb. Spotlight 2006, c/o Frey Film, Tel.: 0751-3666511, Fax: 0751-3666529, info@spotlight-festival.de, www.spotlight-festival.de.

Dresden: 18. bis 23. April 2006. Filmfest Dresden. Wettbewerb (dotierte Preise). Filmfest Dresden, c/o Filminitiative Dresden, Tel.: 0351-829470, Fax: 0351-8294719, info@filmfest-dresden.de, www.filmfest-dresden.de.

Berlin: 20. bis 26. April 2006. 7. britspotting. Das diesjährige Programm bei britspotting dem british & irish independent film festival in Berlin bietet Filmemachern die Gelegenheit, von Experten zu lernen, aber auch die eigenen praktischen Kenntnisse bei unserem 48hour Film Challenge unter Beweis zu stellen. britspotting 48hour film challenge: „The best education in film is to make one!“ Die Herausforderung ist groß: Die Filmemacher haben ein Wochenende Zeit, um einen 3-Minuten Film zu produzieren. Der ganze kreative Prozess – Konzept entwickeln, Drehen, Montage – muss innerhalb von 48 Stunden realisiert werden. Um es schwieriger zu machen, werden Themen und Genres der Filme erst kurz vor dem Start von den Teilnehmern per Los gezogen. Die besten 10 Filme gehen auf Tour nach London, wo sie u.a. im Goethe Institut gezeigt werden. Cinema Acud, Veteranenstr. 21, Berlin Mitte, lena@britspotting.de, www.britspotting.de.

Lissabon, Portugal: 20. bis 30. April 2006. IndieLisboa - Int. Filmfestival des Independent Films. Spiel-, Dokumentar- und Kurzfilme (Animations- und Experimentalfilme). Tel.: 00351-213158399, Fax: 00351-213160057, indielisboa@netcabo.pt, www.indielisboa.com.

San Francisco, USA: 20. April bis 4. Mai 2006. Int. Filmfestival. Wettbewerb „Golden Gate Award“ für Dokumentar-, Fernseh-, Trick- und Kurzfilme. San Francisco Film Society, Tel.: 001415-5615000, Fax: 001415-5615099, sfiff@sfiff.org, www.sfiff.org.

Houston, USA: 21. bis 30. April 2006. Houston Film Festival - Int. Film- und Videofestival für Independent-Produktionen. Wettbewerb. Tel.: 001713-9659955, Fax: 001713-9659960, mail@worldfest.org, www.worldfest.org.

Nyon, Schweiz: 24. bis 30. April 2006. Visions du réel. Die zweite Deadline läuft demnächst aus, für Filme die nach September 2005 fertig gestellt wurden. Das Festival von Nyon ist dem Kino der Wirklichkeit gewidmet, dessen breites Spektrum von Ausdrucksformen es auszuleuchten beabsichtigt: Experimentalfilme, Essays, Film-Tagebücher, Familienfilme, große Reportagen, historische Untersuchungen, klassische Narrationen, fragmentarische Erzählungen. Das Kino der Wirklichkeit setzt sich über die Grenzen der Filmakademien hinweg, verfügt frei über die verschiedensten Genres, integriert Stilfiguren und Montagetechniken, die sowohl dem „Direct Cinema“ entstammen können als auch dem Inszenierungsansatz von Fiktionen. Visions du Réel, Programm, 18, Rue Juste-Olivier, CH-1260 Nyon 1, docnyon@visionsdureel.ch, www.visionsdureel.ch.

Potsdam: 25. bis 30. April 2006. sehsüchte – 35. internationales Studentenfilmfestival. www.sehsuechte.de.

Kiel: 26. bis 29. April 2006. CINARCHEA - Int. Archäologie-Film-Kunst-Festival. AG Film der Christian-Albrechts-Universität und Filmclub Kiel, Tel.: 0431-5794941, Fax: 0431-5794940, agfilm@email.uni-kiel.de, www.uni-kiel.de/cinarchea/index.htm.

Stuttgart: 27. April bis 2. Mai 2006. Int. Trickfilm-Festival. Wettbewerb (dotierte Preise), weitere Sektion „Young Animation“, Tricks for Kids sowie Feature Animation (abendfüllende Trickfilme). Int. Trickfilm-Festival, Film- und Medienfestival GmbH, Tel.: 0711-925460, 0711-92546150, itfs@festival-gmbh.de, www.itfs.de.

Toronto, Kanada: 28. April bis 7. Mai 2006. Hot Docs – Canadian Int. Documentary Festival. Tel.: 001416-2032155, Fax: 001416-2030446, info@hotdocs.ca, www.hotdocs.ca.

Bochum: Mai 2006. Int. Bochumer Videofestival. Wettbewerb (Videos aller Genres, bis max. 35 Minuten). Tel.: 0234-3226902, Fax: 0234-701623, contact@videofestival.org, www.videofestival.org.

Schwerin: 3. bis 7. Mai 2006. FilmKunstFest Schwerin. Spiel- und Kurzfilm-Wettbewerb mit Produktionen aus Deutschland, Österreich und der Schweiz. Tel.: 0385-5811363, Fax: 0385-5811365, info@filmkunstfest-schwerin.de, www.filmkunstfest-schwerin.de.

Oberhausen: 4. bis 9. Mai 2006. Int. Kurzfilmtage Oberhausen. Int. Wettbewerb, deutscher Wettbewerb und Kinderkurzfilm-Wettbewerb. Filme und Videos von max. 35 Min. Länge (für deutsches Programm bis 45 Min.), neue Formate: DV, DVCAM (PAL oder NTSC). Dotierte Preise, MuVi-Preis für das beste deutsche Musikvideo. Tel.: 0208-8252652, Fax: 0208-8255413, info@kurzfilmtage.de, www.kurzfilmtage.de.

München: 4. bis 10. Mai 2006. Int. Dokumentarfilmfestival München. Int. Wettbewerb (dotierte Preise). Neue Filme aus Bayern, Reihe Horizonte mit Filmen aus Entwicklungs- und Schwellenländem. Tel.: 089-51399788, Fax: 089-51563936, info@dokfest-muenchen.de, www.dokfest-muenchen.de.

Osnabrück: 10. bis 14. Mai 2006. European Media Art Festival. Wettbewerb (experimentelle Film- und Videoproduktionen, Computerinstallationen, künstlerische CD-ROM und Internetprojekte). Tel.: 0541-21658, Fax: 0541-28327, info@emaf.de, www.emaf.de.

Zittau/Großhennersdorf: 10. bis 14. Mai 2006. Neiße Filmfestival. Schwerpunkt: Filme aus Tschechien, Polen und Deutschland. Wettbewerb für Spielfilme (dotierte Preise). Neiße Filmfestival, Heiko Fischer, Tel./Fax: 0355-795653, mobil: 0172-1939697, info@neissefilmfestival.de, www.neissefilmfestival.de.

Berlin: 11. bis 17. Mai 2006. „achtung berlin-new berlin film award“.Wettbewerb für Spiel- und Dokumentarfilme aus Berlin und Brandenburg. Wettbewerb für nationale und internationale Filme mit thematischem Bezug zu Berlin-Brandenburg („Towards Berlin“). achtung berlin-new berlin film award, Tel.: 030-40505242, Fax: 030-40505343, program@achtungberlin.de, www.achtungberlin.de.

Cannes, Frankreich: 17. bis 28. Mai 2006. Int. Filmfestival Cannes. Wettbewerb (lange Spielfilme und Kurzfilme): Anm. bis 15. März 2006. Festival International du Film, Tel.: 00331-53596100, Fax: 00331-53596110, www.festival-cannes.org. Ansprechpartner für deutsche Produzenten, die ihre Filme für den Wettbewerb in Cannes einreichen wollen, ist Thilo Wydra, Tel.: 089-28808080, thilowydra@aol.com. Sektion „Un Certain Regard“: Es können Spiel- und Dokumentarfilme eingereicht werden. Anm. bis 15. März. Sektion „Quinzaine des Réalisateurs“: Offizielle Anm. bis 3. April 2006. Für die Sektion „Semaine de la Critique“ trifft der Filmkritiker Rüdiger Suchsland die Vorauswahl für alle deutschen Langfilme. Die Sektion ist dem Nachwuchs gewidmet. Teilnahmeberechtigt sind Spiel- und Dokumentarfilme aller Längen, sofern es sich um erste und zweite Filme eines Regisseurs handelt. Produzenten, die mit ihren Spielfilmen teilnehmen wollen, können sich direkt an Rüdiger Suchsland wenden Tel.: 0171-7882204, suchsland@gmx.de. Dokumentar- und Kurzfilme werden direkt beim Festival gesichtet: www.semainedelacritique.com. Anm. für Langfilme bis 7. April 2006, für Kurzfilme bis 5. April 2006. Cinéfondation: Wettbewerb für Filmstudenten von Film- und Kunsthochschulen sowie von Filmklassen an Universitäten). Es können Spiel- und Animationsfilme mit einer Länge von max. 60 Minuten teilnehmen. Dokumentarfilme sind nicht zugelassen.

Seattle, USA: 18. Mai bis 11. Juni 2006. 32. Seattle International Film Festival. Das Seattle International Film Festival ist eines der größten Festivals Nordamerikas und zeigt jedes Jahr eine Vielzahl europäischer Filme. Das Festival gliedert sich in vier Sektionen: New Directors Competition, New American Cinema Competition, Documentary Competition und eine Sektion für Kurzfilme. Zusätzlich zum Golden Space Needle Audience Award werden in den verschiedenen Sektionen Preise von insgesamt ca. 15.000 EUR vergeben. Alle teilnehmenden Filme qualifizieren sich zudem für den IFP Independent Spirit Award. Seattle International Film Festival, Cinema Seattle, 400 9th Ave N, WA 98109 Seattle, USA, info@seattlefilm.com, www.seattlefilm.com.

Kiel: 19. bis 21. Mai 2006. 10. Filmfest Schleswig-Holstein Augenweide. Das Festival teilt sich in zwei Kategorien: Augenweide zeigt Produktionen mit Schleswig-Holstein-Bezug: Kurzspielfilme, Experimentelles und Animationen bis 30 Minuten und Dokumentarisches ohne Längenbegrenzung. Filmdock ist das Forum für den kürzeren internationalen Dokumentarfilm bis 30 Minuten. Teilnehmen können Produktionen in den Formaten 35 mm, 16 mm, Beta SP oder DV (andere Formate auf Anfrage). Kulturelle Filmförderung S.-H., Haßstr. 22, 24103 Kiel. Tel.: 0431-551439, Fax: 0431-51642, FilmwerkstattSH@t-online.de. www.filmfest-sh.de.

Krakau, Polen: 30. Mai bis 4. Juni 2006. Krakowski Festiwal Filmowy, Int. Dokumentar- und Kurzfilmfestival. Wettbewerb. Fax: 004812-2946945, festiwal@apollofilm.pl, www.cracowfilmfestival.pl.

Hamburg: 31. Mai bis 5. Juni 2006. 22. Internationales KurzFilmFestival Hamburg. Internationaler Wettbewerb: Vergeben werden der Jurypreis im Wert von 3.000 Euro, der Francois Ode-Preis (1.500 Euro) sowie der Skoda-Publikumspreis (1.500 Euro). Made in Germany: Der vom Publikum gewählte Greenpeace Energy-Preis ist mit 1.500 Euro dotiert. Made in Hamburg: Mit Unterstützung der Hamburgischen Kulturstiftung vergeben wir den Hanse Short Jurypreis (1.500 Euro), sowie den Hanse Short Publikumspreis. Der Flotte Dreier: Unser Wetbewerb für Filme unter drei Minuten. Diesjähriges Thema: Zittern. Mo&Friese Kinderkurzfilm: Unsere Kinderjury vergibt den Mo&Friese Preis im Wert von 1.500 Euro. Online-Einreichung unter www.shortfilm.com/festival/index.php. Einsendeschluss für „Der flotte Dreier“: 1.4.06, alle übrigen Wettbewerbe: 15.2.06. Kontakt: Jürgen Kittel. Tel.: 040-39106323, festival@shortfilm.com, www.shortfilm.com.

Freiburg: Ende Mai 2006. Freiburger Filmforum. Kein Wettbewerb. Freiburger Filmforum, Tel.: 0761-709594, Fax: 0761-706921, info@freiburger-filmforum.de, www.freiburger-filmforum.de.

Mailand/Bologna, Italien: Ende Mai/Anf. Juni 2006. Int. Lesbian & Gay Filmfestival. Wettbewerb (Spiel-, Dokumentar- und Kurzfilme). Lesbian- & Gay Filmfestival, Tel.: 003902-3319118, Fax: 003902-72002924, marzig@energy.it, www.cinemagaylesbico.com.

Sydney, Australien: Juni 2006. Sydney Film Festival. Filme aller Genres und Längen (16, 35 und 70 mm). Tel.: 00612-96603844, Fax: 00612-96928793, www.sydneyfilmfestival.org.

Neapel, Italien: 1. bis 8. Juni 2006. Int. Napolifilmfestival. Wettbewerb. info@napolifilmfestival.com, www.napolifilmfestival.com.

Ludwigshafen: 1. bis 11. Juni 2006. Festival des deutschen Films. Gefragt ist „eigensinniges Autorenkino der Gegenwart“. Wettbewerb (Filmkunstpreis, dotiert mit 50.000 EUR). Anm. bis 20. März 2006. Festival des deutschen Films, Daniela Kütz, daniela.koetz@mannheim-filmfestival.com.

Taormina, Italien: Anf. Juni 2006. Int. Filmfestival Taormina Arte. Tel.: 0039942-21142, Fax: 0039942-23348, info@taormina-arte.com, www.taorminafilmfest.it.

Valencia, Spanien: Juni 2006. Int. Filmfestival (für junge Regisseure). Spiel- und Kurzfilme. Festival Int. de Cine, Cinema Jove, Tel.: 003496-3311047 oder 003496-3310592, Fax: 003496-3310805, www.mostravalencia.com.

Troia, Portugal: 2. bis 11. Juni 2006. Int. Film Festival of Troia. Wettbewerb für Filme aus Ländern, die weniger als 21 Spielfilme pro Jahr produzieren. Weitere Sektionen: Erste Filme, „Mensch und Umwelt“, Amerikanische Independents. Anm. bis 15. März 2006. Tel.: 00351-265525908, Fax: 00351-265525681, festroia@mail.teleweb.pt, www.festroia.pt.

Brooklyn, New York, USA: 2. bis 11. Juni 2006. Brooklyn Int. Film Festival. Wettbewerb für Spiel-, Experimental-, Dokumentar-, Kurz- und Animationsfilme (dotierte Preise). Anm. bis 15. März 2006. Tel.: 00718-4868181 oder 00718-3884306, Fax: 00718-5995039, films@wbff.org, www.wbff.org.

Annecy, Frankreich: 5. bis 10. Juni 2006. Annecy Film Festival, Int. Animationsfilmfestival mit internationalem Animationsfilmmarkt. Wettbewerb in den Sektionen Spielfilm (kurze und lange Filme), Fernsehfilm und Studentenfilm (35 oder 16mm, Video). info@annecy.org, www.annecy.org.

Bologna, Italien: 7. bis 11. Juni 2006. Biogra Film Festival. Wettbewerb. Anm. bis 15. März 2006. catia.donini@libero.it, www.biografilm.it.

Emden: 7. bis 14. Juni 2006. Int. Filmfestival Emden. Wettbewerb (dotierte Preise). Anm. bis 21. März 2006. Int. Fimfestival Emden, Tel.: 04921-915333, Fax: 04921-915591, filmfest@vhs-emden.de, www.filmfest-emden.de.

Huesca, Spanien: 8. bis 17. Juni 2006. Int. Kurzfilmfestival. Wettbewerb (dotierte Preise) für Kurzfilme von max. 30 Minuten Länge, 16mm und 35mm. www.huesca-filmfestival.com.

Rüsselsheim: 9. bis 10. Juni 2006. Rüsselsheimer Filmtage. Wettbewerb (dotierte Preise). Cinema Concetta Förderverein, Tel./Fax: 06142-61160, www.cinema-concetta.de.

Los Angeles, USA: 10. bis 26. Juni 2006. Los Angeles Film Festival. Tel.: 001310-4321200, Fax: 001310-4321203, www.lafilmfest.com.

Banff, Kanada: 11. bis 14. Juni 2006. Banff Int. Television Festival. Wettbewerb (dotierte Preise). Tel.: 0014036-789260, Fax: 0014036-789269, info@banff2006.com, www.banff2006.com.

Silver Spring, USA: 13. bis 18. Juni 2006. 4. Silverdocs AFI/Discovery Channel Documentary Festival. Das Festival teilt sich in folgende Sektionen: Sterling Award Feature Film Competition, World View, Short Films Program und Special Screenings. Die Sonderreihe Docs Rx hat den Themenschwerpunkt „Global Health“. Insgesamt werden Preise im Wert von 40.000 US-Dollar vergeben. Teilnehmen können Filme aller Längen in den Formaten 16 mm, 35 mm, 70 mm, Digibeta, Beta SP (NTSC/PAL) oder HD Cam, die nach März 2005 fertig gestellt wurden und in englisch untertitelter Fassung bzw. Synchronisation vorliegen. Anm. bis 24. März 2006. Die Anmeldung erfolgt online. Formular und Regularien unter www.silverdocs.com/2006/s.aspx. Infos: buchta@german-films.de, Tel.: 089-59978725.

Toronto, Kanada: 13. bis 18. Juni 2006. Toronto Worldwide Short Film Festival. Wettbewerb (dotierte Preise). Zugelassen sind Kurzfilme aller Kategorien (Spiel-, Animations-, Dokumentar- und Expenmentalfilme sowie Musikvideos). www.worldwideshortfilmfest.com.

San Francisco, USA: 15. bis 25. Juni 2006. Int. Lesbian & Gay Film Festival Frameline. Tel.: 001415-7038663, www.frameline.org.

Shanghai, China: 17. bis 25. Juni. Shanghai Int. Filmfestival. Anm. bis 1. April 2006. Tel.: 008621-62537115, Fax: 008621-62552000, siff@public4.sta.net.cn, www.siff.com.

Karlovy Vary, Tschechien: 30. Juni bis 8. Juli 2006. Festival Karlovy Vary. Wettbewerb für lange Spielfilme und Wettbewerb für kurze und abendfüllende Dokumentarfilme (35mm), Nebensektionen (Nachwuchs-Autorenfilm, hier auch l6mm). Anm. bis Mitte April 2006. Film Servis Festival Karlovy Vary, Tel.: 00420-221411011, Fax: 00420-221411033, program@kviff.com, www.kviff.com.

La Rochelle, Frankreich: 30. Juni bis 10. Juli 2006. Festival Int. du Film de La Rochelle. Tel.: 00331-48061666, Fax: 00331-48061540, www.festival-larochelle.org.

Bradford, England: Ende Juni 2006. Bradford Animation Festival. Anm. bis Mitte April 2006. Bradford Animation Festival, Lisa Kavanagh, Bradford, BD 1 INQ, Great Britain, Tel.: 00441274-203308, Fax: 00441274-770217, l.kavanagh@msi.ac.uk.

Moskau, Russland: Ende Juni 2006. Moscow Int. Film Festival. Wettbewerb und Nebensektionen, Int. Film-, Tele- und Videomarkt. Anm. bis 1. Mai 2006. Tel.: 007095-9172486, Fax: 007095-9160107, miff@cityline.ru, www.miff.ru.

Galway, Irland: Anf. Juli 2006. Int. Filmfestival Galway Film Fleadh. Anm. bis Anf. Juni 2006. Tel.: 0035391-751655, Fax: 0035391-735831, fair@galwayfilmfleadh.com, www.galwayfilmfleadh.com.

Neuchatel, Schweiz: Anf. Juli 2006. Neuchatel Int. Fantastic Film Festival (NIFFF). Wettbewerb, Nebensektionen (dotierte Preise). Tel.: 0041-327305031, Fax: 0041-327310775, info@nifff.ch, www.nifff.ch.

Grenoble, Frankreich: 8. bis 16. Juli 2006. Int. Kurzfilmfestival Festival du Court Metrage. Wettbewerb. Tel.: 00334-76544351, Fax: 00334-76512443.

Vila do Conde, Portugal: 8. bis 16. Juli 2006. Int. Kurzfilmfestival Festival Int. Curtas Metragens, Tel.: 00351252-646516, Fax: 00351252-248416, submissions@curtasmetragens.pt, www.curtasmetragens.pt/festival.

Puchon, Korea: 13. bis 22. Juli 2006. Int. Fantastic Film-Festival PiFan. Anm. bis Anf. Mai 2006. The Puchon Int. Fantastic Film Festival, Tel.: 008232-3229225, Fax: 008232-3456315, programming@yahoo.com, www.pifan.com.

München: 15. bis 22. Juli 2006. Int. Münchner Filmwochen / Filmfest München. Int. Programm; Wettbewerb für deutsche Filme (dotierter Förderpreis Deutscher Film in den Kategorien Regie, Drehbuch und Schauspiel, www.foerderpreis.de). Anm. bis Mitte April 2006. Tel.: 089-3819040, Fax: 089-38190426, www.filmfest-muenchen.de.

Giffoni, Italien: Mitte Juli 2006. Int. Giffoni Film Festival. Wettbewerb. Schwerpunkt: Kinder- und Jugendfilm. Anm. bis 5. Juni 2006. Tel.: 003989-868544, Fax: 003989-866111, giffonif@giffoniff.it, www.giffoniff.it.

Melbourne, Australien: 26. Juli bis 13. August 2006. Melbourne Int. Film Festival. Wettbewerb für Kurzfilme, Nichtwettbewerbssektion für Spiel- und Dokumentarfilme. Anm. für Kurzfilme bis 17. März 2006, für lange Spiel- und Dokumentarfilme bis 21. April 2006. Tel.: 00613-94172011, Fax: 00613-94173804, miff@melbournefilmfestival.com.au, www.melbournefilmfestival.com.au.

(Weitere Festivals in der Rubrik „zugeschaut“)

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gefördert – Filmförderungs-News
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Kurze Kunst auf lockerer Leinwand

Die Kurzfilmnacht von Kultureller Filmförderung S.-H., KN-„It’s Movie-Time“ und CinemaxX Kiel war ein voller Erfolg.

Zum 10. Mal findet vom 19. bis 21. Mai 2006 das Filmfest Schleswig-Holstein – Augenweide statt. Ein kleines Jubiläum und ein guter Grund, auf das schleswig-holteinische Kurzfilmschaffen der letzten Jahre zurückzublicken. Zusammen mit der Filmreihe „It’s Movie-Time“ der „Kieler Nachrichten“ und dem CinemaxX Kiel lud die Kulturelle Filmförderung S.-H. am 3. März zu ihrer zweiten Kurzfilmnacht ein – mit 14 von der Kulturellen Filmförderung geförderten oder aus zurückliegenden Augenweide-Programmen stammenden Kurzfilmen. Wie schon 2004 war das Kino 6 im Kieler CinemaxX auch diesmal mit über 600 Besuchern komplett ausverkauft.

Dass die kurze Kunst des Films so manche Überraschung bereit hält, hat sich nicht nur unter Cineasten längst herum gesprochen. So durfte sich ein begeistert mitgehendes Publikum über humorige Experimente wie Angelika Wanieks „Tauchen“ (2004) ebenso freuen wie über die preisgekrönte Kurzspielfilmkunst in Lena Jana Krajewskis mit Katharina Thalbach star-besetztem „Frag’ nicht nach Sonnenschein“ (2002).

Breit ist das Spektrum von schleswig-holsteinischen Kurzfilmen. Die Kurzfilmnacht bewies einmal mehr, dass die Förderpolitik der Kulturellen Filmförderung der „Monokultur“ die bunteste Vielfalt entgegenzusetzen weiß. Ausgesprochen komische „Dokumentationen“ wie Lorenz Müllers „Silvester in Gaarden“ (2005), eine Neujahrsnacht gerafft in vier Minuten, hätten auf dem freien Markt sicher keine Chance – hier erheiterten sie ein Publikum, das für solche Filme nicht nur offen ist, sondern auch offenbar begierig nach Unterhaltung der etwas anderen Art. Mit „Snowbody“ (2004) zeigten der Kieler Comic-Zeichner Volker Sponholz und seine KollegInnen von der Hamburger Animation School, dass der Trickfilm noch lange nicht tot, geschweige ausgereizt ist. Dass auch die Erzählung ungewöhnlichst „buchenswerter“ Geschichten aus Schleswig-Holstein es auf fast 50 Screenings bei internationalen Festivals inklusive mehrerer Auszeichnungen bringen kann, dafür lieferte Gerald Grotes und Claus Oppermanns „Tödliche Roman(z)e“ einen erneut beklatschten Beweis. Und dass aus dem Film gelegentlich mal ganz neue Wirklichkeit und umgekehrt werden kann, führten die „Kieler Hockstars“ live als gefeierte Einlage vor der Leinwand vor. „Hockern“ (2003) heißt ihr Kurzfilmdebüt über eine sicher bald trendige neue Sportart, auf virtuos jonglierende Art zum Sitzen zu kommen.

Ohne sitzen zu bleiben. Denn die in der Kurzfilmnacht gezeigten Kurzfilme brachen nicht nur eine Lanze für ein Genre der kurz auf den Punkt gebrachten Kunst, die es in der heutigen Kino- und TV-Landschaft leider oft schwer hat, sondern auch für eine Filmkunst, die es nicht zuletzt mit der Basisarbeit der Kulturellen Filmförderung S.-H. geschafft hat, vom provinziellen Sitzenbleiber zum auch über die Ländergrenzen hinaus anerkannten Voranschreiter zu werden. (jm)

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Landesfilmförderung Schleswig-Holstein vergibt Fördermittel an 19 Projekte

Das dreiköpfige Fördergremium der Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein, Lars Jessen (Filmemacher, Warder), Heyke Manthey (Freie Künstlerin, Kiel) und Eckhard Pabst (Kommunales Kino Kiel, Dozent CAU Kiel), hat auf seiner Sitzung am 1. Und 2. März aus insgesamt 43 Anträgen zur ersten Förderperiode 2006 19 Projekte aus den Bereichen Recherche, Produktion, Präsentation und Verleih/Vertrieb ausgewählt. Insgesamt vergab das Gremium Fördergelder in Höhe von 96.409 Euro. Die Mittel wurden von der Staatskanzlei des Landes Schleswig-Holstein und der Unabhängigen Landesanstalt für Rundfunk und neue Medien (ULR) bereit gestellt.

Die geförderten Projekte zeigen einmal mehr das große Potential an Filmschaffenden, Kreativen und Themen in Schleswig-Holstein, die es wert sind, realisiert zu werden. So betrifft denn auch ein Schwerpunkt der Förderung mit fast einem Drittel der Projekte die Recherche und Stoffentwicklung.

Aber auch das andere Ende der Filmproduktion lag beim Gremium der Landesfilmförderung in guten Händen; fünf Projekten wurde mit Verleih- und Vertriebsförderung der Weg zu ihrem Publikum geebnet. Dabei sind sowohl Einzelprojekte wie die Produktion über den Stummfilmpianisten Willy Sommerfeld und das Portrait des Bluesmusikers Louisiana Red als auch die Förderung von zehn Dokumentarfilmen für den Vertrieb auf der innovativen video-on-demand Plattform www.online-film.de.

Größter Förderblock ist aber weiterhin die Produktionsförderung mit acht Projekten. Gefördert wurden so bekannte Namen wie Fatih Akin, dessen frühe Arbeiten und sein erster Langfilm schon aus Kiel gefördert worden sind, und Volker Koepp, der zum zweiten Mal zur Förderung ausgewählt wurde. Ebenso sind Antje Hubert und Fredo Wulff mit neuen Projekten dabei sowie weitere experimentellere oder kleine persönliche dokumentarische Arbeiten.

Wohin das führen kann, zeigen ganz aktuell unter anderem zwei geförderte Filme aus dem letzten Jahr. Sergei Loznitsa ist mit seinem Dokumentarfilm „Blockade” nach dem Start beim Festival in Rotterdam zu weiteren internationalen Festivals in Nyon und Sheffield eingeladen worden, und Till Franzen ist mit „Die blaue Grenze” gerade zurück vom Festival in Porto, wo er zwei Preise gewinnen konnte.

„Es stimmt sehr optimistisch, dass über den ganzen Produktionsbereich Projekte auf hohem Niveau gefördert werden konnten. Es bleibt der begründete Wunsch an die Politik, diese Aufbauarbeit der Landesfilmförderung weiterhin zu stärken und auszubauen“, sagte Bernd-Günther Nahm, Geschäftsführer der Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein.

Folgende Projekte werden gefördert:

1. Recherche / Produktionsvorbereitung

Olé, hier kommt der THW
Recherche für einen Dokumentarfilm
Regie: Thomas Plöger
Fördersumme: 1.000 EUR
Der Film soll den Arbeitsalltag in einem wirtschaftlich ausgerichteten Profi-Sportverein dokumentieren. Wie bleiben bei einer zunehmenden Professionalisierung und Kommerzialisierung die klassischen Werte des Sports und sein damit verbundenes Image erhalten?

Kindheitswerke
Recherche für eine Dokufiktion
Regie: Alexa Höber
Fördersumme: 1.000 EUR
Eine Schriftstellerin zieht sich in ein einsames Haus an der Ostsee zurück, um ein Buch über Kindheitsbiografien berühmter Maler zu schreiben. Was als Gedankenexperiment beginnt, wird plötzlich Realität: Erst ist es der 5-jährige Paul Klee, der der Schriftstellerin Gesellschaft leistet, dann tauchen nach und nach auch noch Emil Nolde, Pablo Picasso, Albrecht Dürer und andere auf ...

Heidelberg-Paradise
Recherche für einen Dokumentarfilm
Regie: Helge Renner
Fördersumme: 5.000 EUR
Maurice Huffman wohnt in Paradise, Kalifornien und ist Importeur für gebrauchte europäische Armeeausrüstung. Als 13-jähriger traf er Ray Charles. Die Blueslegende prophezeite ihm eine Zukunft als Sänger. 30 Jahre später versucht Maurice diesen Traum seines Lebens wahr zu machen.

Der Mann in der Brandung
Recherche für einen Dokumentarfilm
Regie: Wilhelm Rösing
Fördersumme: 1.500 EUR
Der geplante Dokumentarfilm erinnert an den 1957 gestorbenen Fotografen Franz Schensky und an dessen Aufnahmen von der Gewalt und Schönheit des Meeres um Helgoland. Mit dem annähernd 1.000 beeindruckenden Schwarz-Weiß-Aufnahmen hat er das Bild von Helgoland entscheidend mit geprägt. Zeitzeugen aus Helgoland und insbesondere aus Schleswig berichten über ihre Erinnerungen an einen bemerkenswerten Mann.

Die Kinder des Bundespräsidenten
Recherche für einen Dokumentarfilm
Regie: Claudia Willke
Fördersumme: 1.000 EUR
Der Dokumentarfilm erzählt von persönlichen Erfahrungen kinderreicher Mütter und gebärunwilliger Akademikerinnen. Damit wird auf subjektiv-ironische Weise der spezifisch deutsche Diskurs um sinkende Geburtenzahlen und nationales Aussterben reflektiert.

Gefallene Engel
Recherche für einen Dokumentarfilm
Regie: Heidrun Reshöft
Fördersumme: 2.000 EUR
Was passiert, wenn Menschen die Welt nicht nur in Gut und Böse einteilen, sondern sie als Reich Gottes ansehen, in dem der Satan sein vielgesichtiges Unwesen treibt? Wie erleben sie sich in dieser Welt, in der ihr Körper und Geist vom Teufel besessen ist und sie auf die Heilung von Seelenführern und Exorzisten hoffen, die seit 2 Jahren wieder offiziell vom Vatikan ausgebildet werden.

2. Produktion

Auf der anderen Seite des Lebens
Spielfilm
Regie: Fatih Akin, Produktion: corazón international
Fördersumme: 20.000 EUR
Sechs Menschen, sechs Biografien, sechs Leben verwickeln sich auf schicksalhafte Weise und begeben sich auf eine Reise, die über Stock und Stein ins eigene Ich führt, ohne dass die jeweils drei Protagonisten miteinander in Berührung kommen. Erst der Tod einer Figur in jedem Strang führt die Schicksale zusammen, die von Anfang an unausweichlich miteinander verbunden waren.

Pusteblume
Kurzspielfilm
Regie: Michael Carstens
Fördersumme: 3.000 EUR
„Pusteblume“ ist eine Liebesgeschichte. Zwei Menschen sind sich sehr nah und erklären sich ihre Liebe nicht in Worten, sondern in einer sehr außergewöhnlichen Aktion, die so bewundernswert ist, dass alles Gesprochene für diesen Moment hinfällig wird.

Da unten
Dokumentarfilm
Regie: Michael Krull
Fördersumme: 3.600 EUR
Vor acht Jahren gedrehtes Material zeigt Walter S. im nächtlichen Rostock auf der Suche nach Obdachlosen, die jeglichen Kontakt zur Gesellschaft abgebrochen und dadurch kaum eine Chance zum Überleben haben. Walter S. – selbst ehemaliger obdachloser Alkoholiker – bringt ein menschliches Wrack zur weiteren Betreuung in ein Nachtasyl. Heute sollen diese Menschen, soweit noch am Leben, nach ihrem weiteren Schicksal auf der Straße befragt werden. Eine Langzeitbeobachtung von Außenseitern der Gesellschaft.

Heiße Arbeit – kalter Stahl
Dokumentarfilm
Regie: Fredo Wulf
Fördersumme: 8.000 EUR
Der Dokumentarfilm „Heiße Arbeit – kalter Stahl“ wird das Leben auf der Werft HDW hinter den Werkstoren im Dock mit den Mitteln des „direct cinema“ erkunden. Ausgangspunkt ist die Überholung des weit über die Kieler Förde sichtbaren Portalkrans von Juni bis August 2006. Wie ist die Atmosphäre der Mitarbeiter untereinander, wie begegnen sich Manager, Meister und Arbeiter im Produktionsprozess und wie wird diese moderne Form der Zusammenarbeit von den Beteiligten selbst empfunden?

Pauls Opa
Kinderkurzfilm
Regie: Ove Sander
Fördersumme: 5.000 EUR
Pauls größter Wunsch ist ein richtiger Opa – wie jedes Kind einen hat. Er möchte von ihm Fahrrad fahren lernen und Geschichten von früher erzählt bekommen. Aber wie viel Fantasie braucht Paul, um sich seinen Wunsch zu erfüllen?

Renate Schodder
Dokumentarfilm
Produktion: Henning Brümmer, Regie: Florian Aigner
Fördersumme: 4.000 EUR
Wenn feindliche Armeen sich zurückziehen, hinterlassen sie Kinder. Oft sind sie aus Vergewaltigungen hervorgegangen, manchmal war auch Liebe im Spiel. In Frankreich wird jetzt das Schicksal der „Kinder der Schande“ aufgearbeitet, deren Väter deutsche Wehrmachtssoldaten waren. Doch wie oft sind es Frauen in Uniform, die Kinder hinterlassen? Und wie oft kommt es vor, dass Männer sich um ihre unehelichen Kinder kümmern? Ein Kind von einer Deutschen, entstanden in einer kurzen Affäre. Und ein Mann, der in den Wirren der Nachkriegszeit darum kämpft, seinen Sohn zu sich holen zu dürfen.

Mit Feuer und Flamme
Dokumentarfilm
Regie: Antje Hubert
Fördersumme: 10.000 EUR
Der nächste Auftritt steht bevor, die Posaune kriegt ihren Einsatz immer noch nicht und Bernhard zieht weg – der Dokumentarfilm „Mit Feuer und Flamme“ erzählt von den Mitgliedern eines Feuerwehrmusikzugs und begibt sich damit ins Zentrum dörflichen Lebens. Er begleitet die verschiedenen Charaktere bei den Auftritten, Proben und in ihrem Alltag und versucht zu verstehen, was das Landleben den Menschen heute abfordert und bietet.

Holunderblüte
Dokumentarfilm
Regie: Volker Koepp
Fördersumme: 10.000 EUR
Ein Film über Kinder, ihren Lebensalltag und ihre Fantasiewelt. Gedreht wird in der russischen Region um Kaliningrad, in der Landschaft, die früher zu Ostpreußen gehörte und die besonders stark von den sozialen Umbrüchen der vergangenen Jahre betroffen ist.

3. Präsentation / Verleih / Vertrieb

Die Quereinsteigerinnen
Spielfilm
Regie: Rainer Knepperges & Christian Mrasek
Fördersumme: 3.000 EUR
Aus einer Laune heraus entführen zwei Freundinnen einen mächtigen Mann in ein abgelegenes Ferienhaus irgendwo tief in Schleswig-Holstein. Sie rufen einen Ex-Freund hinzu und stellen sympathische Forderungen. Eine Komödie über vier Menschen, die sich in einem herkömmlicherweise bedrohlichen Ausnahmezustand wie selbstverständlich idyllisch einrichten – stets in der Spannung, sich schwer strafbar und ineinander verliebt zu machen.

10 x Video On Demand
Produktion: Online Film AG
Fördersumme: 7.500 EUR
Unterstützung des Vertriebs von 10 Filmen mit rund 450 Minuten Länge Dokumentarfilm-Programm aus Schleswig-Holstein auf der innovativen Video-On-Demand-Plattform www.onlinefilm.org.

The Sounds of Silence
Dokumentarfilm
Vertrieb: Horch und Guck Filmverleih
Fördersumme: 3.760 EUR
Willy Sommerfeld, Jahrgang 1904, ist der weltweit letzte Stummfilmpianist der 20er-Jahre. Erstmalige Aufnahmen seiner Live-Begleitungen zu Stummfilmausschnitten und Gespräche mit ihm und seiner Familie sowie Filmfachleuten machen deutsche Stummfilmgeschichte erlebbar und sind Kulturerbe des 20. Jahrhunderts.

Red and Blues
Dokumentarfilm
Vertrieb: Hanfgarn & Ufer Filmproduktion
Fördersumme: 5.000 EUR
Das Leben des Louisiana Red klingt wie ein Blues-Song, mit seiner Gitarre als Rettungsanker: Der Vater vom Klu Klux Klan ermordet, die Mutter früh gestorben, verbringt er seine Kindheit in Waisenhäusern. Später sucht er sein Zuhause in der Armee – und landet im Korea-Krieg. Danach kommt er nach Deutschland und bleibt in Hannover hängen. Seither befindet sich der nimmermüde 71-jährige auf einer never-ending-tour durch Europa, überzeugt davon, dass sein großer Durchbruch noch bevorsteht.

Der Vogelforscher
Spielfilm
Regie und Vertrieb: Kathrin Nowak
Fördersumme: 2.049 EUR
Vogelforscher Knut ist vor den Menschen auf die einsame Hallig geflohen und läuft vor sich selbst und dem Glück davon, bis die Liebe ihm am Ende Flügel verleiht: Der Kurzfilm „Der Vogelforscher“ von Kathrin Nowak erzählt die skurrile Liebesgeschichte eines Einsiedlers, der sich in eine reisende Friseurin verliebt.

Weitere Informationen sowie Vergaberichtlinien und Antragsformulare können angefordert werden bei der Kulturellen Filmförderung Schleswig-Holstein oder sie können im Internet als PDF Datei herunter geladen werden unter: www.filmfoerderung-sh.de. Kulturelle Filmförderung Schleswig-Holstein, Haßstr. 22, 24103 Kiel, Tel.: 0431-551439, E-Mail: filmwerkstattsh@t-online.de

Der nächste Einreichtermin zur Filmförderung ist der 1. Juli 2006.

(V.i.S.d.P.: Bernd-Günther Nahm)

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Filmland Schleswig-Holstein: MSH entscheidet über Fördermittel

Der Beirat der MSH – Gesellschaft zur Förderung audiovisueller Werke in Schleswig-Holstein mbH entschied am 24. Februar 2006 über die Förderung von 15 Projekten mit einem Volumen von insgesamt 1.507.825 Euro. „Wir haben hochkarätige Filme, bekannte Autoren, Regisseure und Produzenten, aber auch Nachwuchs mit großem Potenzial für Schleswig-Holstein gewinnen können“, so kommentierte Christine Berg, Geschäftsführerin der MSH, das Ergebnis des ersten Einreichtermins 2006 im Anschluss an die Vergabesitzung in Lübeck. Im Fokus stehen Schleswig-Holstein als Drehort, an dem unter anderem Nicolette Krebitz und Martin Theo Krieger Regie führen werden, und die Nachwuchsförderung. So werden Projekte der schleswig-holsteinischen Autoren Jan Hinrik Drevs und Christian Theede realisiert und 10.200 Euro für Stipendien als Weiterbildungsmaßnahme in Nachwuchskräfte aus Schleswig-Holstein investiert.

„Das Herz ist ein dunkler Wald“: Drehort Schleswig-Holstein

Tom Tykwers Gesellschaft X Filme Creative Pool produziert den Film. Schauspielerin und Grimme-Preisträgerin Nicolette Krebitz hat das Drehbuch geschrieben und führt Regie. Erzählt wird die Geschichte der 35-jährigen Marie, die durch einen Zufall erfährt, dass ihr Mann zwei Familienleben führt. Ihre Suche nach Erklärungen wird zu einer Suche nach Wahrheit, Liebe und Identität. Mit 350.000 Euro fördert die MSH die Produktion des Films.

„Hundeleben“: Autor und Regisseur aus Schleswig-Holstein

Jan Hinrik Drevs’ Film beschäftigt sich mit einer großen Freundschaft zwischen dem notorisch gewalttätigen Häftling Mosk und dem ihm zur Ausbildung überlassenen Blindenhund. Die emotionale Bindung des Häftlings zu der neun Wochen alten Hündin vermittelt Mosk ein Gefühl der Anerkennung und Achtung. Das führt zu einer Veränderung seiner Beziehung zur Gefängnisdirektorin Gloria. Das Drehbuch wurde bereits von der MSH gefördert. Jetzt wird die Produktion mit 200.000 Euro unterstützt. Die Hamburger Wüste-Filmproduktion zeichnet für den Film verantwortlich.

„Der Graf von St. Germain“: Autor aus Schleswig-Holstein

Das Elixier für ewiges Leben ist der MSH 34.300 Euro für die Projektentwicklung und Produktionsvorbereitung wert. Denn um nichts Geringeres geht es in dem Kinderfilm des schleswig-holsteinischen Autors Christian Theede. Die Ziegler-Film-Produktion erzählt die Geschichte der 11-jährigen Jana, die den Grafen von St. Germain zum ewigen Leben erweckt. Während Jana das Elixier für jedermann zugänglich machen will, ist der Graf nur an der Wiederbelebung seines Liebeslebens interessiert.

Filmland Schleswig-Holstein: weitere geförderte Projekte

In „Beautiful Bitch“ geht es um die Geschichte einer unmöglichen Freundschaft des Klaukindes Bica mit der luxusverwöhnten Milka. Bei dem mit 214.000 Euro geförderten Film arbeiten die Neue Impuls Film Produktionsgesellschaft und Regisseur Martin Theo Krieger zusammen.

In der Tatort-Folge „Das Ende des Schweigens“ ermittelt Kommissar Borowski in einem Familiendrama. Die Regie führt Lars Becker und die MSH unterstützt die Studio Hamburg Produktion Kiel GmbH mit einer Fördersumme von 267.500 Euro.

Um eine Tragödie zweier befreundeter Familien geht es in dem Film „Der Junge“. 160.000 Euro werden Regisseur Volker Einrauch und der Josefine Filmproduktion zur Verfügung gestellt.

In Till Franzens („Die blaue Grenze“) Produktion „Flensburg, Minnesota“ geht es um drei Flensburger, die sich auf die Reise nach Minnesota machen, um dort Flensburg kennen zu lernen. Die Reise stellt sich als eine Reise in die eigene Vergangenheit heraus. Till Franzen hat das Drehbuch des mit 15.600 Euro geförderten Projektes geschrieben und wird Regie führen. Die Kamera übernimmt Christian Theede.

Die Dokumentation des Autors und Regisseurs Arne Lorenz über Herkunft und Auswirkung der Störtebeker-Legende in Norddeutschland „Der wahre Schatz des Störtebeker“ wird mit 45.525 Euro gefördert. Die Fernseh- und Medienproduktion Nordcam hat ihren Sitz in Mustin im Süd-Osten von Schleswig-Holstein.

In der Dokumentation „Gesucht wird: Dr. Aribert Heim“ von Autor und Regisseur Ingo Helm geht es um einen SS-Hauptsturmführer, der seit 43 Jahren im Untergrund lebt. Die Produktion der EIKON Nord GmbH wird mit 65.000 Euro gefördert.

Mit der Dokumentationsreihe „Von Haien und Menschen – Auf der Suche nach der Angst“ wird eine Produktion von LOOKS gefördert, die in vier Teilen die Entstehung, die Gesichter, die Mythologie und die Opfer der Angst behandelt. Die Regie übernimmt Dirk Steffen, die Kamera führt Torben Müller und unterstützt wird das Projekt mit 100.000 Euro.

Der Dokumentarfilm „Auf der Suche nach glücklichen Inseln – Der Schriftsteller James Krüss“ ist Teil einer Veranstaltungsreihe zum 80. Geburtstag des Schriftstellers von 160 Romanen. Das Drehbuch stammt von Martina Fluck, die in Heide/Holstein wohnt, auch Regie führen wird und den mit 20.000 Euro geförderten Film mit YUCCA Film produziert.

„Sylt mit nüchternem Blick“ erhält 10.000 Euro für die Drehbuchentwicklung. Inhaltlich geht es bei dem Film der Neue Impuls Film Produktionsgesellschaft um einen Gastro-Kritiker, der nach einem Sturz seinen Geschmackssinn verliert.

Die Dokumentation „Die Kinder des Bundespräsidenten“ der Autorin, Regisseurin und Produzentin Claudia Willke behandelt den Diskurs um sinkende Geburtenzahlen auf unterhaltsam-ironische Weise. Die Willke Filmproduktion wird mit 10.000 Euro für die Projektentwicklung von der MSH unterstützt.

Das Drehbuch für den Dokumentarfilm „Klaus Wildenhahn – Spurensuche“ wird mit 5.700 Euro unterstützt. Autorin ist die Schleswig-Holsteinerin Quinka F. Stoehr. Produziert wird von Stoehrmedien.

Nächster Einreichtermin

Bis zum 15. April 2006 können Filmschaffende ihre Förderanträge bei der MSH einreichen. In drei Sitzungen pro Jahr entscheidet die MSH über die Vergabe von Fördermitteln.

Nähere Informationen zu der Förderentscheidung und den Projekten unter: www.mshfoerderung.de.

(nach einer Pressemitteilung der MSH)

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Dokumentarfilm beliebter als gedacht

BOOMTOWNMEDIA und PIFFLMEDIEN stellen neue Studie zum Dokumentarfilm in Deutschland vor.

In einem Zeitraum von drei Monaten haben an BOOMTOWNSURVEY, der Online-Umfrage 2005/06 der Berliner Filmproduktion BOOMTOWNMEDIA („Rhythm Is It!“) mehr als 1.000 Kinozuschauer teilgenommen. Aktuell wurden 900 Fragebögen ausgewertet. Aufgrund der hohen Teilnehmerzahl und der ausgewogenen Altersverteilung (zwei Drittel der Befragten sind zwischen 30 und 60 Jahre) kann diese Studie eine hohe Repräsentativität für sich in Anspruch nehmen.

In der Studie finden sich viele Ergebnisse, die das noch nicht ausgeschöpfte Potential des Dokumentarfilms verdeutlichen. Einige der teils überraschenden Ergebnisse:

- 77% der Befragten wollen mehr Dokumentarfilme im Kino sehen.

- Dokumentarfilmzuschauer sind sehr loyale Kinogänger, die zu gut zwei Dritteln den Kinobesuch der DVD vorziehen. Grund dafür sind eindeutig das Bedürfnis nach visueller und akustischer Qualität und der soziale Erlebnisraum Kino.

- Das Dokumentarfilmpublikum fordert stärker emotional involvierende Filme mit soziokulturellem Themenschwerpunkt. Eine allzu nüchterne, problematisierende Erzählweise wird als Hürde wahrgenommen, die den Dokumentarfilm auch daran hindert, ein breiteres Publikum zu erreichen.

- Die demographische Entwicklung in Deutschland bedeutet großes Potential für den Dokumentarfilm. Ein Genre mit dem Potential, die Vorlieben junger Zuschauer mit denen der Zielgruppe 50 Plus idealtypisch zu vereinen.

Die überraschenden Ergebnisse dieser Umfrage legen nahe, dass regelmäßige, größer angelegte Studien zum Dokumentarfilm, beispielsweise durch die Filmförderungsanstalt FFA, wünschens- und lohnenswert wären. Die gesamte Auswertung in grafisch anschaulicher Darstellung lässt sich im Internet unter der Adresse www.survey.boomtownmedia.de direkt downloaden.

(nach einer Presseinformation von BOOMTOWNMEDIA)

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preisverdächtig – Film- und Medienwettbewerbe
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„Medienpreis Schleswig-Holstein“ –
Sieben junge Video- und Multimediaproduzenten in Neumünster ausgezeichnet

Zum zweiten Mal verliehen am 2. März 2006 die Unabhängige Landesanstalt für Rundfunk und neue Medien (ULR) und die Dr. Hans Hoch Stiftung im Rahmen einer gut besuchten Veranstaltung im Theater der Stadthalle in Neumünster den „Medienpreis Schleswig-Holstein“. Insgesamt wurden sieben Preise an junge Video- und Multimedia-Produzenten für ihre digital bearbeiteten Werke vergeben.

Für den Dr. Hans Hoch-Preis für Medienkunst hatte die fachkundige Jury aus über 50 Wettbewerbsbeiträgen drei gestalterisch herausragende Werke ausgewählt. Über den ersten Preis und damit über 2.000 Euro freute sich Hannes Nordiek, Kiel, mit seinem Beitrag „backdoor“. In diesem Kurzfilm wird die Computerspielfigur „Pacman“ zum Leben erweckt und auf die Reise nach New York geschickt. Mit seiner grafischen dreidimensionalen Arbeit „Rattenloch“ machte Martin Sperling, ebenfalls aus Kiel, einen ausgezeichneten Eindruck auf die Jury. Eine Bleistiftzeichnung, die der Multimediakünstler spannend in Bild und Ton gesetzt hatte, wurde mit dem zweiten Preis und 1.000 Euro belohnt. Der dritte Preis und 500 Euro gingen an Kenan Darwich, Student der Kieler Muthesius Kunsthochschule, für das Musikvideo „do the bambi“.

Weitere vier Preisträger freuten sich zusammen mit rund 400 Gästen der Veranstaltung über die Verleihung des so genannten ULRichs. „Der ULRich ist ein Medienkunstförderpreis, der sich vor allem an junge Kreative richtet“, erklärte Gernot Schumann, Direktor der ULR. „Mit Kursen in Multimediagestaltung und Medienproduktion haben wir Schülerinnen und Schülern sowie Studierenden die Tür zur Teilnahme am Medienpreis Schleswig-Holstein aufgemacht“, resümierte Schumann in seiner Begrüßungsrede. „Das Ergebnis kann sich sehen lassen.“ Der mit 600 Euro dotierte erste Platz ging an Gunnar Milan, Klausdorf, mit seinem Kurzfilm „frei“. Der Film handelt von einem jungen Mädchen, das im Wald von einem Mann verfolgt wird. Der Zuschauer ahnt Schlimmes, der Ausgang der Geschichte ist jedoch überraschend.

Den zweiten Platz und 200 Euro erhielten Markus Busch, Britta Reimers, Lena Sezesny und Berit Tietjens von der Meldorfer Gelehrtenschule. Mit ihrem Kurzlehrfilm „Rotation – Was’das denn?“ überzeugten sie die fünfköpfige Jury durch eine witzige und überzeugende Darstellung von physikalischen Begriffen. Der dritte Platz wurde gleich zweimal vergeben. Prämiert wurden die Trickfilme „La Baguette“ von Robin Zinkmann, Kiel, und Patrik Neubacher, Damp, sowie „Trickwars“ von den Kielern Christian Kurth und Maik Jordan.

Die über 50 Wettbewerbsbeiträge setzen sich aus Kurzfilmen, Videoclips, Trickfilmen oder Flash-Animationen zusammen und zeigen, wie Medien sich als künstlerisches Ausdrucksmittel einsetzen lassen. „Die Beiträge haben bewiesen, dass wir den Nachwuchs in ganz Schleswig-Holstein erreichen. Einsendungen erreichten uns von Flensburg bis Bornhöved, von Hemmingstedt bis Flintbek, von Meldorf bis Damp“, freute sich Günter Humpe-Waßmuth, Vorsitzender der Dr. Hans Hoch Stiftung. „Uns ist es wichtig, auch zukünftig kreative Talente zu fördern und ihnen einen Anreiz zu geben, digitale Werke in und über Schleswig-Holstein zu produzieren“, so Humpe-Waßmuth weiter.

Die Jurymitglieder in diesem Jahr waren Alfons Grundheber-Pilgram, Mitglied des ULR-Medienrates, Thomas van Haag, Medienproduzent, Helga Hein und Dr. Volker Matthée, Mitglieder des Kulturbeirats der Dr. Hans Hoch Stiftung, sowie Melanie Pilz, Dipl. Kommunikationsdesignerin.

Weitere Informationen zum „Medienpreis Schleswig-Holstein“ sind unter www.mpsh.de verfügbar. Dort können auch die prämierten Beiträge angesehen werden.

(nach einer Pressemitteilung der ULR)

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VOTE NOW! Deutschlands bester Musik-Clip gesucht

Ab 1. April können Internet-Nutzer wieder online ihren Lieblingsclip aus den Kandidaten für den MuVi-Preis der 52. Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen (4. bis 9. Mai 2006) wählen.

Zum 8. Mal wird im Rahmen der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen der MuVi-Preis vergeben, die Auszeichnung für die beste visuelle Umsetzung eines Musikstücks. Eine internationale Jury verleiht die offiziellen Preise im Wert von jährlich 5.000 Euro.

Beim Publikumspreis jedoch kann jeder Internet-User zum Jury-Mitglied werden. Ab 1. April stehen alle Kandidaten als Streamings online und sammeln Publikumsstimmen. Zugang gibt es von den Seiten: www.kurzfilmtage.de, www.intro.de und www.nil.de.

Das Video mit den meisten Votings erhält den MuVi-Online Publikumspreis und 500 Euro Preisgeld. Die Kandidaten, aus denen ausgewählt wird, stehen am 23. März fest. Neben dem langjährigen Partner Intro unterstützt in diesem Jahr erstmals auch NIL den MuVi, das Online-Voting und den Publikumspreis.

Gewinner des Preises im letzten Jahr waren Thomas Kiel und Nico Vogelsang mit dem Clip „Never“ zur Musik von Maj Mlakar.

Unter allen Abstimmern verlosen die Kurzfilmtage außerdem eine Reise für zwei Personen zur MuVi-Preisverleihung in Oberhausen am 6. Mai.

(nach einer Pressemitteilung der Kurzfilmtage Oberhausen)

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neuer dreh – Neue Medien und Medienwirtschaft in S.-H.
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ULR schreibt Pilotprojekt für Handy-TV aus

Für Handy-TV in Schleswig-Holstein schreibt die ULR im Rahmen eines auf zunächst drei Jahre befristeten Pilotprojekts Übertragungskapazitäten im DMB Standard aus. Diese stehen landesweit im so genannten L-Band im Umfang von 864 CU (Capacity Units) zur Verfügung. Ziel des Pilotprojekts, wie es von fast allen deutschen Bundesländern durchgeführt wird, ist es, die Übertragung von Fernsehen, Hörfunk und weiteren Angeboten auf Handys und andere mobile Endgeräte zu erproben. Zulassungsanträge können bis zum 20.03.2006, 15.00 Uhr (Ausschlussfrist), bei der ULR gestellt werden.

Der vom Medienrat beschlossene Ausschreibungstext ist mit weiteren Erläuterungen unter www.ulr.de, ferner im Amtsblatt für Schleswig-Holstein, Amtlicher Anzeiger, verfügbar.

(nach einer Pressemitteilung der ULR)

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HAM und ULR kritisieren Referentenentwurf für einen Medienstaatsvertrag Hamburg und Schleswig-Holstein

Der Vorstand der Hamburgischen Anstalt für neue Medien (HAM) und der Medienrat der Unabhängigen Landesanstalt für Rundfunk und neue Medien (ULR) Schleswig-Holstein haben sich über den vorliegenden Referentenentwurf für einen Medienstaatsvertrag zwischen Hamburg und Schleswig-Holstein ausgetauscht und zu der dort vorgesehenen Fusion zwischen HAM und ULR kritisch Stellung bezogen.

In einem gemeinsamen Positionspapier bemängeln HAM und ULR, dass mit dem vorgesehenen Aufgabenprofil die neue Anstalt – anders als diejenigen in München, Düsseldorf und Berlin – im Konzert der Landesmedienanstalten nur ein Begleitinstrument und nicht in der Lage sei, dem Standort Hamburg und Schleswig-Holstein medienwirtschaftlich und medienpolitisch in Deutschland mehr Gewicht zu geben. Dem Entwurf liege das Konzept einer Rumpfanstalt zugrunde, die hauptsächlich Zulassungen verwaltet. Der Entwurf gebe auch keinerlei Orientierungen für eine aufgaben-adäquate Finanzausstattung der neuen Anstalt und werde der Digitalisierung und der Konvergenz der Medien nicht gerecht. Die im Entwurf enthaltene Übergangsregelung sei nicht sachgerecht und berücksichtige nicht das Selbstverwaltungsrecht der Medienanstalt. Insgesamt werde die Chance eines Neuanfangs für eine zeitgemäße Regulierung elektronischer Medien vertan.

Das gemeinsame Positionspapier von HAM und ULR kann unter www.ulr.de/ULR_Akt_Presse06/Filebase/Positionspapier.pdf und unter www.ham-online.de abgerufen werden.

(nach einer Pressemitteilung der ULR)

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auf die plätze, vorhang auf! – Kino-News
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Highlights im Kieler Traum-Kino

Das Kieler Traum-Kino zeigt im März und April u.a.:

Brokeback Mountain
Ang Lee drehte den Film über zwei homosexuelle Cowboys mit Heath Ledger und Jake Gyllenhaal. Gewinner von 3 Oscars: Beste Regie, Drehbuch, Musik. Prämiert mit 4 Golden Globes als bester Film des Jahres. Goldener Löwe Festival Venedig als bester Film. Infos unter: www.brokebackmountain.de. Im Traum-Kino:
- 15. - 16.3.: 17.45 + 20.15 Uhr
- 17. - 18.3.: 17.45, 20.15 u. 23.00 Uhr
- 19. - 23.3.: 17.45 + 20.15 Uhr
- 24. - 25.3.: 17.45, 20.15 u. 23.00 Uhr
- 26.3. - 4.4.: 17.45 + 20.15 Uhr
- 5.4.: 20.15 Uhr
- 6. - 13.4.: 17.45 Uhr
- 14. - 15.4.: 23.00 Uhr

24/7 The Passion Of Life
Roland Reber drehte einen Film über die Suche nach sexueller Identät mit Marina Anna Eich und Mira Gittner. Das Presse-Echo: „Indiskutabel“ (Film-Dienst), „Lachnummer“ (SPIEGEL-Online), „Psychoquatsch mit Pornotouch“ (TV-Spielfilm), „Ein ebenso dilettantisches wie großmäuliges Machwerk“ (epd-Film), „... die Nerven der Zuschauer mit pseudo-philosophischen Floskeln vergiftet“ (Nürnberger Zeitung), „Man tut „24/7 The Passion Of Life“ eigentlich unrecht, will man ihn als Film rezensieren“ (Berliner Zeitung), „Wem ungelenke Schauspieler, gestelzte Dialoge und Bilder gefallen, der darf sich freuen“ (Stuttgarter Zeitung), „Wir hoffen, wenigstens einen Kinogängerboykott auszulösen“ (Berliner Morgenpost). Infos unter: http://24-7derfilm.de. Im Traum-Kino:
- 6. - 12.4.: 20.00 Uhr
- 13.4.: 23.00 Uhr
- 14. - 15.4.: 19.15 Uhr

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Highlights im Hansafilmpalast

Der Hansafilmpalast (Kiel, Hansastr. 48) zeigt im März und April (jeweils um 20.30 Uhr):

15.3.: Der Besondere Film: Marseille (D 2004)
Die junge Berliner Fotografin Sophie (Maren Eggert) lässt sich auf einen Wohnungstausch mit einer französischen Studentin ein. In Marseille lässt sich die junge Frau durch die Mittelmeermetropole treiben, lernt einen Automechaniker kennen, besorgt sich ein Auto und erfährt Tage ohne Termindruck und Verabredungen. Bald wird klar, dass sie ihr Leben umkrempeln muss.

21.3.: Napola - Elite des Führers (D 2005)
Der mittellose Berliner Nachwuchs-Boxer Friedrich (Max Riemelt) sieht die NS-Eliteschule Napola als einzige Chance, seine erhoffte Sportkarriere wahr machen zu können. Erst der sensible Albrecht (Tom Schilling), Sohn des Gauleiters, öffnet Friedrich nach und nach die Augen und streut Zweifel am System ...

22.3.: Der Besondere Film: Ich mag den Mann nicht, der ich bin (D 2005)
Portrait der Band „Superpunk“ mit reichlich Konzertausschnitten. „Christian Theedes Kamera war im Tour-Bus dabei, wenn die Hamburger Jungs von Superpunk mal so daherreden, was das alles soll – vor allem aber nicht soll. Er hat der Band schon manchen Videoclip auf den Leib geschneidert. Jetzt ist er da dabei, wo die Band sozusagen „unplugged“ plaudert, im Café, backstage oder einfach da, wo die Musiker „online“ über die Bedeutung ihres Tuns reden.“ (Jörg Meyer, infomedia-sh.de)

28.3.: Jubiläumsprogramm zu „25 Jahre Hansastraße 48“
- 19.00: „Marlowski“: Handgemachter Kieler Super-8-Krimi in einer wilden Mischung aus Phillip-Marlowe-Filmen und „Müllers Büro“ mit zahlreichen Anspielungen auf die politischen Machtverhältnisse und Zeitgeistthemen in den 80ern.
- 20.30: „Der Schrecken des Amazonas“: 3D-Monsterspektakel mit Kultcharakter.
- 22.15: „Züri brännt“: Dokumentation von und über die Züricher Autonomen-Szene in den 80ern.

4.4.: Luther (D 2004)
Starbesetztes Historienepos (Joseph Fiennes, Peter Ustinov, Alfred Molina) über das Leben Martin Luthers, der sich vom selbstzweiflerischen Mönch zum hartnäckigen Freigeist wandelt. Vom Papst exkommuniziert und vom Kaiser geächtet, weigert sich der zum Ketzer erklärte Luther standhaft, seine Thesen zu widerrufen, und erkennt nur die Bibel als Autorität an.

11.4.: Taxi Driver (USA 1975, OmU)
In Martin Scorceses frühem Meisterwerk spielt Robert de Niro den Vietnamveteranen und New Yorker Nachtschicht-Taxifahrer Travis Bickle. Die Brutalität und die Unmenschlichkeit, die er erlebt hat, haben ihn zum gewaltbereiten Einzelgänger gemacht. Die Ablehnung einer jungen Frau (Cybill Shepherd) und die unterdrückte Zuneigung zu einer 14-jährigen Prostituierten (Jodie Foster) lösen eine Kettenreaktion in Bickle aus. Der Höhepunkt des Films ist eine der stärksten und zugleich verstörendsten Szenen der Filmgeschichte.

18.4.: Steve McQueen: The Getaway (USA 1972, OmU)
Doc McCoy (Steve McQueen) kommt auf Betreiben des mächtigen Lokalpolitikers Benyon aus dem Gefängnis frei und soll für diesen eine Bank berauben. Bei dem Überfall geht manches schief, aber die Beute ist größer als erwartet. McCoys Freundin Carol (AliMcGraw) tötet Benyon, weil sie von diesem bei dem Versuch, Doc freizubekommen, zum Beischlaf erpresst wurde. Mit dem Geld flüchtet das Paar Richtung Mexiko, im Rücken Benyons Killer und einen ebenso enttäuschten wie rücksichtslosen Überfallkumpan. Geradliniger, mitreißend inszenierter Verfolgungsjagd-Thriller von Sam Peckinpah.

25.4.: Was das Herz begehrt (USA 2004)
Schwerenöter Harry (Jack Nicholson) erleidet einen Herzanfall und verliebt sich daraufhin wider Willen in die Mutter (Diana Keaton) seiner jüngeren Freundin. Sein Arzt (Keanu Reeves) allerdings auch. Gelungene Situationskomödie.

26.4.: Der Besondere Film: Walter Ungerer – An American Independent Filmmaker
In der Reihe „Der Besondere Film“ zeigen wir Arbeiten von Walter Ungerer, einem der wahren Independent Filmmaker des amerikanischen Independent- und Avantgarde-Kinos und Zeitgenossen von Stan Brakhage und Jonas Mekas. In der Auswahl sind 16mm-Kurzfilme aus den 60ern und aktuelle Videoarbeiten.

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Highlights im Kieler KoKi

Das Kieler KoKi zeigt im März und April u.a.:

Grönland Filmfest – mit der Deutsch-Dänischen Gesellschaft

Ernenek wird Europäer
Hans Joachim Kürtz. BRD 1969 (ZDF). 45 Min. Kamera: Rolf Warnholz.
Vor über 30 Jahren brach der Kieler Journalist H. J. Kürtz nach Grönland auf, um im Auftrag des ZDF dieses zeitgeschichtliche Dokument eines einzigartigen gesellschaftlichen Wandels zu erstellen: des Übergangs von einer fast noch archaischen Fängergesellschaft in eine soziale Wohlstandgesellschaft nach dänischem Muster. Von dieser Transformation im Zuge der Umwandlung von der dänischen Kolonie zur dänischen Provinz waren rund 50.000 Grönländer betroffen; die Folgen des rigorosen Umbruchs der sechziger Jahre wirken als soziale Probleme noch heute nach.
Sa, 18.3., 15.00

Palos Brudefaerd / Palos Brautfahrt
Knud Rasmussen. DK 1933. ca. 80 Min.
Knud Rasmussen (1879-1933) gilt bis heute als einer der großen Pioniere in der Erforschung der Arktis. Neben der geografischen Erkundung der Polarregion galt sein besonderes Interesse der Dokumentation und Bewahrung der Inuit-Kultur und -Sprache; die Herausgabe von Sagen und Erzählungen der Inuit zählen zu seinen Hauptwerken. Auf seinen zahlreichen Expeditionen führte er auch Kameraausrüstungen mit, mit denen er uns einzigartige Zeugnisse aus dem Leben der Inuit überliefert hat. „Palos Brautfahrt“ zählt aufgrund seiner ethnografisch unverfälschenden und kinematografisch wunderschönen Aufnahmen bis heute zu den Höhepunkten der filmischen Erfassung von Natur und Kultur Grönlands.
Sa, 18.3., 18.30

S.O.S. Eisberg
Arnold Fanck. D 1933. 90 Min. Mit Leni Riefenstahl, Gustav Diessl, Ernst Udet.
Dr. Johannes Brand bricht mit seinem Team zum Karajak-Gletscher auf, um nach Überlebenden einer Expedition zu suchen. Tatsächlich finden sie Spuren der Vermissten. Schließlich treffen die Expeditionen aufeinander, sind aber auf einem isolierten Eisberg gefangen, der unaufhaltsam in die wärmeren Gewässer gen Süden treibt ... „S.O.S. Eisberg“ ist Fancks „ehrgeizigster Film und in vieler Hinsicht sein bester, schon weil alle relevanten Exzesse hier auf die Spitze getrieben werden.“ (J. Hembus)
Sa, 18.3., 20.30

Minik
Axel Engstfeld. D 2005. 80 Min. Mit Anuu Jin Boldsaikhan, Zdenek Stepanek.
Im Oktober 1897 kommt der Arktisforscher Robert Peary von einer Grönlandexpedition nach New York zurück. Im Gepäck hat er u.a. fünf Eskimos, die die anthropologische Abteilung des American Museum of Natural History bei ihm bestellt hatte. Innerhalb weniger Monate sterben alle bis auf den kleinen Minik. Er wird von einem Mitarbeiter des Museums adoptiert und bleibt noch 12 Jahre in den USA; als er endlich wieder nach Grönland zurückkehrt, hat Minik seine Muttersprache verlernt ... Im dokumentarischen Gestus mit eingestreuten Spielszenen erzählt Engstfeld die wahre, aufrüttelnde Geschichte des zum lebenden Museumsexponat verurteilten Minik. Dabei standen ihm und seinem Team längst nicht alle Türen offen; nur ein einziger Wissenschaftler im heutigen American Museum of Natural History war überhaupt bereit, über dieses wenig rühmliche Kapitel der Wissenschaftsgeschichte zu sprechen.
So, 19.3., 18.30

Atanarjuat
Zacharias Kunuk. Kanada 2000. 172 Min. OmU. Mit Natar Ungalaaq.
Ein Nomadenstamm der Inuit wird vom Bösen in Gestalt eines unbekannten Schamanen heimgesucht. Atanarjuat, der Sohn eines Fürsten, muss fliehen, irgendwann aber ist für ihn die Zeit gekommen, den Fluch des Bösen zu brechen. – Der Film erzählt eine alte Inuit-Legende in epischer Breite. Zum ersten Mal in der Filmgeschichte wurde in der Inuktitut-Sprache gedreht.
So, 19.3., 20.00

FilmArchitektur – mit der Architekten- und Ingenieurkammer S.-H.

Oliver Twist
Roman Polanski. F 2005. 128 Min. OmU. Mit Sir Ben Kingsley, Barney Clark.
In klaren Erzählabschnitten schildert Polanski die bekannten Stationen von Oliver Twists opferreichem Weg: das Armenhaus, die Lehre beim Sargbauer, die „Ausbildung“ zum Taschendieb beim Hehler Fagin, seine Aufnahme beim gutmütigen Mr. Brownlow, seine erzwungene Rückkehr in die Fänge des Diebsgesindels und seine schlussendliche Befreiung. Am Ende bittet der gepeinigte Oliver darum, sich mit seinen Peinigern aussöhnen zu dürfen – ganz offensichtlich findet Polanski, dessen Kindheit von ähnlich qualvollen Erlebnissen geprägt war, in diesem bewegendsten Moment seinen ganz persönlichen Zugang zu diesem Stück Weltliteratur. – Gedreht wurde der Film in den weltberühmten Tschechischen Barrandov-Studios, wo der polnische Production Designer Allan Starski („Schindlers Liste“, „Der Pianist“) in fünf vollständigen Straßenzügen das London des 19. Jahrhunderts nachbaute.

Do, 23.3., 20.30; Mo, 27.3., 18.15; Di, 28.3., 20.30; Mi, 29.3., 18.00

Rosa Linse: Lesbisch-Schwules Filmwochenende

Fremde Haut
Angelina Maccarone. D 2005. 100 Min. Mit Jasmin Tabatabai.
Sie ist jung, schön, intelligent. Und sie liebt Frauen. Dafür droht der Dolmetscherin Fariba in ihrem Heimatland Iran die Todesstrafe. Nach Ablehnung ihres Asylantrages in Deutschland droht ihr die Abschiebung. Der Selbstmord eines iranischen Mitinsassen eröffnet ihr einen Ausweg: Fariba nimmt seine Identität an und erhält eine vorübergehende Aufenthaltsgenehmigung in der schwäbischen Provinz. Die kultivierte Großstädterin landet in dem kleinen Kaff Sielmingen. Für einen falschen Pass arbeitet sie illegal und lernt Anne kennen, eine junge Kollegin. Trotz des Risikos offenbart Fariba ihr Geheimnis und das Glück scheint zum Greifen nah. Politisches Drama, bewegende Liebesgeschichte und ungeschminkte deutsche Wirklichkeit. In „Fremde Haut“ erzählt Angelina Maccarone, die 1995 mit „Kommt Mausi raus“ bekannt wurde, von Entwurzelung und Sehnsucht nach Identität, von unmöglicher Liebe in Zeiten von Exil und Verfolgung, vom unbeugsamen Willen einer Frau, ihren Platz im Leben zu finden, anzukommen – in einem anderen Land, einer anderen Kultur, einer neuen Liebe. Der Film beeindruckt mit Jasmin Tabatabais großer schauspielerischer Leistung, geht in seiner radikalen Intensität unter die Haut und schmerzt durch eine seltene Wahrhaftigkeit. – Am Dienstag, 28.3., nach dem Film Gespräch mit ZBBS – Zentrale Bildungs- und Beratungsstelle für Migrantinnen.
Fr, 24.3., 20.00; Di, 28.3., 18.30

Katzenball
Veronica Minder. CH 2005. 87 Min. OmU.
Ausgangspunkt sind Gespräche mit fünf in der Schweiz lebenden Frauen liebenden Frauen. Virtuos hat Minder die offenen, oft lakonisch-humorvollen Erzählungen der verschiedenen Frauen miteinander verknüpft. Fotos, Ausschnitte aus alten Spielfilmen mit Asta Nielsen und Marlene Dietrich, Häppchen aus Wochenschauen und TV-Sendungen erlauben uns, zum „anderen Ufer“ zu schauen und auch bekannte Bilder aus Film und Fernsehen mit anderen Augen zu sehen. Auch die nahe Szene in Deutschland wird erinnert, wo frau in einer Stuttgarter Lesbenbar riskierte, von „deutschen Eichen angegrapscht“ zu werden. Amüsanter wie aufschlussreicher Blick auf 70 Jahre Schweizer und damit auch europäischer Frauengeschichte aus der Perspektive einer Minderheit. Zu Gast: Veronika Minder.
Sa, 25.3., 20.00

D.E.B.S.
Angela Robinson. USA 2004. 91 Min. Deutsche Fassung.
„Ich liebe Comic-Buch-Figuren wie die „Drei Engel für Charlie“. Ich habe mir immer gewünscht, dass Sie lesbisch wären, aber nie waren sie es – darum habe ich mir meine eigenen ausgedacht.“ Discipline, Energy, Beauty, Strength: Vier harmlos scheinende Mädchen sind die vielseitigste, tödlichste und best aussehende Elitetruppe der Welt. In heikler Mission: Lucy Diamond, Bankräuberin und das personifizierte Böse, muss eingefangen werden.
Sa, 25.3., 22.30

George Michael: A Different Story
Southan Morris. GB 2005. 93 Min. OmU.
Als Sohn griechisch-zypriotischer Einwanderer im Norden Londons geboren, hat sich George Michael in den rund 20 Jahren seiner Karriere vom Sänger, Songschreiber, Arrangeur und Produzenten der Gruppe Wham! zum gefeierten Solisten gemausert. Hier erzählt er die Geschichte seiner Karriere. Es gibt viele Bilder über den spät geouteten George Michael und des Kämpfers gegen Globalisierung und George Bush. Dem Regisseur ist „eine Dokumentation gelungen, die mit viel Humor und Tempo einen Pop-Mythos menschlich werden lässt, ohne seinen Glamour einzuebnen ... [Der Film wird ab und an] unterbrochen von mal selbstironischen, mal ernsten Reflexionen eines Superstars, der seinen Ruhm erst mit den Jahren verkraften und verwalten gelernt hat.“
So, 26.3., 18.30

Goldfish Memory
Liz Gill. Irland 2003. 85 Min. Mit Sean Campion, Fiona O’Shaughnessy.
Goldfische haben ein Erinnerungsvermögen von drei Sekunden. Wie wäre das eigentlich beim Menschen, wenn er sich immer neu verlieben kann, ohne Tränen und Herzschmerz? Ist es dann immer wieder das erste Mal? Für einen Uni-Professor, eine lesbische TV-Moderatorin und einen schwulen Fahrradkurier in Dublin wären mit einem Goldfisch-Gedächtnis die Gefühlswirren ihres charmant-rasanten Liebeskarussels bestimmt leichter zu bewältigen.
So, 26.3., 20.30

Psychoanalyse und Film

Dolls
Takeshi Kitano. J 2002. 113 Min. OmU. Mit Miho Kanno, Hidetoshi Nishijima.
Ausgangspunkt ist die Aufführung eines Bunraku-Stücks, einer Form des traditionellen japanischen Puppentheaters. Aus diesem Rahmen entwickeln sich drei Handlungsstränge, die sich spiegeln, Motive variieren und wieder aufnehmen. Alle Geschichten kreisen um Liebe und Verlust derselben, um ein Schicksal, das es den Liebenden versagt, mit einander leben zu können ... Die Figuren, in Gestik und Mimik Puppen nicht unähnlich, wandeln durch farbenprächtige Wälder, vorbei am strahlenden Meer, eingehüllt in die fantastischen Kostüme Yohij Yamamotos.

Mo, 27.3., 20.30

Der „Förderverein Freunde des Kommunalen Kinos“ verabschiedet sich

The Return of the Tüdelband
Jens Huckeriede. D 2003. 82 Min.
Anfang des 20. Jahrhunderts waren die Gebrüder Wolf die Stars in den Hamburger Amüsierbetrieben – so erfolgreich war das jüdische Trio mit seiner Stimmungsmusik, dass den Wolfs bald das Operettenhaus gehörte. In den Revuen versetzten sie das Publikum mit theatralischer Ironie und deftigen Zoten in heiterste Stimmungen; die schnoddrige Hamburger Mundart ihrer Stücke trug dazu bei, dass sie zu Publikumslieblingen wurden. Und ihr Tüdelband-Lied ist bis heute Hamburgs heimliche Hymne. Dem Nationalsozialismus konnte auch die Familie Wolf nicht entkommen. Nur wenigen gelang die Emigration in die USA. Ein Nachfahre der Überlebenden, Dan Wolf, tritt die Reise in umgekehrter Richtung an. Wie bei dem Wolf Trio ist auch seine Sprache die Musik: Dan rappt seine Gefühle und Eindrücke auf Hamburger Straßen und eignet sich so seine Familiengeschichte an. Das Heute ist mit dem Gestern eng verzahnt. Das zeigt sich auch in den neuen Versionen des Tüdelband-Liedes von Hamburger Bands, die den Film zu einem unterhaltsamen Ereignis machen. – Mit der Veranstaltung (zu Gast: Jens Huckeriede) verabschiedet sich der Verein „Freunde des Kommunalen Kinos“ nach langjähriger Tätigkeit. Das KoKi sagt „Danke!“

Mi, 29.3., 20.30

Dark Horse / Voksne mennesker

Dagur Kári. DK / Island 2005. 109 Min. OmU. Mit Jacob Cedergren, Nicolas Bro.

Beruf: Künstler. Hauptbeschäftigung: im Auftrag Liebeserklärungen an Kopenhagener Hauswände sprühen. Einnahmen der letzten vier Jahre: sieben Kronen. Mit dem Finanzamt im Nacken schlingert Luftikus Daniel durch ein – bisher unbekanntes – Kopenhagen. Dann kommt noch die Liebe zur ebenso unbekümmert dahinlebenden Francesca dazu: Muss er Verantwortung übernehmen? „Auch in Dänemark gelingt dem isländischen Regisseur von „Nói Albinói“ eine wunderbar abwegige Komödie voller „Melancholie und Lakonie, mit all dem, was das skandinavische Kino an Gesichtern, an Ortschaften, an skurrilen Situationen zu bieten hat. Und (fast) alles ist Schwarzweiß.“ (Die Welt)

Sa, 1.4. + Mo, 3.4. - Mi, 5.4., 20.30

Klassik im Kino – Kino Kultur digital

Die Meistersinger von Nürnberg

Wolfgang Wagner. Bayreuther Festspiele 1984. 282 Min. Musikalische Leitung: Horst Stein. Bildregie: Brian Large. Solisten: Bernd Weikl, Siegfried Jerusalem.

Streng geht es zu beim jährlichen Sängerstreit in Nürnberg, wachen doch die so genannten Merker unter der Führung des Stadtschreibers Sixtus Beckmesser über die kunstgerechte Anwendung der musikalischen Regeln. Und so sieht es schon danach aus, dass Walther von Stolzings Lied nicht den Zuspruch der engstirnigen Zunft der Musikhandwerker finden und er somit nicht seine geliebte Eva erringen kann. Gott sei Dank kann der berühmte Schustermeister Hans Sachs dem jungen Sporn unter die Arme greifen und ihm zu seinem Glück verhelfen. Nebenbei gibt er ein Beispiel dafür, dass das Schaffen des Künstlers nicht von menschlichen Regelwerken beengt werden darf, sondern einzig den Regeln der Natur zu folgen hat. – Die Arbeit an den „Meistersingern“ zog sich, mit vielen Unterbrechungen, über 22 Jahre hin. Dass Wagner die Oper schließlich überhaupt fertig stellen und auf die Bühne bringen konnte, verdankte er der Unterstützung seines großen Förderers, des bayerischen Königs Ludwig II. Die Uraufführung am 21. Juni 1868 war Richard Wagners größter künstlerischer Erfolg zu Lebzeiten. Einführung: Prof. Dr. Reinfandt

So, 2.4., 14.00

Weitere Klassik-Termine: Mozart! Wegen des großen Andrangs wiederholen wir zwei Mozart-Opern, die wir zum Mozart-Jubiläum bereits im Januar gezeigt haben: Am So, 9.4, 15.00 zeigen wir „Die Entführung aus dem Serail“ (Karl Böhm, Bayerische Staatsoper 1984), So, 23.4., 15.00 wiederholen wir „Die Zauberflöte“ (Wolfgang Sawallisch, Bayerische Staatsoper 1983).

Mit Greenpeace: Leben außer Kontrolle

Bertram Verhaag. D 2003. 90 Min.

20 Jahre nach der Euphorie über die ersten Fortschritte in der Gen-Technik bleibt heute wenig Anlass zur Freude: Wegen einer katastrophalen Ernte bei gentechnisch veränderter Baumwolle stehen viele indische Bauern vor dem Ruin. In Kanada weht genmanipulierter Rapssamen auf die Felder benachbarter Biobauern und macht damit ökologischen Anbau unmöglich. Das isländische Parlament verkauft das gesamte Genpotential seiner Bevölkerung an eine private Firma, die die Daten wiederum gewinnbringend an die Pharmaindustrie und Versicherungen weiterverkaufen will. Beliebig viele weitere Beispiele, die von unkontrollierten und/oder unkontrollierbaren Manipulationen am genetischen Code von Pflanzen, Tieren und Menschen vorgenommen werden, ließen sich aufzählen. Weltweit bieten nur eine Handvoll Wissenschaftler der Industrie die Stirn ...

Sa, 8.4., 18.30 (anschließend Gespräch)

Aus der Ferne

Thomas Arslan. D 2005. 89 Min.

Nach einer Reihe von Spielfilmen (zuletzt „Der schöne Tag“ und „Dealer“) ist der 1962 in Braunschweig von türkischen Eltern geborene Thomas Arslan nun beim Dokumentarfilm angelangt: einer filmischen Reise durch die Türkei von Istanbul im Westen bis Dogubayazit nahe der iranischen Grenze im Osten. Der Blick ist angenehm zurückhaltend, fast schüchtern – aus der Ferne eben. So bestehen die ersten Impressionen von den erreichten Stationen oft aus einer Ansicht aus dem Hotelzimmerfenster, das häufig nicht einmal vollständig geöffnet ist – vielleicht ein Symbol dafür, dass Arslan sich seines eingeschränkten Blickwinkels durchaus bewusst ist und dass es nie um eine vollständige Erkundung der Reisestationen geht. Schon gar nicht hält sich Arslan an einen Kanon typischer Sehenswürdigkeiten, die es in Seen-it-done-it-Manier abzuarbeiten gilt. Viel eher streift er durch die Gassen, lässt seinen Blick auf alltäglichen Szenen ruhen. „Der Ausgangspunkt für diesen Film ist einfach, dass man überhaupt ein Bild kriegt, das nicht sofort einer Theorie zuzuschlagen oder die bloße Illustration von etwas Vorgewusstem ist“, so Thomas Arslan.

Fr, 14.4. - Di, 18.4., 18.30

Fussballgöttinnnen

Nina Erfle, Fréderique Veith. D 2006. 90 Min.

„Fußballgöttinnen“ taucht ein in den Alltag von Frauen und ihrer Leidenschaft für den Fußball. Der Film geht weit über das Spielgeschehen auf dem Platz hinaus. Die 62-jährige Platzwartin Trautchen ist durch den Fußball aufgeblüht, hat gelernt, wie man sich durchsetzt. Das Berliner Original gibt noch im Ruhestand auf einem Fußballplatz in Berlins Mitte den Ton an. Auch Beatrix muss die Nerven bewahren, denn sie ist mit ihren 16 Jahren eine der jüngsten Schiedsrichterinnen Deutschlands – pfeift Frauen wie Männer. Sie hat alles unter Kontrolle, wäre da nicht die Pubertät. Ein eingeschworener Fan wie Tina findet im Stadion, was der Beruf nicht bieten kann. Fußball begleitet Viola schon von Kindesbeinen an. Heute ist sie Fußballweltmeisterin und Spielerin bei Turbine Potsdam. Doch ganz vorne mitzukicken bedeutet permanenten Druck und Einsatz auf der ganzen Linie – neben dem Studium. Nach den unzähligen Titeln der deutschen Fußballfrauen und der anstehenden WM der Männer im eigenen Land sollte auf dem Fußballfeld vielleicht neu verhandelt werden. Die ewigen Klischees behaupten sich nicht immer und „Fußballgöttinnen“ gibt spannende Einblicke in das weibliche Leben mit dem runden Leder. Produzentin Jenni Kriegel ist zu Gast am 19.4.

Mi, 19.4., 20.30; Do, 20.4. + Fr, 21.4., 18.30

FilmTrain präsentiert zum Anbaden: Kieler Erstaufführung

Winterschwimmer

Ulrich Selle. D 2006. 29 Min.

Wenn der öffentliche Badebetrieb im Herbst eingestellt wird, übernehmen die Winterschwimmer das Kieler Seebad „Düsternbrook“. „Für viele von uns ist es eine zweite Heimat“, sagt der ehemalige Seemann Manfred Holzhüter, heute der heimliche Schwimmmeister des Bades. Er kommt jeden Tag dreimal hierher, um ins Meer zu springen, im Sommer wie im Winter. Diese besondere Leidenschaft teilt er mit etwa einem Dutzend anderer Schwimmerinnen und Schwimmer. Manche, wie der jetzt 80jährige Heinz Osbahr, kommen seit ihrer Kindheit. Jeder hier hat eine eigene Beziehung und Philosophie zum täglichen Bad im Meer. Mit ihren Ritualen machen sie das marode alte Seebad zu einem besonderen Ort der Begegnung. Ulrich Selle hat im Rahmen des deutsch-dänischen Kooperationsprojektes FilmTrain das Badeleben ein Jahr lang mit der Kamera begleitet. Sein Film lädt ein zu einem Sprung in die Welt der Winterschwimmer. Im Rahmenprogramm spielt live die Kieler Tangokapelle „Tangoneon“.

Sa, 22.4., 18.30

Filmprogramm und Buchvorstellung – zu Gast: Dr. Ralf Forster

Ufa und Nordmark.
Zwei Firmengeschichten und der deutsche Werbefilm 1919 – 1945

Der Filmwissenschaftler Dr. Ralf Forster stellt in einer abwechslungsreichen Parallelschau mit vielen Filmbeispielen die Produktion der reichsweit aktiven Ufa-Werbefilm Berlin und der Kieler Nordmark-Film einander gegenüber. Ob mit humoristischen Zeichentricks, der Übernahme populärer Genres wie Slapstick-Komödie und amerikanischer Cartoons oder der Verpflichtung von Stars – stets haben beide Filmbetriebe in den Werbefilmen Unterhaltung großgeschrieben. Den Nachteil an Know-How und Finanzkraft machte die Nordmark-Film mit dem betont lokalen Kolorit teilweise wett, während die Ufa schon ab 1930 mit Ton und ab 1933 mit Farbe locken konnte. Nationalsozialismus und Zweiter Weltkrieg hinterließen – besonders ab 1940 – ihre Spuren: Die ohnehin raren Werbfilme wurden grauer, ideologischer, sollten zu Sparsamkeit und Durchhalten an der Heimatfront ermahnen. Das Programm kommt zustande mit Unterstützung des Bundesarchivs – Filmarchiv und des Landesarchivs Schleswig-Holstein – Landesfilmarchiv.

So, 23.4., 18.30

Globalisierungskritisches Filmfestival „globale 06“ 24.-28.4.

Mit Filmen von dem globale06-filmfestival aus Berlin werden wir uns 5 Tage im Kommunalen Kino in Kiel den Themen Ernährung, Umwelt, prekäre Arbeitsbedingungen, Sozialabbau, Konzernherrschaft, Migration und Privatisierung widmen. Aber auch Alternativen und Bewegung, Engagement und Widerstand, Hoffnung und Utopie werden dargestellt. Im Rahmen internationaler Organisationen wie WTO, IWF, G8 und Weltbank treiben die industrialisierten Länder ihre Freihandelsdoktrin immer weiter voran – mit sehr unterschiedlichen Folgen für verschiedene Regionen der Welt. Weltweit stehen Menschen Privatisierungen, Biopiraterie, Raubbau an der Natur und Zerstörung von Lebensräumen sowie Sozialabbau, fehlendem Zugang zu Bildung, mangelnder Gesundheitsversorgung und Entdemokratisierung gegenüber. Lokal und global regt sich dagegen Widerstand. Können all diese verschiedenen Bewegungen zusammengeführt werden, um globale Probleme gemeinsam zu bewältigen? Wie können die jeweiligen geografischen und kulturellen Bedürfnisse wegweisend verbunden werden? Diese und andere Fragen möchten wir im Anschluss an die täglichen Vorstellungen diskutieren. Weitere Informationen sind im Programmflyer unseres Filmfestivals nachzulesen. In Kooperation mit Attac Kiel und weiteren Partnern.

Mo, 24.4.
18.15: Globale06 – Arbeit/Sozialabbau: Working Man’s Death, Michael Glawogger, D 2005, 122 Min.
20.30 Galerie: Globale06 – Arbeit/Sozialabbau: Des Wahnsinns letzter Schrei, D 2005, 60 Min.; Die Zeit ist reif, D 2004, OF, 24 Min.

Di, 25.4.
18.30: Globale06 – Privatisierung: Navigators, Ken Loach, GB/D/E 2001, OmU, 95 Min.
20.30 Galerie: Globale06 – Privatisierung: La tierra es de quien la trabaja + weitere Filme, Mex 2004, OmU, gesamt 88 Min.

Mi, 26.4.
18.00: Globale06 – Transnationale Konzerne: The Corporation, M. Achbar, J. Abbott, Can 2003, 145 Min.
20.30 Galerie: Globale06 – G7/G8: Eviannaive + weitere Filme, D 2005, OF, gesamt 95 Min.

Do, 27.4.
18.30: Globale06 – Umwelt/Ernährung:
Darwins Alptraum, Hubert Sauper, F/A/B/NL/S 2004, OF, 107 Min.
20.30 Galerie: Globale06 – Umwelt/Ernährung: Store Wars, L. Fox, USA 2005, OF, 7 Min.; boden besitzen, D 2006, 48 Min.

Fr, 28.4.
18.30 Galerie: Globale06 – Migration: Abschiebung im Morgengrauen, 46 Min.; Latitude 36, J. L. Tirado, E 2004, 65 Min.

Mit Brücke Schleswig-Holstein gGmbH: Filmtournee „ausnaHme|zusTanD“

Der Leipziger Verein Irrsinnig Menschlich e.V. und der Berliner Filmverleih B-Film haben das bundesweite Filmfest „Ausnahme-Zustand“ zum Themenkomplex „Depression – Psychische Erkrankung“ zusammengestellt. Dank der Initiative der Brücke Schleswig-Holstein gGmbH – Hilfen für Menschen mit psychischen Beeinträchtigungen und/oder Suchterkrankungen – zählt das Kommunale Kino Kiel zu den ersten Aufführungsstätten. Weitere Infos unter www.bruecke-sh.de.

SeelenSchatten
Dieter Gränicher. CH 2002. 89 Min. OmU
Zwei Frauen und ein Mann, die unter schweren Depressionen leiden, werden zwei Jahre lang filmisch begleitet. Ausgangspunkt der filmischen Erzählung ist ihre akut depressive Phase. Wie erleben sie ihre Krankheit und den Klinikaufenthalt? Wie entwickelt sich ihre Arbeits- und Familiensituation nach der großen Krise? Wann fühlen sie sich wieder gesund? Der Film erforscht dunkle Seiten der menschlichen Seele und die verschiedenen Aspekte der Depression. Er weckt Verständnis für Menschen, die durch ihre psychische Krankheit nach wie vor stigmatisiert sind. Fr, 28.4., 18.30

Tarnation
Jonathan Caouettee. USA 2003. 88 Min. OmU
Als Jonathan Caouette in den frühen 80ern im Haus seiner Großeltern in Texas mit elf Jahren zum ersten Mal vor einer Super-8-Kamera posiert, ist er grell geschminkt, trägt ein Kleid und imitiert seine Mutter Renee, ein ehemaliges Kindermodel, das nach einem Sturz von einem Garagendach mit Elektroschocks behandelt, von Psychopharmaka abhängig und schizophren wurde. Mit Anfang 30 montiert Jonathan Caouette die frühen Selbstversuche und weiteres gesammeltes Material aus seiner Kindheit und seiner eigenen mentalen Krankheitsgeschichte zu einem eindringlichen, filmischen Selbstporträt. „Tarnation“ ist ein Protokoll des Schmerzes: des Schmerzes, den seine Mutter und Caouette selbst als Heranwachsender erleben, und des Schmerzes, der mit der filmischen Aufarbeitung dieser Kindheits- und Leidengeschichte einhergeht.
Sa, 29.4., 18.30

Die weiteren Filme (im Mai):
Weightless. Sigve Endresen. NOR 2002. 75 Min. OmU. Porträt einer an Magersucht erkrankten Frau, die eine erfolgreiche Therapie begann, als sie nur noch 34 Kilo wog. Mo, 1.5.
People Say I’m Crazy. John Cardigan. USA 2004. 84 Min. OmU. John Cadigan, schizophrener Künstler, schildert in diesem Film seine Krankheit und seine Wege, aus ihr seine Kreativität zu ziehen. Di, 2.5.
Raum 4070/4071. Jana Kalms, Torsten Striegnitz. D 2006. 80 Min. Dokumentation über ein 1996 gegründetes Seminar, in dem sich im Zweiwochenrhythmus 40 bis 80 psychisch erkrankte Menschen zu Gesprächen treffen. Mi, 3.5.

Cinarchea – FilmArchitektur – am Klavier: Werner Loll

Das Weib des Pharao

Ernst Lubitsch. D 1922. ca 120 Min. Bauten: E. Stern, K. Richter. Mit E. Jannings.

Kabale und Liebe im alten Ägypten: Als der äthiopische König Samlak einen Staatsbesuch bei Pharao Amenes abhält, verliebt sich die Zofe seiner Tochter in den Baumeister und Geheimnisträger Ramphis. Unerlaubter Weise betritt sie die geheime Baustelle des ägyptischen Schatzhauses und wird verhaftet. Als der Pharao die Schuldige verurteilen soll, verfällt er sogleich ihrem Liebreiz und macht sie zu seiner Gemahlin. Das aber kränkt König Samlak, der sich aus der Verbindung des Pharaos mit seiner eigenen Tochter politische Vorteile versprach. Es bleibt kein Ausweg: Bald marschieren zwei gewaltige Heere auf einander zu ... „Das Weib des Pharao“ ist ein Werk ganz nach dem damaligen Zeitgeschmack des Publikums, das nach dem überragenden Erfolg von Pastrones „Cabiria“ (I 1914) auf der ganzen Welt monumentale Antikenfilme sehen wollte – die großen Studios wetteiferten geradezu mit immer größeren Aufgeboten an Menschen, Tieren und Kulissen, und die Berliner Künstler legten für die Konkurrenz in Hollywood, wo man gerade „Quo Vadis“ (1925, mit Emil Jannings) und „Der Dieb von Bagdad“ (1924, mit Douglas Fairbanks) vorbereitete, die Messlatte auf ein neues Rekordniveau. Lubitsch, eigentlich Spezialist für die raffinierte Komödie, war nicht unerfahren im Umgang mit opulenten Historienfilmen: 1919 bearbeitete er in „Madame Bovary“ die Französische Revolution, 1920 rekreierte er für „Anna Boleyn“ das England der Tudor-Zeit. – Wir zeigen „Das Weib des Pharao“ in einer digital restaurierten Fassung im Rahmen des 7. Internationalen Archäologie-Film-Kunst-Festivals Cinarchea.

So, 30.4., 20.30

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„Kurzpässe“ – Die neue Kurzfilmrolle der KFA kommt im April ins Kino

Es gibt so Fußball-Legenden. Eine davon heißt, Fußball findet auf dem Spielfeld statt. Die neueste Kinorolle der KurzFilmAgentur beweist: Unzählige Fußballdramen ereignen sich am Spielfeldrand. Zum Beispiel im Training, wenn ein gewisser Wallace den armen Hund Gromit mit einer unaufhörlich feuernden Ballmaschine traktiert.

Wallace and Gromit gehören zu den Stars der neuen Kurzfilmrolle im Verleih der KFA. In „Kurzpässe. Glanzparaden am Spielfeldrand“ reichen sie vielen noch unbekannten Heldinnen und Helden Hand und Pfote, holen sie aus dem Schatten ins Kinolicht. Wir sehen Fußballfans in die bewegten Gesichter, während das Spiel im Rücken ihres Einheizers abläuft. Treffen einen Platzwart und den „Geist von St. Pauli“. Und die 16-jährige muslimische Fußballerin „Jamila“ erklärt, dass Fußball für sie lebenswichtig ist, gerade so wichtig wie Essen.

Die zehn Fußball-Kurzfilme der Rolle „Kurzpässe“ kommen aus acht Ländern und sie erzählen selbst vom Mix der Kulturen. Etwa der australische Film „Bloody Footy“, für den seine Produzenten bei der Berlinale winzige rote Rugbys verteilten - Footys eben. Was Film-Papa Vito sicher nicht gefallen hätte, der doch will, dass sein ältester Sohn Fußball spielt. Fußball, wie Vito selbst einst in Italien. Und nicht dieses verdammte Rugby, das alle so lieben in Down Under ...

„Kurzpässe“ - die Fußball-Kurzfilmrolle der KurzFilmAgentur Hamburg e.V.: 10 Kurzfilme zur wichtigsten Nebensache der Welt, 85 Minuten Laufzeit insgesamt, ab 6. April 2006 im Kino, ab sofort buchbar beim KurzFilmVerleih der KFA, verleih@shortfilm.com. Infos unter www.shortfilm.com.

(nach einer Pressemitteilung der KFA)

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aufgemerkt – Veranstaltungs- und andere Tipps
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Aussagekräftiges Kompendium

„Mythen – Mütter – Maschinen. Das Universum des James Cameron“, herausgegeben von Eckhard Pabst

Auch wenn er seit „Titanic“ (1997) „nur“ zwei Dokumentarfilme („Bismarck“, 2002; „Ghost of the Abyss“, 2003) für das Fernsehen respektive für IMAX-Kinos realisiert hat, so bleibt James Cameron doch einer der erfolgreichsten Regisseure des amerikanischen Mainstream. Sein Name ist mit denen von Steven Spielberg und George Lucas in einem Atemzug zu nennen, sowohl auf den Erfolg seiner Filme bezogen als auch auf die Originalität seiner Filmwelten und sein Talent als Filmemacher. Der 1954 geborene, aus Chippewa Falls stammende Kanadier ist filmischer Autodidakt und machte sich zunächst als Special Effects Experte in der Talentschmiede von B-Film-Produzenten-Legende Roger Corman einen Namen, bevor er mit dem Low Budget Movie „Terminator“ 1984 einen Hit landet. Schon mit dem folgenden Film „Aliens“ (1986), dem Sequel zu Ridley Scotts „Alien“ (1979) konnte sich Cameron als Blockbuster-Regisseur mit eigener Handschrift etablieren. Mit „Terminator 2 – Judgement Day“ (1991) und „Titanic“ schuf Cameron zwei der erfolgreichsten Filme der Filmgeschichte.

Doch Cameron ist nicht nur Regisseur erfolgreicher Multi-Millionen-Dollar-Spektakel à la Michael Bay („The Rock“, „Armageddon“), er beteiligt sich maßgeblich an allen Aspekten des filmischen Prozesses und ist als kompromissloser Perfektionist und Kinomacher der Extreme gefürchtet. Bemerkenswert aber ist, dass seine eigene Fantasie der Ursprung der fantastischen und meist düsteren Welten ist, in denen seine Helden bestehen müssen. Cameron ist, mit wenigen Ausnahmen, sein eigener Drehbuchautor, führt meist die Kamera selbst und muss daher als „Auteur“ betrachtet werden. Mit dem „Terminator“ schuf er zudem eine Figur der Populärkultur, die nicht nur in einem weiteren Sequel, sondern auch in anderen Medienformen (Comic, Computerspiel, Themenpark) fortlebt. „Titanic“ ließ am Ende des Milleniums zusammen mit der gleichnamigen Wanderausstellung und unzähligen Buch- und Magazinveröffentlichungen den Mythos der durch kritiklose Technikgläubigkeit ausgelösten Jahrhundert-Katastrophe aufleben. Gleichzeitig addierte Cameron seinen eigenen Mythos von der Liebe, die gesellschaftliche Klassen überwindet und den Tod überdauert, erfolgreich den Titanic-Legenden hinzu.

Eckhard Pabst, Literatur- und Medienwissenschaftler, freier Lektor für das ZDF und Co-Leiter des Kommunalen Kinos Kiel, hat sich als Herausgeber und Autor der Aufgabe einer kritischen Werkschau gestellt. Auf 320 Seiten untersuchen Pabst und seine Co-Autoren zunächst alle Cameron-Filme in Einzelanalysen, um sich dann im zweiten Teil Themenkomplexen und motivischen Bezügen zu widmen, die sich nach einer übergreifenden Betrachtung der Filme Camerons zwingend ergeben.

Sicher eines der interessantesten Kapitel liefert Pabst als Eröffnung: die Anfänge James Camerons als Filmemacher. Interessant, weil schon in den von Pabst herausgearbeiteten Vorlieben für Science Fiction Literatur und die modernen Genre-Klassiker „Space Odyssey“ (Stanley Kubrick, 1968) und „Star Wars“ (George Lucas, 1977) die Begeisterung für „other worlds, other environments“ (Cameron) deutlich wird, die Camerons ganzes Werk durchzieht. Der Schüler der Stanford CVA begeistert sich für Cryogenetics und fällt seinen Mitschülern auch als hervorragender Zeichner von Science Fiction Szenarien auf. Seine Zeichnungen bilden auch den visuellen Einstieg des lang verschollenen bzw. unter Verschluss gehaltenen Frühwerkes „Xenogenesis“ (1978), einer Art Layout-Dreh für ein ambitioniertes Filmprojekt, mit dem Cameron private Sponsoren zur Investition in einen Spielfilm bewegen wollte. Das Projekt wurde nicht realisiert, doch Cameron bewies schon hier ein außergewöhnliches Talent, mit einfachsten Mittel und bescheidenem Budget einen technisch verblüffenden Kurzfilm zu inszenieren. Pabst präsentiert Stills aus „Xenogenesis“ und weist anhand dieser und der Storyline verblüffende Parallelen zu Camerons späteren Filmen nach. Bereits in diesem Frühwerk finden sich auffällige Ähnlichkeiten mit dem Production Design von „Terminator“ und „The Abyss“ (1989) sowie die wesentlichen Themen des Cameronschen Diskurses und Grundkonstellationen wie der Kampf Mensch-Maschine, der Herrschaftsanspruch der Maschinen und die kämpferische Amazone als Heldin. Pabst liefert hier wesentliche Fakten, Zitate und filmische Schlüssel zum Verständnis des Cameronschen Universums.

In den folgenden Kapiteln des ersten Teils entfalten die Autoren dieses Universum vor unserem geistigen Auge. Die Einzelanalysen beginnen stets mit einer Zusammenfassung der Story und steigen dann in eine Analyse ein, die sich meist einem besonderen Ansatz widmet. Ulrich Bähr nimmt sich der Terminator-Saga an und streicht zu Anfang die populär-kulturelle Bedeutung des Stoffes und seiner Figuren heraus, um ihn dann in einem Vergleich mit der christlichen Mythologie auszudeuten. Hinter der Fassade eines Action-Films verbergen sich die Aufarbeitung zivilisatorischer Grundprobleme sowie menschlicher Urängste. Erst nach der Erkenntnis eines vorherbestimmten Schicksals und der Selbstaufgabe für ein höheres Ziel sind die Helden in der Lage, die Welt oder zumindest die Hoffnung darauf zu retten. Bährs gelungener Text macht deutlich, welcher Grundmotive Cameron sich als Autor bedient.

Gerald Koll unterstellt Cameron in seinem Artikel zum ehemals „erfolgreichsten Film aller Zeiten“ eine verhohlene Nabelschau. Sehr eloquent und mit erfrischender Respektlosigkeit arbeitet Koll nicht nur die Parallelen zwischen der Filmfigur des besessenen und selbstverliebten Titanic-Wracktauchers Lovett und dem Titanic-Filmer Cameron selbst heraus, sondern entdeckt und analysiert auch die zahlreichen versteckten Selbstreferenzen und entlarvt so den Film als Selbstportrait Camerons. Koll gestaltet seinen Text aber nicht als vernichtende Kritik und streicht z.B. die handwerklich perfekte, symmetrische Struktur des Drehbuchs heraus. Doch nach der Lektüre wird man „Titanic“ sicher zumindest einmal aus einem anderen Blickwinkel betrachten.

Im zweiten Teil des Buches widmen sich die Autoren den übergreifenden Themenkomplexen Emanzipation und Mutterschaft im Werk Camerons und beleuchten die mythologischen Bezüge in seinen Filmen. Jens Schröter setzt sich in seinem Text mit dem Verfahren des Morphing auseinander, das Cameron in „The Abyss“ und prominenter noch in „Terminator 2“ einsetzt. Doch Schröter belässt es nicht bei einer bloßen Erklärung der Bildtechnologie, sondern bietet eine Reihe von Deutungen für den Einsatz des damals relativ neuen Verfahrens an. Letztlich unterstellt er Cameron einen bewusst kritischen Kommentar zu den Möglichkeiten der digitalen Bildbearbeitung.

Auch dem Drehbuchautor James Cameron ist gerechtfertigter Weise ein ganzes Kapitel gewidmet. Britta Madeleine Woitschig stellt schon im Titel mit dem Zitat Camerons „Feelings matter more than staying in control. They matter more than anything“ klar, dass Cameron kein kühler Technokrat, sondern ein Erzähler der großen Gefühle und ein Aufklärer ist. Praktisch alle Filme entwerfen Szenearien der existenziellen Bedrohung für eine ganze Kultur und nur wer sich solidarisiert und zum Selbstopfer bereit ist, hat eine Chance zu überleben. Auch in seinem Drehbuch zum Neo-Noir Krimi „Strange Days“ (1994), verfilmt von Camerons Ex-Frau Kathryn Bigelow, sind diese Themen präsent. Das Drehbuch hätte eigentlich einen näheren Blick verdient, dafür holt Woitschig unbekannte und unverfilmte Drehbücher Camerons ans Licht. So schrieb er ein Drehbuch zu „Alien vs. Predator“, das sicher ein bessere Vorlage gewesen wäre als das letztlich realisierte Projekt gleichen Namens. „Avatar“ ist vielleicht Camerons anspruchvollstes und persönlichstes Projekt, wurde aber lange Zeit nicht für eine Realsierung in Betracht gezogen. Der Story fehlte möglicherweise die Geradlinigkeit, die auch Markenzeichen einer Cameron-Storyline ist. Allerdings sind jetzt die digitalen filmtechnischen Möglichkeiten zu neuer Blüte gelangt, die die Umsetzung einer Liebesgeschichte vor dem Hintergrund eines interplanetarischen Krieges nicht nur machbar, sondern auch finanzierbar erscheinen lassen. Aber Cameron würde seinem Ruf als einer der wichtigen technischen Neuerer des Films nicht gerecht werden, wenn er nicht auch in diesem Projekt neue Techniken einsetzen würde. So ist die Realisierung des Projektes nicht nur bestätigt, sondern auch der Einsatz eines digitalen 3D-Kamerasystems und eines „virtual production studios“ vorgesehen. Auch die Story zu „Avatar“ schrieb Cameron wie auch seine anderen Drehbücher zunächst als so genanntes „Scriptment“, das in seiner Ausführlichkeit eher romanähnlich ist und sich sogar kleine Ausflüge in Lektionen über wissenschaftliche Sachverhalte erlaubt. Woitschig hält fest, dass Kenner dieser Scriptments Cameron literarische Qualitäten attestieren. Interessant sind auch ihre Entdeckung von Referenzen zwischen Stanley Kubricks „The Shining“ (1980) und „Titanic“, die laut Woitschig mehr als bloße Hommage sind, sondern das filmanalytische Verständnis Camerons belegen.

Eckhard Pabst liefert nach dem David-Lynch-Projekt „A Strange World“ ein weiteres gelungenes Gemeinschaftsprojekt ab. Für alle Analysen der Buches gilt: Sie eröffnen ein tieferes Verständnis für Camerons Filme, sind informativ und trotz ausführlicher Betrachtung erfreulich unakademisch. Und sie machen Lust auf ein Wiedersehen und Neu-Entdecken von Camerons Filmen. Die Aufteilung des Buches in Einzelanalysen und Themenkomplexe ist sinnfällig und macht „Mythen – Mütter – Maschinen. Das Universum des James Cameron“ zu einem gelungenem Kompendium. Was kann man sich von einem Filmbuch mehr wünschen? (dakro)

Pabst, Eckhard (Hrsg.), Mythen - Mütter – Maschinen. Das Universum des James Cameron, mit Beiträgen von Lars Baumgart, Ulrich Bähr, Hans Heydebreck, Karl Juhnke, Kai Ulrich Jürgens, Gerald Koll, Daniela Langer, Jens Schröter, Britta Madeleine Woitschig, Kiel 2006, Verlag Ludwig, ISBN 3-933598-71-0, 24,90 Euro.

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Auf schmalem Grat – Copyright und Rechte: Dokville 2006

Dokville war ein so großer Erfolg, dass sich das HAUS DES DOKUMENTARFILMS entschlossen hat, den Branchentreff Dokumentarfilm nun jedes Jahr in Ludwigsburg zu veranstalten; in Zusammenarbeit mit der MFG Filmförderung, der Stadt Ludwigsburg und der Film- und Medienfestival GmbH. Der mit 20.000 EUR dotierte Baden-Württembergische Dokumentarfilmpreis wird allerdings auch künftig alle zwei Jahre, d.h. das nächste Mal 2007 verliehen.

Dokville 2006 (www.dokville.de) wird am 1. und 2. Juni im Kulturzentrum Ludwigsburg stattfinden. Das Thema heißt diesmal „Auf schmalem Grat – Copyright und Rechte“. Inzwischen werden in den USA hohe Beträge z.B. für Handy-Töne in Dokumentarfilmen gefordert, die Rechteklärung wird immer komplexer. Dagegen fordern Filmemacher ihr Recht auf Zitate („fair use“). Auch bei uns werden Dokumentarfilme zunehmend inszeniert, um urheberrechtlich planbar zu werden. Während das Drehen neuen Materials Dank neuer Technik immer günstiger wird, steigt – auch wegen des Erfolgs von Dokumentarfilmen im Kino – der Aufwand für die Rechte. Werden sich Filmemacher solches Material überhaupt noch leisten können? Wie ist die Position der Archive und Musikkonzerne? Gibt es so etwas wie einen dokumentarischen O-Ton? Kann man auf der anderen Seite mit dem eigenen Material Geld verdienen?

Der Branchentreff Dokville 2006 will einen aktuellen Überblick geben, anhand von interessanten Fallbeispielen, die praktischen Konsequenzen sowie Wege aus der Copyright-Falle aufzeigen. Gerade bei der zukünftigen Verbreitung von Filmen über das Internet gibt es eine rege Diskussion (z.B. Content Cent, Creative Commons) über neue Nutzungsformen.

Damit wollen wir uns zwei Tage intensiv beschäftigen und die juristischen Grundlagen durch möglichst viele und interessante Fallbeispiele veranschaulichen. Das detaillierte Programm wird ab März auf die Homepage gestellt.

Teilnahmegebühr: 30 EUR (ermäßigt, z.B. Studierende mit Ausweis: 20 EUR), Tageskarte: 20 EUR.

Kontakt und Anmeldung: Haus des Dokumentarfilms
Königstr. 1A, 70173 Stuttgart. Ab 3.4.2006: Mörikestr. 19, 70178 Stuttgart. Tel: 0711-997808-90, Fax: 0711-997808-20, E-Mail: hdf@hdf.de, www.hdf.de, www.dokville.de.

(nach einer Pressemitteilung von Dokville)

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Diagonale: Lecture mit dem dänischen Autor und Dramaturgen Mogens Rukov

Auf Einladung des drehbuchFORUM wird der dänische Autor und Dramaturg Mogens Rukov („Idioten“, „Das Fest“, „It’s all about love“, „Reconstruction“ u.v.m.) auf der Diagonale in Graz eine Lecture halten.  Rukov, der auch als Juror für den diesjährigen Thomas-Pluch-Drehbuchpreis gewonnen werden konnte (Preisverleihung am 25.3. in Graz), gilt als einer der Väter der DOGMA-Bewegung. Zu seinen Schülern zählen u.a. Lars von Trier oder Thomas Vinterberg.  Rukov wird in Graz über seine grundsätzliche Herangehensweise an die Drehbuch- und Dramaturgen-Tätigkeit und über einige dänische Filme sprechen, die unter seiner dramaturgischen Mitarbeit oder nach seiner Buchvorlage entstanden sind und die teilweise auch auf der Diagonale präsentiert werden.

Donnerstag, 23. März, 11 Uhr im Space04 (kunsthaus graz) . Ohne Anmeldung, bei freiem Eintritt.  Die Vortragssprache ist Englisch.

Mogens Rukov

 Studium der Filmästhetik und Literatur an der Universität Kopenhagen.  Drehbuchautor und Dramaturg zahlreicher dänischer und internationaler Produktionen, Leiter der Abteilung Drehbuch/Dramaturgie an der Staatlichen Filmhochschule in Kopenhagen. Lehrtätigkeiten u.a. an der National Film and Television School, Beaconsfield, England, Tel Aviv University, The Jerusalem Film School, dffb Berlin.  Rukov hielt bereits 2001 für das drehbuchFORUM einen Autorenworkshop in Wien ab.  Zahlreiche Essays über Filmästhetik und Politik. Als AUTOR bzw. Co-Autor hat Rukov u.a. bei „Drabet“ von Per Fly (2005), „Reconstruction“ von Christoffer Boe (2003), „Arven - The Inheritance“ von Per Fly (2003), „It’s All About Love“ (2003), „Festen“ von Thomas Vinterberg (1998) und „En Kærlighedshistorie – Kira’s Reason: A Love Story“ von Ole Christian Madsen (2001)  mitgearbeitet. Als Dramaturg hat Rukov „Drømmen“ von Niels Arden Oplev (2006), „Skagerrak – Sweet Dreams“ (2003) und „Mifunes sidste sang – Mifune’s Last Song“ von Søren Kragh-Jacobsen (1999), „Pizza King“ von Ole Christian Madsen (1999), „Idioterne - The Idiots“ (1998), „Breaking the Waves“ (1996) und „Forbrydelsens – The Element of Crime“ von Lars von Trier (1996), „De Største helte – The Biggest Heroes“ von Thomas Vinterberg (1996) betreut.

(nach einer Pressemitteilung der Diagonale)